Libros de Fotografos, página 7 de 139

Un proyecto como este es algo excepcional, sin equivalentes antes ni después: una pareja casada de fotógrafos publican autorretratos muy personales, incluso íntimos, y retratos mutuos tomados durante decadas, y complementa esas fotografias privadas con imagenes de personajes y celebridades de la jet-set. En 1998, Helmut y June Newton publicaron su legendario proyecto conjunto Us and Them en forma de libro y tambien en exposiciones complementarias. La primera parte de Us and Them, una historia incomparable de cincuenta y cinco años de convivencia y amor, nos ofrece una vision de la vida privada de los fotografos.Es una especie de diario fotografico que documenta la vida que compartieron Helmut y June Newton por medio de las instantaneas que tomaron el uno del otro. Tambien hay fotografias de actores, artistas y figuras importantes de la cultura de la epoca, como Brassai y Peter Beard, Yves Saint Laurent y Thierry Mugler o Jane Birkin y Charlotte Rampling. Los retratos que Helmut y June Newton tomaron en distintos momentos se presentan en parejas y nos revelan dos facetas de una misma personalidad. Esta publicacion cierra asi distintos circulos, porque la vida y la obra de Helmut y June Newton estuvieron vinculadas de varias maneras. Uno no fue posible sin el otro, y viceversa.Exposicion complementaria:Alice Springs. Retrospectiva, hasta el 19 de noviembre de 2023, Fundacion Helmut Newton, Berlin.En 1970, June Newton, tambien conocida como Alice Springs, comenzo oficialmente a tomar fotografias en tres generos: moda, desnudo y retrato, pero antes ya habia realizado numerosas fotografias de su esposo, que se muestran en esta exposicion y pertenecen en su mayoria al proyecto Us and Them. La retrospectiva de Berlin se cierra con dipticos yuxtapuestos con retratos de Helmut Newton y Alice Springs, tambien de Us and Them.

El artista ha sido calificado de genio y de poeta, y también de misógino, pornógrafo y monstruo, pero la obra de Nobuyoshi Araki transciende las clasificaciones morales simplistas. Como él mismo ha dicho de este arte: No hay conclusion. Es completamente abierto. No va a ninguna parte. La obra de Araki, uno de los mejores fotografos japoneses de nuestro tiempo, esta marcada por su dominio inconfundible de la composicion, el color y el tono. El Kinbaku-bi, que significa la belleza de atar fuerte, es el arte tradicional japones del bondage erotico y siempre ha fascinado al fotografo, que lo ha convertido en uno de sus temas clave. Araki juega con patrones de subyugacion y emancipacion, muerte y deseo, y con la transicion la serenidad al impacto. Ya sea de forma literal o figurada, las modelos que ata estan inmovilizadas, pero de las formas mas tentadoras: chicas atadas pero desafiantes, suspendidas del techo, con vestidos tradicionales o desnudas, cara a cara, a veces con una flor colocada sutilmente entre sus piernas. Araki selecciona sus imagenes favoritas de bondage de todos los tiempos. El resultado muestra su habilidad inigualable para encontrar el equilibrio entre la vulnerabilidad sexual y la seduccion.

Akiko Kimura forma parte de una nueva generación de fotógrafos japoneses que trabajan el paisaje con extrema sensibilidad. Su obra se ha expuesto en galerías de Japón y del extranjero. El título de la serie "i", es el sonido /ai/ que es I en ingles y significa amor en japones. Al contemplar estas fotografias, uno se queda con una sensacion de paz y serenidad, un sentimiento de la suerte de vivir en este mundo. i es el primer libro de Akiko con distribucion internacional, editado con extrema calidad en una edicion limitada de 1000 ejemplares.

El boom de los 60 fue un momento clave para la fotografía de moda, con el inicio de las supermodelos y la llegada de la sensacional y radicalmente diferente Twiggy.El artista y restaurador Antoni Miralda presenta por primera vez su fotografia de moda de los años sesenta de Paris y Londres en un impactante volumen. Antoni Miralda, nos sorprende con su avanzada obra fotografica, con referencias al Land Art y a la Escuela de Fotografia deDusseldorf.La fotografia de moda ocupa un lugar desconocido, pero importante, en la carrera de Antoni Miralda. Este libro nos permite comprender lo influyente que fue su obra en aquella epoca. Tras instalarse en Paris, el artista comenzo a colaborar regularmente con la revista ELLE entre 1964 y 1971, trabajando en colecciones contemporaneas de temporada vinculadas al mundo del arte.La mayoria de las imagenes de la epoca mostraban a modelos en estudios, mientras que Miralda sacaba a estas modelos a la calle. Frente al Gran Paris de Haussmann, de museos e imponentes catedrales, Miralda prefiere los puntos ciegos del urbanismo historicista; lugares populares, sin cliches, con una gran densidad humana.Moda sin Flash, con su diseño contemporaneo y sus referencias a revistas y archivos de moda, presenta por primera vez una vision detallada de la obra por descubrir de uno de los artistas mas versatiles e iconicos del siglo XX.

El boom de los 60 fue un momento clave para la fotografía de moda, con el inicio de las supermodelos y la llegada de la sensacional y radicalmente diferente Twiggy.El artista y restaurador Antoni Miralda presenta por primera vez su fotografia de moda de los años sesenta de Paris y Londres en un impactante volumen. Antoni Miralda, nos sorprende con su avanzada obra fotografica, con referencias al Land Art y a la Escuela de Fotografia deDusseldorf.La fotografia de moda ocupa un lugar desconocido, pero importante, en la carrera de Antoni Miralda. Este libro nos permite comprender lo influyente que fue su obra en aquella epoca. Tras instalarse en Paris, el artista comenzo a colaborar regularmente con la revista ELLE entre 1964 y 1971, trabajando en colecciones contemporaneas de temporada vinculadas al mundo del arte.La mayoria de las imagenes de la epoca mostraban a modelos en estudios, mientras que Miralda sacaba a estas modelos a la calle. Frente al Gran Paris de Haussmann, de museos e imponentes catedrales, Miralda prefiere los puntos ciegos del urbanismo historicista; lugares populares, sin cliches, con una gran densidad humana.Moda sin Flash, con su diseño contemporaneo y sus referencias a revistas y archivos de moda, presenta por primera vez una vision detallada de la obra por descubrir de uno de los artistas mas versatiles e iconicos del siglo XX.

Aunque no nos moviéramos de un punto determinado durante 30 horas y sencillamente nos dedicáramos a observar, sin cerrar nunca los ojos, no lograríamos capturar toda la riqueza de detalles y emociones que evocan las panoramicas de Stephen Wilkes. No solo toma mas de 1.500 exposiciones desde un angulo fijo, sino que posteriormente sintetiza esta informacion visual en su estudio, donde compone con minuciosidad las fotografias seleccionadas en una unica panoramica.Day to Night, un libro que invita a hojearlo una y otra vez, presenta 60 de estas panoramicas ultraepicas creadas entre 2009 y 2022, tomadas en lugares muy dispares: del Serengueti africano a la Laguna Azul de Islandia y del Gran Cañon a Coney Island, pasando por Trafalgar Square y el Times Square. Cada imagen es una obra de amor y paciencia. Wilkes tuvo que esperar mas de dos años para obtener el permiso para fotografiar al papa Francisco celebrando la misa de Pascua en el Vaticano, y el resultado fue un cuadro vivido en el que el pontifice aparece 10 veces.El libro tambien recoge detalles extraordinarios: obras de arte por derecho propio que resaltan las historias contenidas en cada imagen. Una novia avanza por Central Park; en Tanzania, las cebras se reunen alrededor de un pozo de agua casi invisible durante una sequia; en Rio de Janeiro, los surfista van y vienen mientras un hombre sostiene un cartel en el que se lee: No mas de dos preguntas por cliente. Son precisamente estas pequeñas historias, estos detalles, los que captan la atencion de la gente, dice Wilkes. Una vez descubiertas, estas mininarraciones dotan a cada composicion de un caracter natural y personal.Esta coleccion nos transporta a los lugares mas emblematicos del mundo en un viaje sin interrupciones desde el amanecer hasta el anochecer, y permite descubrir las fluctuaciones unicas de maravillas naturales y humanas desde una perspectiva absolutamente novedosa.

No fa tampoc tants anys a Barcelona, a la Rambla hi podries trobar venedors de peixets, a Montjuc gaudies de curses de motos i cotxes, hi havia un canodrom al mig de la ciutat, el litoral barceloní encara no tenia platges i de lestacio de França hi baixaven riades de gent plena de maletes per sobre de les vies del tren. Era la ciutat post-olimpica que surt retratada en aquest llibre del fotograf autodidacta Jordi Pol. Les seves fotografies mostren la Barcelona dels anys seixanta, setanta i vuitanta del segle XX amb un estil que ens remet a la fotografia de carrer: propera i centrada en el gest de les persones i les seves mirades. A traves de les imatges de Jordi Pol, els nostalgics recordaran la Barcelona dels seus temps i les noves generacions descobriran un imaginari que els sorprendra igual o mes que allo que veuen cada dia en les aplicacions del seus mobils.

La exposición Tina Modotti(Údine, 16 de agosto de 1896-Ciudad de México, 5 de enero de 1942) recupera la figura de esta artista a la que se ha venido conociendo paulatinamente desde la década de 1970. Ademas de hacer hincapie en su relacion con España, la muestra realiza por vez primera una reconstruccion sin fisuras de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotografa como en la de revolucionaria /militante antifascista. Gracias al extenso trabajo de investigacion de la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, y debido a la escasa produccion de la fotografa, la exposicion que hoy presenta Fundacion MAPFRE reune alrededor de 240 fotografias a lo largo de un recorrido cronologico que se divide en cuatro secciones. Se exponen en su mayoria copias de epoca y una extensa muestra de material documental. Ademas, se presentan obras de fotografos de su entorno cercano como Edward Weston, asi como una de las peliculas que Modotti protagonizo en Hollywood.El catalogo de la exposicion recoge las fotografias y material documental expuestos, ademas de los ensayos de la comisaria Isabel Tejeda y diversos autores, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudio Natoli, Eva M. Vives.

La exposición Tina Modotti(Údine, 16 de agosto de 1896-Ciudad de México, 5 de enero de 1942) recupera la figura de esta artista a la que se ha venido conociendo paulatinamente desde la década de 1970. Ademas de hacer hincapie en su relacion con España, la muestra realiza por vez primera una reconstruccion sin fisuras de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotografa como en la de revolucionaria /militante antifascista. Gracias al extenso trabajo de investigacion de la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, y debido a la escasa produccion de la fotografa, la exposicion que hoy presenta Fundacion MAPFRE reune alrededor de 240 fotografias a lo largo de un recorrido cronologico que se divide en cuatro secciones. Se exponen en su mayoria copias de epoca y una extensa muestra de material documental. Ademas, se presentan obras de fotografos de su entorno cercano como Edward Weston, asi como una de las peliculas que Modotti protagonizo en Hollywood.El catalogo de la exposicion recoge las fotografias y material documental expuestos, ademas de los ensayos de la comisaria Isabel Tejeda y diversos autores, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudio Natoli, Eva M. Vives.

Nacido en Brooklyn en 1922, Louis Stettner comenzó a hacer fotos siendo un adolescente en la década de 1930, y dedicó casi ochenta años de su vida a la fotografía. Tras prestar servicio en el Pacífico como fotografo para el ejercito de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, se traslado a Paris en 1947. A lo largo de su vida, alterno la residencia durante largos periodos en Francia y Estados Unidos antes de establecerse definitivamente en Paris desde 1990 hasta su muerte, en 2016.A caballo entre estas dos culturas, la obra de Stettner incorpora elementos de la fotografia callejera estadounidense y de la fotografia humanista francesa. Formado en la escuela neoyorquina de la Photo League, aprendio con Sid Grossman y fue un gran amigo de Weegee. En Paris, el joven fotografo conocio a Brassai, que se convirtio en su mentor y le introdujo en la comunidad fotografica parisina. Stettner fusiono la vertiente lirica francesa con la tradicion neoyorquina de fotografia socialmente comprometida para crear su propia version del humanismo.

La exposición La Cataluña de Jules Ainaud (1871-1872) se acompaña de un catálogo en el que se reproduce una gran parte de las imágenes fotográficas que Jules Ainaud tomó en Cataluña entre agosto de 1871 y julio de 1872 por encargo de la casa J. Laurent de Madrid. El hecho de que Ainaud trabajara para la casa J. Laurent relego su nombre al anonimato. Esta publicacion tiene como fin dar a conocer su obra, y poner su nombre a la altura que se merece dentro de la historia de la fotografia del siglo XIX en España. Incorpora, ademas, un ensayo a cargo del comisario del proyecto, Jep Marti Baiget, y otro de Carlos Teixidor Cadenas, conservador de fotografia en la Fototeca del Instituto del Patrimonio Cultural de España. El catalogo esta disponible en catalan y castellano.

La exposición La Cataluña de Jules Ainaud (1871-1872) se acompaña de un catálogo en el que se reproduce una gran parte de las imágenes fotográficas que Jules Ainaud tomó en Cataluña entre agosto de 1871 y julio de 1872 por encargo de la casa J. Laurent de Madrid. El hecho de que Ainaud trabajara para la casa J. Laurent relego su nombre al anonimato. Esta publicacion tiene como fin dar a conocer su obra, y poner su nombre a la altura que se merece dentro de la historia de la fotografia del siglo XIX en España. Incorpora, ademas, un ensayo a cargo del comisario del proyecto, Jep Marti Baiget, y otro de Carlos Teixidor Cadenas, conservador de fotografia en la Fototeca del Instituto del Patrimonio Cultural de España. El catalogo esta disponible en catalan y castellano.

Este libro presenta la investigación realizada por el Institut Català de les Dones, que se adentra en la obra de Montserrat Vidal-Barraquer i Flaquer a traves de los más de 22.000 negativos, casi 10.

Las fotografías del venezolano Luis Enrique Brito forman un conjunto muy especial por mantener con maestría un equilibrio entre lo artístico y lo social.En esta selección se tratan temas como la religion, la soledad, la locura, la vejez, o la muerte, con gran sensibilidad y una estetica muy sugerente.Un fotografo intrepido en una constante busqueda por entornos fuera del ambito cotidiano que le llevaba a los barrios mas peligrosos de Caracas para compartir con la gente rituales y fiestas, o ir alrededor del rio Orinoco a retratar la realidad de la vida indigena.Yo soy de Rio Caribe, un pueblo que gira alrededor de la religion, la locura y la muerte () la influencia mas fuerte que he tenido son esos tres temas fundamentales

"Élegies" es una retrospectiva que reúne una variada muestra de la trayectoria del artista Jorge Fuembuena, ganador de la X edición del Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler.Jorge Fuembuena (Zaragoza, 1979), vive y trabaja en Madrid. Su trabajo ha recibido numerosos galardones tanto nacionales como internacionales.'Elegies' sirve de catalogo a la exposicion homonima en la que Fuembuena nos habla del paso del tiempo, la muerte, la inocencia, lo divino... temas que se entrecruzan constantemente en su obra.El libro incluye ensayos del todo reveladores del quehacer de Fuembuena de la mano de Alejandro Castellote, del comisario de exposiciones François Cheval y del cineasta Carlos Saura, fallecido pocos dias antes de la publicacion de este libro.

* Los reportajes de moda que realizó Joana Biarnés, la primera fotoperiodista española, que muestran la evolución de la moda y de la sociedad en una época de cambios trascendentales, desde el final de la decada de 1950 hasta principios de la de 1970. * Pionera en la fotografia de moda, conto con la colaboracion destacada de la periodista Rosana Ferrero. Joana se ocupaba del estilismo, de elegir a las modelos y las tematicas de muchos de sus reportajes y editoriales, y consiguio a menudo marcar tendencia. De esta forma, se convirtio en la cronista regular y sistematica de la evolucion radical que se produjo en la indumentaria, del clasicismo de la alta costura a la informalidad del pret-a-porter. * Biarnes trato la moda con la misma proximidad y sinceridad con que abordaba el resto de los temas que documentaba. En un ambito dado a la fantasia y la sofisticacion, Joana situo a menudo las modelos en la calle, con naturalidad, sin buscar escenarios fastuosos o extravagantes y capto como nadie en cada imagen la esencia de su tiempo. "En su legado fotografico, Joana Biarnes ha dejado constancia de un espiritu contemporaneo y cosmopolita. Su modo de ver, su manera de mirar, la definen como una mujer avanzada a su tiempo. Supo hacer, sin pretenderlo, de su modernidad una reivindicacion feminista. En un pais de hombres, como era el nuestro en aquellos años, ejercio una profesion reservada exclusivamente a la masculinidad, lo que la convierte en pionera. Sus trabajos de fotoperiodismo, sus disparos para el mundo de la moda, donde la actitud sustituye a la pose, hacen del trabajo de Joana Biarnes un legado unico e irrepetible". Manuel Outumuro [prologo]

Considerado unánimemente como el gran maestro de su generación, Francesç Català-Roca (1922-1998) constituye en puente decisivo entre las vanguardias de entreguerras

Ganadora de la primera edición del KBr Photo Award, puesto en marcha por Fundación MAPFRE, con carácter bienal, en 2021