It has become commonplace to associate art and aesthetic experience with the category of ambiguity. Indeed, when we talk about art, we cannot do without the dynamic force of ambiguity just as the aesthetic itself cannot do without it. The great efforts to disambiguate aesthetic practices and their associated theories and contexts would eliminate arts unique ability to reshape our knowledge of the world, our sensory encounters with it, and our moral or political positions in it.The essays collected in this volume present different perspectives on this central category and develop interdisciplinary connections. Contributors include Frauke Berndt, Joy H. Calico, Stephan Kammer, Lutz Koepnick, Verena Krieger, Richard Langston, Rachel Mader, Lily Tonger-Erk, Gabriel Trop, and Thomas Wortmann.

Concebida como esencialmente pedagógica, esta obra de Juan Plazaola es una Introducción a todos los problemas actuales de la Estética. Se abre con una visión panorámica de las ideas estéticas desde los presocraticos hasta hoy, para continuar con una exposicion razonada de todas las cuestiones que debe abordar el estudio sistematico de la Estetica, su metodo, la vivencia estetica. el universo estetico, el arte como habilidad tecnica y como creacion poetica, sus referencias a la realidad, los aspectos genesiacos, productivos y autoexpresivos del quehacer artistico, el analisis estructural de la obra artistica, y finalmente, las relaciones del arte con la sociedad, la moral y la religion. Cada capitulo va acompañado de una serie de testimonios de artistas que lo avalan y esclarecen

Martha C. Nussbaum toma como punto de partida la filosofía de Aristóteles para establecer la pertinencia de la lectura y estudio de las obras literarias al abordar los problemas éticos. Si los textos filosoficos han planteado estas cuestiones en terminos de principios y reglas universales, abstractas, Aristoteles, a diferencia de Platon, concibio estos principios y reglas como "bosquejos" que debian llenarse con un contenido que se encuentra en las experiencias particulares. Experiencias y emociones que relatan las novelas y que la autora estudia en las obras de Henry James y Proust (cuya relacion con Albertine da titulo al libro), Dickens y Beckett, en la relacion entre dos de los miembros mas famosos del Grupo de Bloomsbury, Dora Carrington y Lytton Strachey. El libro termina con el que quiza sea el mas brillante ensayo entre los escritos por la autora: un analisis de la Odisea y, en concreto, de las razones que movieron a Ulises a rechazar la propuesta de la diosa Calipso: un amor eterno, que implicaba la inmortalidad y la felicidad. Ulises, como es sabido, prefiere volver con Penelope y la vida propia de los hombres, prefiere un proyecto de vida humana.No necesitamos solo ejemplos filosoficos (que solo contienen unas pocas caracteristicas que el filosofo ha decidido que son las de mayor relevancia para su argumento); tambien necesitamos novelas sobre la forma de vida global de la gente que realmente cree y vive la vida de la conmensurabilidad; sobre como llegaron ahi y como lidian consigo mismos y con los demas. Necesitamos aceptar esas obras, y otras obras sobre gente que vive y valora de manera diferente, para abordarnos no solo en y a traves del intelecto, sino evocando respuestas no intelectuales que tienen su propia forma de selectividad y de veracidad. Cualquier teoria social que recomiende o emplee una medida cuantitativa del valor sin haber ejercitado antes la imaginacion por este camino me parece completamente irresponsable.

En Lo trágico, los autores toman como punto de partida la diferencia entre la creación dramática trágica y la filosofía de la tragedia, dos líneas de trabajo que, como podemos comprobar en el libro, se articulan en una compleja reflexion. Tras analizar los fundamentos griegos de la tragedia en sus obras clasicas, Sofocles, Esquilo y Euripides, y en los planteamientos teoricos de Platon y Aristoteles, sus origenes y la interpretacion de los principales conceptos, recorren con minuciosidad y rigor la historia de las diferentes concepciones habidas en el mundo romano y en la Edad Media cristiana, en el Renacimiento y, sobre todo, en los siglosxviii y xix, cuando la valoracion de las obras y la teoria de la tragedia alcanzan sus cotas mas elevadas, en el Idealismo y en el Romanticismo, para acabar con las principales aportaciones del siglo xx, desde Freud y Benjamin hasta Szondi y Arendt.La reflexion filosofica moderna en torno a lo tragico parte de una paradoja pues, en efecto, presupone una toma de distancia de todo lo que parece constituir su objeto especifico de estudio: la tragedia. Hay que señalar que una reflexion sobre lo tragico no es lo mismo que una reflexion sobre la tragedia y esta precision debe orientar tambien al lector de nuestra obra. La confrontacion de estas dos lineas de reflexion se convierte, de esta manera, en una confrontacion de dos epocas y de dos culturas: la epoca y la cultura modernas han elaborado lo tragico como idea filosofica, mientras que a la epoca y la cultura antiguas (que incluso podriamos denominar de forma mas generica "premodernas") se debe la elaboracion de la tragedia como genero literario. Esta distincion representa un punto de partida fundamental cuando se quiere afrontar el problema de la sistematizacion de las ideas sobre lo tragico y sobre la tragedia.

En "El arte minimal. Objeto y sentido" la autora traza un panorama del arte minimal a través de la obra de sus autores más significativos, en relación al contexto del arte de los años sesenta y a la fundamentacion de los valores esteticos modernos. El libro analiza las cuestiones mas debatidas sobre el minimal, como el antiilusionismo, la falta de sentido y de expresividad o su caracter ideologico. Ademas, defiende el caracter significativo y vanguardista del arte minimal desde presupuestos distintos a los del post-estructuralismo.

Se trata del primer ensayo de la historia destinado específicamente a la temática lo feo. La motivación del autor fue la persistente presencia de lo feo en su época, que él entendía como síndrome de esta. Un sindrome caracterizado por la inmoralidad creciente entre las personas, el incremento de tendencias naturalistas en el arte y la imitacion inmediata y carente de merito de la realidad mediante nuevos procedimientos de copia como el daguerrotipo o de las figuras de cera. Esos tres rasgos: la frivolidad (negacion de lo bueno), la causalidad (negacion de lo verdadero) y la particularidad (negacion de lo universal) son objeto de ataque del autor. De las manifestaciones artisticas mas propias de su epoca Rosenkranz solo salva a la caricatura: capaz de sintetizar lo generico y lo individual. El texto original en el que se ha basado esta edicion es el impreso en 1853 en Konigsberg por la editorial Borntrager. Aparte de las notas al texto que incluyo el propio Rosenkranz (con llamadas en numeros arabigos y situadas despues del texto de la monografia), se ha añadido un nutrido aparato critico (con llamadas en numeros romanos y a pie de pagina) para esclarecer referencias, que sin este quedarian muy oscuras. En las citadas notas, se aporta la traduccion del griego clasico de los textos en esta lengua que introduce el autor. Igualmente esta edicion contiene un apartado dedicado a las referencias bibliograficas que utilizo el autor en las ediciones contemporaneas que manejo.

Contemplar el arte es una colección de ensayos de Jerrold Levinson, una de las principales figuras de la estética contemporánea. El libro se divide en siete partes dedicadas al arte en general y a diferentes artes como la literatura, la pintura, la musica y el cine. Los capitulos dedicados a la musica ocupan la parte central del volumen y presentan algunas de las ideas mas originales y discutidas del pensamiento de Levinson, sobre la naturaleza de la escucha y el papel de la imaginacion en la audicion musical, la relacion entre musica y cine o el pensamiento musical. Ademas se analizan cuestiones historicas y otros temas centrales de estetica como la naturaleza de las propiedades esteticas, la interpretacion artistica, el humor o la nocion de valor intrinseco. La contemplacion del arte a la que se refiere el titulo es mucho mas que la percepcion pasiva de las obras; exige el ejercicio de buena parte de nuestro bagaje intelectual y moral y de nuestras capacidades perceptivas, afectivas e imaginativas.El placer asociado a los escalofrios musicales parece estar claramente localizado fisiologicamente. Es decir, que en tales casos el placer musical gira en torno a un particular efecto fisiologico, el escalofrio que recorre nuestra piel, siendo tal efecto parte integrante del placer experimentado. Una razon por la que el fenomeno del escalofrio musical es interesante desde el punto de vista filosofico es la siguiente: ¿como puede un simple hormigueo o un ligero temblor, es decir, una mera alteracion corporal, ser relevante para la apreciacion estetica? Cierto numero de filosofos del arte, el mas famoso Nelson Goodman, nos han acostumbrado a ver como ridicula -gracias al caracter ridiculo con que la han adornado- la idea de que se pueda atribuir un rol legitimo a las sensaciones en el analisis de la respuesta estetica. ¿Para que sirve una mera sensacion, aunque sea agradable, en el ambito del arte?, ¿que nos dice, de que nos da testimonio?...

Roger Fry Maler, Kurator, Kunstkritiker und -theoretiker in Personalunion hat in der ersten Halfte des 20. Jahrhunderts wie kein Zweiter die Wahrnehmung von Kunst in Grobritannien beeinflusst. Fry war Mitglied der Bloomsbury Group um die Schwestern Virginia Woolf und Vanessa Bell und hat mit zwei skandalumwitterten Ausstellungen in London 1910 und 1912 bedeutende Vertreter der europaischen Malerei der Moderne, insbesondere Manet, Cezanne, Gauguin, Van Gogh und Matisse, unter dem von ihm gepragten Ausdruck Post-Impressionisten in der angelsachsischen Welt zuerst einem groeren Publikum bekannt gemacht.Mit diesem Band wird erstmals im deutschen Sprachraum eine Auswahl seiner kunsttheoretischen Schriften vorgelegt. Der Versuch uber Asthetik (1909), den Clive Bell als hilfreichsten Beitrag zu dieser Wissenschaft seit den Tagen Kants bezeichnete, gibt der kurz darauf in London ausgestellten Malerei das theoretische Fundament, indem Fry darin den Begriff einer Kunst entfaltet, die sich in der Moderne nicht mehr zur Nachahmung der Natur verpflichtet wei. Weitere kleine Schriften, u.a. etwa Das Sehen des Kunstlers (1919) oder Der Kunstler und die Psychoanalyse (1924), machen manche im Versuch uber Asthetik nur angedeutete argumentative Zusammenhange in einem breiteren Kontext verstandlich.

O primeiro volume da Estética, monumental obra de György Lukács publicada em 1963, é leitura imprescindível para a compreensão do pensamento lukacsiano sobre o fenômeno artístico. A edição brasileira

Este libro es uno de los estudios clásicos sobre aquella «ciudad de genios» de hace un siglo, a la que han convertido en un espléndido paradigma de investigación: la llamada «Viena fin-de-siglo» o «V

Dado que la capacidad para encontrar una realidad estética es la forma central de la percepción humana, el significado existencial y cultural de la experiencia estética sólo puede ser comprendido si se unifican la estetica y la filosofia del arte, separadas en las ultimas decadas tanto por la filosofia continental como por la filosofia analitica. Es ese el objeto de esta obra, en la que Martin Seel postula que la estetica no comienza con los conceptos de ser o de apariencia sino con el de aparecer. El aparecer -señala- revela la realidad que comparten todos los objetos esteticos, por muy diferentes que puedan ser en otros aspectos.

Este libro es una delicada reflexión acerca de la serenidad como experiencia estética que, en tanto disposición corporal específica que implica una purificación de los sentidos, funda y fundamenta un modo de percepcion que estaria presente tanto en el daoismo como en la concepcion del pensar del segundo Heidegger. Desde el analisis etimologico de este termino, Claudia Lira indaga en las imagenes y conceptos de la tradicion china y el pensamiento heideggeriano, con el proposito de exponer la compleja interaccion entre actividad y pasividad en la serenidad, al concebirla como estado y/o proceso, desde el cual se constituiria una gnoseologia receptiva del pensar. Asi, sobrepasando el campo de aplicacion del principio de la razon, cuya actividad la filosofia occidental ha definido a partir de su caracter agente, es decir, de su facultad de determinabilidad, esta experiencia como forma distinta de conocimiento estaria en la base del pensar, de la inspiracion y de la creacion artistica.

Ann Banfield analiza la obra de Virginia Woolf en relación con la filosofía de Bertrand Russell y la teoría del arte de Roger Fry, el crítico que abrió las puertas al postimpresionismo y, con él, al modernismo en Londres. Pone de relieve las afinidades existentes y encuentra en la teoria del conocimiento de Russell y en la reflexion de Fry sobre Cezanne y el postimpresionismo el marco en el que Woolf escribe. La mesa que esta ahi, tanto cuando la observamos como cuando no lo hacemos pero, ¿como esta cuando no la percibimos?, ¿esta?, es motivo de Al faro y constante de las naturalezas muertas del pintor frances. V. Woolf crea una narrativa en la que las cosas, las situaciones, el mundo todo, tienen una presencia y una consistencia que no dependen del observador, pero que al observador afectan. Ese es uno de los problemas a los que se enfrento Russell y, en el campo de la pintura, Fry: las impresiones que el pintor marca en la tela necesitan una estructura que las ordene, que las "soporte", al modo en que la necesita la narracion woolfiana.El metodo seguido por Banfield se diferencia del habitual en los estudios filosoficos: las citas y referencias, minuciosas, de los tres autores, Woolf, Russell y Fry, del padre de Virginia, Leslie Stephen que cobra una importancia superior a la habitual en los estudios al uso, configuran una trama en la que se perfila el juego de relaciones, una urdimbre "sostenida" por Bloomsbury y Cambridge. El estilo de Banfield persuade al lector y hace mas compleja una traduccion que Jose Luis Arantegui ha sabido resolver con brillantez.

En la ingeniosa unión del pasado con el presente reside el secreto de la arrasadora y milagrosa fuerza vital del arte barroco del ingenio, que posee poderes casi divinos: las cosas mudas hablan; viven las insensatas, resurgen las muertas: las tumbas, los marmoles, las estatuas; de esta encantadora de las almas reciben voz, espiritu y movimiento. Razonan ingeniosamente con los hombres de ingenio. En fin, no puede decirse muerto a algo que el ingenio no haya tratado de avivar. Este arte no solo es rival de la naturaleza, la supera derrotando los ruinosos efectos del tiempo y de la muerte.La estetica del Barroco analiza con rigor y minuciosidad los textos de aquellos autores que podemos considerar antecedentes inmediatos del arte y la literatura barrocos, pero es a los clasicos de la agudeza y el ingenio, de la nueva concepcion de la belleza, Marino, Gracian y Tesauro, a los que presta mayor atencion. Completa su estudio con un analisis de los autores y textos barrocos que se han ocupado de las artes visuales y de aquellos filosofos que ya en el siglo xviii desarrollaron algunas de las ideas centrales del barroco.

Estéticas perdidas invita a deshacer el relato asimilado usualmente por las historias de las ideas estéticas, a romper con la linealidad del discurso temporal de las ideas filosóficas, con el encadenamiento forzado de autores que se suceden en una causalidad generalmente aceptada. No se trata de ofrecer otro relato, de oponer a la historia asumida de las ideas esteticas una historia alternativa, sino de hacer visibles algunos de los huecos, las sendas perdidas, los espacios y tiempos que han quedado ocultos, parcial o totalmente, en la narracion academica. Los veintidos capitulos que componen este libro se adentran en el pensamiento de sendos autores y autoras que de algun modo han sido relegados o infravalorados por la tradicion moderna y contemporanea de la reflexion estetica, cuando no por su propio tiempo, sin que, en cualquier caso, se pretenda abordar todo lo perdido, todo lo olvidado. Quien lea atentamente estas paginas encontrara planteamientos que se desvian de los vectores trazados por la historia escrita de la filosofia, ideas que en muchos casos contradicen esos sentidos aceptados, valores ajenos y hasta opuestos a los aprobados por la historia del arte y la estetica filosofica.

En «Espacios afectivos», Laura Quintana se enfrenta a estas y a otras preguntas en un diálogo fecundo con Damián Pachón, quien con agudeza lee entre líneas las obras anteriores de la autora para ensa

Además de tratarse de un objeto presente en la vida cotidiana de los seres humanos durante siglos, la vela encendida constituye una imagen tan expresiva como constante en las artes y las letras de Occidente. El valor simbolico de la vela y su llama es de una inusitada riqueza, hasta el punto de que deberia hablarse no de un valor sino de valores multiples, desde su vision como atributo de la divinidad hasta su relevancia en la representacion de la vida y del tiempo (incluido el tiempo del reloj), pasando por su caracter de simil agudo de lo transitorio o su inevitable vinculo con la muerte, la memoria y la sacralidad, entre otros muchos aspectos que este ensayo analiza. Para el poeta Andres Sanchez Robayna, estamos ante "un motivo unitario y dinamico a un tiempo", capaz de movilizar la imaginacion de poetas tan diversos como Quevedo y Coleridge, Yeats y Rilke, Kavafis y Ajmatova, o artistas como El Greco y Friedrich, Picasso y Giacometti, Dora Maar y Remedios Varo, Broodthaers y Tarkovski. Estas paginas proponen un recorrido historico e interpretativo por uno de los motivos literarios y artisticos mas fecundos de la imaginacion creadora occidental.

Este libro invita a la formación estética, como un elemento clave para la infancia y la adolescencia, asociándola a la vida cotidiana y a las artes. Se fundamenta en los filósofos John Dewey, Katya Mandoki, Alain Kerlan y otros investigadores. Explora de que modos trabajan hoy los artistas con no artistas, dentro del transformado campo artistico contemporaneo. Interroga sobre el potencial politico de las artes en nuestras sociedades latinoamericanas. Tomando en cuenta que se necesita para lograr la "ciudadania cultural", en una democracia que no sea ilusoria.Las artes se analizan en sus relaciones con las TIC y los medios de comunicacion. Pues estas innovaciones estan produciendo hoy enormes cambios en las experiencias de la sensibilidad. Se presentan dos proyectos pedagogicos con las artes: el primero desarrollado en un colegio estatal frances en Montpellier y el otro, en una institucion educativa de Cali. La propuesta es introducir la formacion estetica y las artes en las escuelas y colegios publicos, para promover el desarrollo humano y cumplir los derechos culturales. Se exponen problemas conceptuales y propositos practicos. Advirtiendo que, para la construccion de iniciativas concretas, "lo teorico" no equivale solo a postulados, sino tambien a modos de trabajar que nos orienten a mejorar la calidad de vida de los grupos sociales de menores ingresos. Necesitamos hacer visibles las artes en la esfera publica y provocar decisiones educativas requeridas con urgencia.

Este libro da cuenta de uno de los tópicos más controvertidos de la Estética contemporánea: el fin del arte. Para ello, se analizan las transformaciones que sufrió el arte y las teorías filosóficas que condujeron a considerar que podria tener un final. Hegel es referente imprescindible en este contexto pues elevo el arte a la mas alta consideracion, pero afirmo tambien que era ya un tema del pasado. Esta sentencia provoco innumerables interpretaciones que el libro recoge y sintetiza. De entre las contemporaneas, la que mas divulgacion ha alcanzado es la de Arthur Danto. Sin embargo, con frecuencia ha sido comprendida de manera parcial y por ello este libro la contextualiza dentro del desarrollo filosofico del autor, remarcando la coherencia de su pensamiento. El dialogo establecido entre ambos filosofos permite comprender como lo que termina es una comprension sobre el arte nacida en la epoca moderna, y aporta algunas claves para entender mejor el arte de nuestros dias.

En los dos siglos y medio en los que, más o menos y siempre convencionalmente, se ha establecido la duración del Renacimiento en Italia, se acaban en cualquier caso fijando los nuevos caracteres que determinan ese aspecto y esa forma que fueron caracteristicos de los siglos posteriores y que, ampliandose por encima de sus limites, conservan y, a veces, adquieren vitalidad autonoma. Los aspectos esteticos de este periodo no pueden relegarse solamente al analisis de tratados filosoficos ampliados a la teoria artistica, sino que tienen que ser estudiados a traves de programas de diferente tipo que van desde la exploracion de las tierras desconocidas a la correccion y enmienda de los textos de los autores griegos y latinos, y hasta de los politicos, con frecuencia tan diferentes de aquellos hombres que hicieron de aquel periodo algo tan importante. Las problematicas etico-politicas, el interes por lo desconocido, el estudio de los cielos, la traduccion de algunos aspectos filosoficos en las formas del vivir civil, modelos de comportamiento y hasta en las cuestiones de costumbres, como las predicaciones hermeticas y platonizantes, explicitan los cambios de gusto y los climas de un periodo excesivamente estratificado.