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Pocos momentos del arte occidental han sido estudiados de manera tan heterogénea o inconexa como el Neoclasicisimo y el siglo XIX. Frente a los análisis globales que han recibido el Renacimiento o el Barroco, el siglo XIX aparece como una amalgamam de tendencias artisticas que parecen conducir inexorablemente a justificar la modernidad del siglo XX. Por ello, en el presente estudio se ha pretendido abordar el logico y natural desarrollo del arte durante el siglo XIX, sus deseos de renovacion y su peculiar forma de enfrentarse al pasado, a la memoria artistica colectiva, de la que sacara su propio lenguaje, muchas veces eclectico, pero siempre progresivo. Sin pretensiones de exhaustividad, este libro procura poner al dia la gran diversidad de artistas y obras decimononicas a la luz de la historiografia, para de esta manera tratar de entender los factores que la hicieron nacer y que les dieron su sentido.

Alias recupera en esta publicación la edición del catálogo oficial que acompañó a esta magna exhibición de arte producida por el Ministerio de Cultura de España a través del Museo Reina Sofía en colaboracion con el British Council. Un inventario en el cual se traza un recorrido por los procesos, experiencias y practicas de los artistas participantes a traves de entrevistas, textos, poemas y comentarios acompañados por detalladas imagenes de las obras que definieron la identidad del arte britanico hacia el nuevo milenio.

Este volumen recoge el último proyecto que Nacho Criado ha inaugurado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, Nacho Criado no existe. Se trata de proyectos no realizados y en otros casos nunca vistos, que ofrecen la optica particular que solo dan los años y la memoria. El Cultural ha hablado con el de este singular proyecto, del pasado y el presente y de una trayectoria que el año pasado cumplio 35 años.

TV/ARTS/TV expone, proyecta, reflexiona, explica y elabora las historias que reconstruyen la relación de los artistas con el medio televisivo a través de distintos medios expresivos: instalación, proyecciones de video retransmitidas por television, conferencias de artistas, fotografias, dibujos y sitios web, entre otros. Un libro que remite a la muestra que tendra lugar del 15 de octubre a 5 de diciembre en Arts Santa Monica (Barcelona), y que reune las obras (videos monocanal e instalaciones), las experiencias (testimonios directos de los protagonistas) y las reflexiones (documentos, textos, proyectos) que representan y explican utopias y distopias, fascinaciones y agresiones en la relacion con el mitico dispositivo televisivo. Autores: Vito Acconci, Judith Barry & Ken Saylor, Joseph Beuys, Dara Birnbaum, Canecapovolto, Dan Graham, Gary Hill, Ivan Marino, Chris Marker, Fabio Mauri, Antoni Muntadas, Nam June Paik, Martin Parr, Joan Rabascall, Marco Raparelli, Mario Schifano, Mireia Sentis, James Turrel, Wolf Vostell

¿Cómo se construye la historia del arte contemporáneo chino? ¿Desde qué perspectivas? ¿Quiénes son los que esbozan los discursos teóricos y expositivos a partir de monográ?cos, ensayos, catálogos y libros de entrevistas? ¿Cuáles son las expectativas que genera y de qué modo éstas in?uyen en su recepción en un marco internacional? Tales preguntas deben enmarcarse en la emergencia del arte chino contemporáneo en el escenario global en la década de los noventa y en la rápida consolidación de gran parte de sus artistas, a partir del nuevo milenio, en el mercado artístico transnacional. El presente libro recoge una serie de entrevistas a distintos historiadores, críticos de arte y comisarios que han participado activamente en la elaboración de la(s) historia(s) del arte contemporáneo en China desde una polifonía de voces y prismas. Los relatos presentados desde la primera persona del singular constituyen una fuente clave para elaborar la historia, aun siendo conscientes del reto de articularla mientras está en construcción. Estas conversaciones se convierten en instrumentos para reinterpretar, dialogar y re?exionar sobre los paradigmas y narrativas que acompañan al denominado arte contemporáneo chino.

La historia del arte de la Modernidad va ligada al nacimiento de técnicas y modalidades artísticas específicas de la creación contemporánea. La animación y los dibujos animados, nacidos de forma paralela a otros lenguajes artisticos como el cinematografo o el comic, han configurafo la conciencia de gran parte de los espectadores de nuestro tiempo. Hoy en dia se muestran como una herramienta artistica y de entretenimiento fundamental, asi como un objeto de analisis que puede concitar la atencion de especialistas e investigadores de disciplinas muy diversas, como son las artes plasticas, la estetica, la sociologia, la historia del arte, la critica de cine y de los media, etc. Una historia y una analitica de la animacion es, por tanto, una tarea urgente que este libro se propone iniciar. Edicion bilingue castellano-gallego.

* El surrealismo surgió como un movimiento literario y artístico dado a conocer por el poeta francés André Breton en 1924, con el Manifiesto surrealista. * Los artistas surrealistas ahondaron en el inconsciente y gozaron con yuxtaposiciones de raros objetos sin relacion entre ellos.* Utilizaron medios de todos los tipos imaginables, desde la sorprendente taza cubierta de pieles de Meret Oppenheim hasta el jardin fantastico de Edward James, Las Pozas, en lo mas profundo de la selva mexicana. Cuando murio Breton en 1966, el surrealismo se habia extendido por todo el mundo y era uno de los movimientos artisticos mas populares del siglo XX."Una notable y equilibrada presentacion de pinturas bien conocidas e inusuales obras de arte de todo el mundo. Una vision maravillosamente original que abre nuevas vias a la investigacion". Dawn AdesEn cada apartado se brindan una sucinta explicacion, obras caracteristicas y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la seccion de referencia figura un glosario indispensable de terminos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un indice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en el encontraran en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionara toda la informacion contextual nec...

Ha dedicado toda su vida a su pasión, la pintura. Estuvo dos años en la Academia de Arte de Oslo, luego estudió con Joseph Beuys en la Academia de Arte de Düsseldorf. Desde su debut en 1964, se ha op

En l'assaig 'Der psychologische und biologische Untergrund expressionistischer Bilder' (1920) -traduït ací per primera vegada a l'espanyol-, el psicoanalista Oskar Pfister es va proposar penetrar en

La arquitectura, la escultura y la pintura a finales del siglo XIX. Pintura realista. El impresionismo. El postimpresionismo. El modernismo. Arquitectura, escultura y pintura a principios del siglo XX. El idioma del color: Nabis y Fauvismo. Ex expresionismo. Indice de artistas.

La filosofía de Gadamer lleva a su lado indefectiblemente el epíteto de «hermenéutica», puesto que ha sido, en gran medida, la fundadora de la hermenéutica filosófica contemporánea. Ésta se ha conver

El arte del barroco le fascina por la constante comparecencia de la muerte que, alegorizada o literal, se concita en sus obras; una presencia que, al mismo tiempo y contradictoriamente, supone una celebración macabra de la vida y de todo aquello que de fútil y pasajero contiene

Destacado exponente del informalismo europeo, Pierre Alechinsky (Bruselas, 1927) fue miembro del grupo CoBrA, junto con otros artistas como Asger Jorn o Karl Appel. Profundamente influido por el surrealismo y por el expresionismo, sus trabajos engranan tambien con esa corriente que, bien representada por Jean Dubuffet, creyo descubrir en el folklore tradicional, en ciertas formas de artesania o en las creaciones plasticas de niños y enfermos mentales, una pureza incontaminada capaz de revitalizar el esclerotico mundo del arte institucional. Tintas, acuarelas y grabados conforman esta gran retrospectiva de su obra Sobre papel, a la que el CBA dedica dos de sus salas de exposiciones. La muestra ofrece una amplia aproximacion a casi cincuenta años de trabajo o tal vez habria que decir de juego, pues la vertiente ludica esta siempre presente en el proceder de Alechinsky. El presente catalogo, por su parte, da prueba de las excelentes relaciones del artista belga con el universo de habla hispana: colaborador de Alberto Gironella, buen amigo de Antonio Saura y Eduardo Arroyo, Julio Cortazar, el mismo Saura y Octavio Paz le dedicaron textos que aqui se reproducen, junto con un apasionante analisis de su obra a cargo de Javier Arnaldo.

Entre los meses de mayo y junio de 1937, en plena Guerra Civil española, Pablo Picasso pintó Guernica. Desde entonces, su fortuna crítica se ha visto forzosamente vinculada al destino que entregó al lienzo a un largo periplo por el mundo y al fecundo manantial de interpretaciones al que ha sido sometido por los avatares de la historia. Estos factores han contribuido a que Guernica transcienda su dimension de obra de arte, habiendose convertido en el siglo XXI en una imagen capaz de generar una densa encrucijada de significados donde confluye su poder de mito, icono popular o simbolo cultural ilustrado a una escala global. Reuniendo once ensayos, este libro centra la atencion en tres esclarecedores asuntos: la posicion y recepcion del cuadro Guernica en la diversificada cultura popular contemporanea; su carga representativa en los debates eticos y la tension que ha generado el legado de su imagen en el equilibro artistico entre lo vernacular y la globalidad.

En las últimas décadas del siglo XIX y primeras del XX, el análisis y el estudio del tiempo se convirtieron en una de las cuestiones más relevantes en los ámbitos de la ciencia, la filosofía, la psicologia y la antropologia. Se trataba de un momento historico en el que la modernidad capitalista empezaba a generar un ferreo control sobre la vida de los individuos por medio de la imposicion de horarios estandarizados, la generalizacion del uso del reloj de bolsillo, o el control de los minutos productivos en las fabricas. En ese contexto, numerosos pensadores y analistas culturales, como Henri Bergson, Charles Sanders Pierce, Sigmund Freud, Walter Benjamin o Siegfried Krakauer se plantearon algunos interrogantes importantes: ¿en que ha cambiado el tiempo de la modernidad, basado en la estandarizacion, regulacion y sistematizacion socio-economica de la vida, frente al tiempo de las comunidades que permanecen vinculadas al entorno rural?; ¿hasta que punto la aceleracion de la experiencia ha transformado los modos posibles de representacion simbolica? O, mas importante aun: ¿es el tiempo un continuo indivisible o consiste, por el contrario, en la suma de infinidad de instantes singulares? Todos estos interrogantes reflejaban una profunda incertidumbre a la hora de comprender el sentido de la experiencia en un mundo sometido a una profunda transformacion.En La emergencia del tiempo cinematico, Mary Ann Doane se adentra en este periodo historico para analizar la forma en que el cine, en tanto que gran invento artistico-tecnico de la modernidad, resulto fundamental para el estudio de la nueva experiencia del tiempo. A lo largo de los diferentes capitulos, la autora desentraña la manera en que la expansion cinematografica, y algunas de sus mas fascinantes predecesoras, como la cronofotografia de Etienne-Jules Marey, participaron en el analisis de este proceso. La nueva tecnica audiovisual no solo era capaz de archivar cuanto sucedia frente al objetivo instantes fugaces que, en apariencia, carecian de algun valor especial (unos obreros saliendo de una fabrica, un tren llegando a la estacion), pero a los que, sin embargo, conferia un caracter privilegiado, sino que proponia y promovia tambien una experiencia sumamente diferente del tiempo mismo. La emergencia del tiempo cinematico es un libro en el que los origenes del cine se ponen en relacion con los dilemas cientificos, filosoficos y socio-economicos mas importantes de la modernidad. La autora defiende asi que el cine fue, ya desde su nacimiento, una propuesta fundamental para la conformacion de una particular comprension de la experiencia social moderna.

Esta publicación presenta el proyecto de creación Nosotras o atravesar cuerpos, un proyecto desarrollado por la artista Maite Vélaz expresamente para el Museo Oteiza, formado por un conjunto de obras que proponen una reflexión sobre las condiciones de la práctica artística y los modos de abordar lo escultórico. El concepto de lo atravesado determina gran parte del desarrollo conceptual del contenido del proyecto: atravesar los materiales, el tiempo, las referencias a Jorge Oteiza o la propia escultura. Todos estos elementos constituyen recurrentes puntos de partida de una propuesta artística y editorial que remite a su condición procesual y al hacer como de forma de conocimiento y relación con los demás. Esta publicación incluye un completo aparataje visual del proyecto desarrollado por la artista, así como la obra textual de creación titulada Esa escultura se llamaba cariño, un escrito crítico realizado por Peio Aguirre y denominado Cachitos y las intervenciones de los artistas Nerea de Diego, Idoia Leache, Taxio Ardanaz y Daniel Resano

Louise Bourgeois' work is profound and coherent, a cross between surrealism and expressionism, psychoanalysis and feminism, a fusion between object and concept. By means of spiral writing, symbolic in her prints, the artist rewrites her past through female identity and body image, a corporal synthesis of her every emotion and fear. She destroys and reconstructs her memories, like strange mutations or reflections in a distorted mirror.

La obra de veinte de los artistas más relevantes de la Cuba actual en un análisis crítico Fruto de su experiencia curatorial de casi cuarenta años, Corina Matamoros escribe en estos incisivos ensayo

A noted architect shares his iconoclastic approach to the creation of public space, his ideas about tragedy and hope and the ways in which architecture can shape and memorialize human experience, and his unique vision for the construction of the 1776 Freedom Tower at the World Trade Center site. 100

Este libro supone una aproximación a la forma de recrear la mitología griega por parte de un grupo de artistas en la Inglaterra del siglo XIX, los llamados prerrafaelitas, y, concretamente, a las representaciones de los personajes femeninos cuya presencia y protagonismo en su obra son abrumadores. Esas sugestivas y poderosas mujeres miticas, por ejemplo, las diosas Afrodita y Demeter, Helena, Casandra y otras mujeres de la Guerra de Troya, las hechiceras Circe o Medea, inspiraron ya a algunos de los primeros artistas que fundaron la Hermandad Prerrafaelita, como Dante Gabriel Rossetti, y luego a los mas tardios seguidores que, ya a comienzos del siglo XX y con una gran influencia de otros movimientos artisticos, todavia utilizaron los temas mitologicos, como Edward Burne-Jones o John William Waterhouse.