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En Lo trágico, los autores toman como punto de partida la diferencia entre la creación dramática trágica y la filosofía de la tragedia, dos líneas de trabajo que, como podemos comprobar en el libro, se articulan en una compleja reflexion. Tras analizar los fundamentos griegos de la tragedia en sus obras clasicas, Sofocles, Esquilo y Euripides, y en los planteamientos teoricos de Platon y Aristoteles, sus origenes y la interpretacion de los principales conceptos, recorren con minuciosidad y rigor la historia de las diferentes concepciones habidas en el mundo romano y en la Edad Media cristiana, en el Renacimiento y, sobre todo, en los siglosxviii y xix, cuando la valoracion de las obras y la teoria de la tragedia alcanzan sus cotas mas elevadas, en el Idealismo y en el Romanticismo, para acabar con las principales aportaciones del siglo xx, desde Freud y Benjamin hasta Szondi y Arendt.La reflexion filosofica moderna en torno a lo tragico parte de una paradoja pues, en efecto, presupone una toma de distancia de todo lo que parece constituir su objeto especifico de estudio: la tragedia. Hay que señalar que una reflexion sobre lo tragico no es lo mismo que una reflexion sobre la tragedia y esta precision debe orientar tambien al lector de nuestra obra. La confrontacion de estas dos lineas de reflexion se convierte, de esta manera, en una confrontacion de dos epocas y de dos culturas: la epoca y la cultura modernas han elaborado lo tragico como idea filosofica, mientras que a la epoca y la cultura antiguas (que incluso podriamos denominar de forma mas generica "premodernas") se debe la elaboracion de la tragedia como genero literario. Esta distincion representa un punto de partida fundamental cuando se quiere afrontar el problema de la sistematizacion de las ideas sobre lo tragico y sobre la tragedia.

«Y hoy, más que nunca, tenemos el deber de amar este mundo, no solo porque somos responsables de su fragilidad, sino porque tenemos una deuda con él: nos ofrece su esplendor, y pasamos de largo. ¿Por

En «Espacios afectivos», Laura Quintana se enfrenta a estas y a otras preguntas en un diálogo fecundo con Damián Pachón, quien con agudeza lee entre líneas las obras anteriores de la autora para ensa

Contemplar el arte es una colección de ensayos de Jerrold Levinson, una de las principales figuras de la estética contemporánea. El libro se divide en siete partes dedicadas al arte en general y a diferentes artes como la literatura, la pintura, la musica y el cine. Los capitulos dedicados a la musica ocupan la parte central del volumen y presentan algunas de las ideas mas originales y discutidas del pensamiento de Levinson, sobre la naturaleza de la escucha y el papel de la imaginacion en la audicion musical, la relacion entre musica y cine o el pensamiento musical. Ademas se analizan cuestiones historicas y otros temas centrales de estetica como la naturaleza de las propiedades esteticas, la interpretacion artistica, el humor o la nocion de valor intrinseco. La contemplacion del arte a la que se refiere el titulo es mucho mas que la percepcion pasiva de las obras; exige el ejercicio de buena parte de nuestro bagaje intelectual y moral y de nuestras capacidades perceptivas, afectivas e imaginativas.El placer asociado a los escalofrios musicales parece estar claramente localizado fisiologicamente. Es decir, que en tales casos el placer musical gira en torno a un particular efecto fisiologico, el escalofrio que recorre nuestra piel, siendo tal efecto parte integrante del placer experimentado. Una razon por la que el fenomeno del escalofrio musical es interesante desde el punto de vista filosofico es la siguiente: ¿como puede un simple hormigueo o un ligero temblor, es decir, una mera alteracion corporal, ser relevante para la apreciacion estetica? Cierto numero de filosofos del arte, el mas famoso Nelson Goodman, nos han acostumbrado a ver como ridicula -gracias al caracter ridiculo con que la han adornado- la idea de que se pueda atribuir un rol legitimo a las sensaciones en el analisis de la respuesta estetica. ¿Para que sirve una mera sensacion, aunque sea agradable, en el ambito del arte?, ¿que nos dice, de que nos da testimonio?...

Este libro es una invitación a repensar el lugar de la estética en la cultura y el pensamiento contemporáneos. Propone recorrer las trayectorias diversas que han recorrido los conceptos y las categorias esteticas desde la cuestion del gusto en el siglo XVIII hasta las condiciones actuales de la visualidad. La reivindicacion de lo estetico no pretende recuperarlo como mera experiencia subjetiva, sino entenderlo como clave interpretativa critica para abordar las relaciones entre sensibilidad, arte, naturaleza y cultura visual. A lo largo de cinco capitulos, se exploran cuestiones como el problema de la definicion de la estetica y de la nocion de gusto o la necesidad de pensar el arte por fuera de definiciones acabadas y mas alla de sus comienzos y finales. La reflexion sobre la belleza y lo sublime da paso al analisis de las categorias esteticas, mientras que la tension entre arte y naturaleza se aborda desde la crisis del clasicismo y la emergencia de nuevas poeticas y actitudes sensibles en la modernidad. Finalmente, se discute la mimesis, el cuerpo y la visualidad en el contexto de la cultura digital, en la que se recomponen conceptos como los de la autonomia y lo menor, insinuandose otros modos de produccion de sensibilidad. Esta dirigido tanto a estudiantes como a lectores interesados en el pensamiento estetico actual.

Dado que la capacidad para encontrar una realidad estética es la forma central de la percepción humana, el significado existencial y cultural de la experiencia estética sólo puede ser comprendido si se unifican la estetica y la filosofia del arte, separadas en las ultimas decadas tanto por la filosofia continental como por la filosofia analitica. Es ese el objeto de esta obra, en la que Martin Seel postula que la estetica no comienza con los conceptos de ser o de apariencia sino con el de aparecer. El aparecer -señala- revela la realidad que comparten todos los objetos esteticos, por muy diferentes que puedan ser en otros aspectos.

La Segunda Guerra Mundial en Japón fue un evento único y transformador que implicó la reconstrucción física y espiritual del país. El paisaje como categoría estética y la memoria como una entidad colectiva son conceptos que permiten auscultar a los pueblos luego de crisis historicas profundas. En este sentido, la presente publicacion examina las principales corrientes del cine japones a partir de una lectura y analisis historico y estetico, e innova en la lectura de las sociedades poscrisis al incorporar una vision interdisciplinaria original. "No hay nacion cuyo sentido del tiempo y del espacio se mantengan invariables despues de una catastrofe fundamental. El cine de posguerra de Japon, a traves del desarrollo estetico de sus identidades espaciales y temporales, conjuga poeticamente las nociones de trauma, origen e identidad. Los minuciosos escritos que reune este libro analizan ese corpus filmico en torno a los conceptos de memoria y paisaje, pero no solo como tipificacion de argumentos, elementos de drama o iconografias, sino especialmente como ideas audiovisuales de la conciencia moderna en crisis, forma que desde occidente o desde nuestra periferia contemplamos con una extrañeza familiar". Pablo Corro. PhD, director del Magister en Estudios de Cine. Instituto de Estetica UC.

El título se basa en la concepción compartida que comprender -tanto si se trata de una comprensión del otro en el habla como de la comprensión de textos- no se tiene que buscar por un único y obligatorio camino igual para todos, sino que puede alcanzarse por diversas vias. Tambien corresponde a la experiencia de que hay siempre nuevas y diferentes preguntas por formular, las cuales posibilitan abrir otros accesos a la comprension y hacer patentes aspectos de una persona o perspectivas sobre una cosa desconocidos hasta el momento.Caminos de la comprension recoge una antologia de articulos de Jauss en la que podemos apreciar las lineas fundamentales de la estetica de la recepcion y la hermeneutica literaria. Dante, Shakespeare, Yves Bonnefoy, Paul de Man estan presentes en sus paginas, pero tambien una mirada historica al concepto de "comprension", la controvertida relacion entre estetica y moral o la interpretacion de relatos biblicos.

El libro es una introducción a la "Teoría estética" de Theodor W. Adorno, su obra póstuma publicada en 1970. A través del concepto de autonomía del arte, Adorno reivindica el arte, que para él es sinonimo de libertad. Esto es asi en la medida en que supedita su existencia a la defensa de su propia causa, como de forma paradigmatica lo hace el arte moderno.

Estéticas perdidas invita a deshacer el relato asimilado usualmente por las historias de las ideas estéticas, a romper con la linealidad del discurso temporal de las ideas filosóficas, con el encadenamiento forzado de autores que se suceden en una causalidad generalmente aceptada. No se trata de ofrecer otro relato, de oponer a la historia asumida de las ideas esteticas una historia alternativa, sino de hacer visibles algunos de los huecos, las sendas perdidas, los espacios y tiempos que han quedado ocultos, parcial o totalmente, en la narracion academica. Los veintidos capitulos que componen este libro se adentran en el pensamiento de sendos autores y autoras que de algun modo han sido relegados o infravalorados por la tradicion moderna y contemporanea de la reflexion estetica, cuando no por su propio tiempo, sin que, en cualquier caso, se pretenda abordar todo lo perdido, todo lo olvidado. Quien lea atentamente estas paginas encontrara planteamientos que se desvian de los vectores trazados por la historia escrita de la filosofia, ideas que en muchos casos contradicen esos sentidos aceptados, valores ajenos y hasta opuestos a los aprobados por la historia del arte y la estetica filosofica.

En un escenario dominado por la amnesia y el sonambulismo, las alucinaciones y las ensoñaciones, el sujeto burgués, cuya identidad parecía tan sólida, se revela habitado por máscaras que escapan a cualquier dominio, presa de un desdoblamiento que jamas podra recomponerse. Al final, la identidad del sujeto occidental resulta ser una figura sombria y constitutivamente doble, que vive solo en sus carencias y sus olvidos, en sus perdidas y sus distracciones. Inmemorial y, precisamente por eso, inolvidable.

Además de tratarse de un objeto presente en la vida cotidiana de los seres humanos durante siglos, la vela encendida constituye una imagen tan expresiva como constante en las artes y las letras de Occidente. El valor simbolico de la vela y su llama es de una inusitada riqueza, hasta el punto de que deberia hablarse no de un valor sino de valores multiples, desde su vision como atributo de la divinidad hasta su relevancia en la representacion de la vida y del tiempo (incluido el tiempo del reloj), pasando por su caracter de simil agudo de lo transitorio o su inevitable vinculo con la muerte, la memoria y la sacralidad, entre otros muchos aspectos que este ensayo analiza. Para el poeta Andres Sanchez Robayna, estamos ante "un motivo unitario y dinamico a un tiempo", capaz de movilizar la imaginacion de poetas tan diversos como Quevedo y Coleridge, Yeats y Rilke, Kavafis y Ajmatova, o artistas como El Greco y Friedrich, Picasso y Giacometti, Dora Maar y Remedios Varo, Broodthaers y Tarkovski. Estas paginas proponen un recorrido historico e interpretativo por uno de los motivos literarios y artisticos mas fecundos de la imaginacion creadora occidental.

"El libro abre una vía de encuentro entre dos tradiciones filosóficas: la filosofía especulativa, que culmina en el sistema de Hegel, y la filosofía hermenéutica, cuya obra fundacional ampliamente reconocida es Verdad y Metodo, de Hans-Georg Gadamer, pero cuyos antecedentes se remontan por lo menos hasta el pensamiento de Friedrich Schleiermacher y se prolongan hasta autores contemporaneos, entre los que destacan Martin Heidegger y Paul Ricoeur, entre otros.La filosofia especulativa de Hegel pretende sacudir al pensamiento de todo anclaje en la finitud, para trascender hacia un saber absoluto, en el que los limites puestos por el entendimiento reflexivo sean superados en un sistema de saber absoluto. La filosofia hermeneutica sostiene, en cambio, que la comprension humana esta por principio abierta a experiencias siempre nuevas que le impiden cerrar el pensamiento en un sistema acabado, y esta impelida, por lo mismo, a retomar una y otra vez los caminos recorridos por el pensamiento, para proponer interpretaciones renovadas y rutas inexploradas. A pesar de esta profunda diferencia, hay tambien notables puntos de encuentro y convicciones compartidas que justifican el esfuerzo por hacer dialogar ambas concepciones filosoficas, desde la perspectiva de una "hermeneutica especulativa"."

"El texto que ofrezco a continuación es autobiográfico, pero no es como lo sería un relato completo de los hechos de mi vida ordenados cronológicamente. Es una secuencia de fragmentos de mi experiencia del vivir, escogidos especialmente porque son un reflejo del mundo de los marginales, ya sea que estos hayan vivido su experiencia como un desastre o como un logro exitoso. Las reflexiones que acompañan la narracion le dan al texto el caracter de un ensayo, de ahi el subtitulo de esta obra". Gaston Soublette.

"La presente versión del Tao Te King, de Lao Tse, comentada por Gastón Soublette, presenta para el lector de nuestro tiempo el interés de tratar ampliamente la temática del célebre texto, no limitándose solo a su contenido mistico. Asi, Soublette desarrolla en sus comentarios las ideas sociales y politicas de Lao Tse en concordancia con su metafisica, su psicologia y su cosmologia, destacando ademas su revolucionaria critica a la civilizacion y su promocion de los valores autoctonos.Lo novedoso de esta edicion, ultima hasta la fecha entre una serie de obras sobre el taoismo, consiste en la acertada ubicacion del libro en el contexto de la cultura china y su permanente referencia a otros textos sapienciales, como son el I Ching (Libro de las mutaciones) y el Shu King (Sagrado libro de la historia), con los que guarda una estrecha relacion.En este trabajo se ha hecho una lectura de Lao Tse libre de toda posicion ideologica y donde no se juzga al taoismo desde otra perspectiva que no sea la del mismo taoismo. Pero su enfoque global, mas alla de todo proposito academico, va orientado a ofrecer un aporte efectivo a las corrientes espirituales de nuestro tiempo, en las que conviven y confluyen la ciencia de vanguardia con las concepciones del mas antiguo pensamiento conocido. "

Este libro da cuenta de uno de los tópicos más controvertidos de la Estética contemporánea: el fin del arte. Para ello, se analizan las transformaciones que sufrió el arte y las teorías filosóficas que condujeron a considerar que podria tener un final. Hegel es referente imprescindible en este contexto pues elevo el arte a la mas alta consideracion, pero afirmo tambien que era ya un tema del pasado. Esta sentencia provoco innumerables interpretaciones que el libro recoge y sintetiza. De entre las contemporaneas, la que mas divulgacion ha alcanzado es la de Arthur Danto. Sin embargo, con frecuencia ha sido comprendida de manera parcial y por ello este libro la contextualiza dentro del desarrollo filosofico del autor, remarcando la coherencia de su pensamiento. El dialogo establecido entre ambos filosofos permite comprender como lo que termina es una comprension sobre el arte nacida en la epoca moderna, y aporta algunas claves para entender mejor el arte de nuestros dias.

Ann Banfield analiza la obra de Virginia Woolf en relación con la filosofía de Bertrand Russell y la teoría del arte de Roger Fry, el crítico que abrió las puertas al postimpresionismo y, con él, al modernismo en Londres. Pone de relieve las afinidades existentes y encuentra en la teoria del conocimiento de Russell y en la reflexion de Fry sobre Cezanne y el postimpresionismo el marco en el que Woolf escribe. La mesa que esta ahi, tanto cuando la observamos como cuando no lo hacemos pero, ¿como esta cuando no la percibimos?, ¿esta?, es motivo de Al faro y constante de las naturalezas muertas del pintor frances. V. Woolf crea una narrativa en la que las cosas, las situaciones, el mundo todo, tienen una presencia y una consistencia que no dependen del observador, pero que al observador afectan. Ese es uno de los problemas a los que se enfrento Russell y, en el campo de la pintura, Fry: las impresiones que el pintor marca en la tela necesitan una estructura que las ordene, que las "soporte", al modo en que la necesita la narracion woolfiana.El metodo seguido por Banfield se diferencia del habitual en los estudios filosoficos: las citas y referencias, minuciosas, de los tres autores, Woolf, Russell y Fry, del padre de Virginia, Leslie Stephen que cobra una importancia superior a la habitual en los estudios al uso, configuran una trama en la que se perfila el juego de relaciones, una urdimbre "sostenida" por Bloomsbury y Cambridge. El estilo de Banfield persuade al lector y hace mas compleja una traduccion que Jose Luis Arantegui ha sabido resolver con brillantez.

En la ingeniosa unión del pasado con el presente reside el secreto de la arrasadora y milagrosa fuerza vital del arte barroco del ingenio, que posee poderes casi divinos: las cosas mudas hablan; viven las insensatas, resurgen las muertas: las tumbas, los marmoles, las estatuas; de esta encantadora de las almas reciben voz, espiritu y movimiento. Razonan ingeniosamente con los hombres de ingenio. En fin, no puede decirse muerto a algo que el ingenio no haya tratado de avivar. Este arte no solo es rival de la naturaleza, la supera derrotando los ruinosos efectos del tiempo y de la muerte.La estetica del Barroco analiza con rigor y minuciosidad los textos de aquellos autores que podemos considerar antecedentes inmediatos del arte y la literatura barrocos, pero es a los clasicos de la agudeza y el ingenio, de la nueva concepcion de la belleza, Marino, Gracian y Tesauro, a los que presta mayor atencion. Completa su estudio con un analisis de los autores y textos barrocos que se han ocupado de las artes visuales y de aquellos filosofos que ya en el siglo xviii desarrollaron algunas de las ideas centrales del barroco.

El indispensable exceso de la estética aborda, por primera vez en esta disciplina, la evolución de la sensibilidad desde sus manifestaciones primigenias. Trata de rastrear la estesis a partir de subjetividades originarias en criaturas diversas segun su morfologia y condiciones de percepcion comenzando con la celula a organismos mas complejos. Señala actos de valoracion y emocion, apreciacion y discriminacion, empatia e inteligencia fina, sentido de simetria, proporcion y color en distintas especies animales. Demuestra que la creatividad, destreza y habilidades de representacion, ficcion y seduccion sensorial desplegadas por criaturas diferentes son afines a las tradicionalmente demarcadas para caracterizar a la estetica humana.Este libro, escrito en un lenguaje comprensible para cualquier lector de nivel universitario, plantea el estudio de la estetica desde una fundamentacion biosemiotica y evolucionista. Obligadamente interdisciplinario por su tema, enhebra hallazgos de la filosofia, zoologia, psicologia, neurologia, teoria de la cultura, antropologia y botanica. De este modo, Mandoki nos conduce a lo largo de tres ambitos diferenciados pero entretejidos desde el mundo primero de la materia, al segundo de la materia viva hasta el tercero de la materia viva cultivada. La estetica, para la autora, es la manera en que la naturaleza se excede a si misma en la evolucion.

Organizada por José Paulo Netto, a obra busca celebrar e trazer para o debate do século XXI o monumental livro História e consciência de classe: estudos sobre a dialética marxista, de György Lukács,