Libros de Teoría y crítica de arte, página 21 de 165

Las artes han sido posibles siempre bajo el signo del devenir; en el cambio, en la transformación continua, en la constante revisión crítica de las formas y los procedimientos, en el análisis de los mensajes. En todo ello se encuentra la razon de su fuerza de comunicacion y las condiciones mismas de su existencia.

En la actividad creadora de Paul Valéry (1871-1945) tuvo un lugar importante la reflexión sobre la poesía y la estética. Se puso de relieve en artículos, prólogos y conferencias que, con la densidad y penetracion que caracterizaron al autor, fueron configurando una verdadera teoria estetica y poetica. Valery huye de los lugares comunes, de los usos sociales politicos, pedagogicos, institucionales... de la poesia, en la busqueda de aquello que le es propio y necesario para ser poesia.

Javier Arnaldo (1959), profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, considera que las relaciones entre estilo y naturaleza son el eje central de la concepción artística del Romanticismo aleman. Su libro analiza el tema en dos partes diferenciadas y complementarias. A la primera corresponde la descripcion de los planteamientos estilisticos del Romanticismo, mientras que la segunda aborda las cuestiones que afectan de forma mas amplia a la comprension romantica de la obra de arte.

Catalogo de la exposición, comisariada por Estrella de Diego, se articula en torno a tres ejes: Anatomía y botánica; Guía de viajes y Ciudades invisibles, con un recorrido que se va modulando y transformando de unas historias a otras, de unos cambios de paisaje a otros y que intenta reflejar la diversidad del arte colombiano.

Los ensayos reunidos en este libro contemplan el arte contemporáneo como una zona de conflicto en la que artes plásticas y entorno visual confluyen y chocan al mismo tiempo. El lápiz conté, los pigmentos con aglutinante, el papel litografico, el "collage", la madera, el acero galvanizado, el plexiglas, el contrachapado, la pelicula cinematografica, la cinta de video, en fin, las acciones o procesos, son algunas de las inertes materias de las que se ha partido para la realizacion de los ingravidos artefactos que aqui se comentan. Son sus autores Pablo Picasso, Joan Miro, Fernand Leger, Luis Buñuel, Josep Renau, Salvador Dali, Willem de Kooning, Richard Hamilton, Robert Morris, Joan Brossa o Victor Burgin. El objetivo es mostrar, a traves de la lente de sus obras y trayectorias, las transformaciones sufridas por el arte en el curso del siglo que nos ha precedido y que de forma tan directa moldea la actividad creativa del presente.Los ensayos reunidos en este libro contemplan el arte contemporáneo como una zona de conflicto en la que artes plásticas y entorno visual confluyen y chocan al mismo tiempo. El lápiz conté, los pigmentos con aglutinante, el papel litografico, el "collage", la madera, el acero galvanizado, el plexiglas, el contrachapado, la pelicula cinematografica, la cinta de video, en fin, las acc...

El espectro de las confesiones y testimonios personales de los artistas que Walter Hess ha seleccionado y puesto al alcance de los lectores va del impresionismo al fauvismo, del expresionismo al cubismo, del futurismo a la abstraccion, del realismo magico al surrealismo. Su documentacion, que ya podemos denominar clasica, nos permite penetrar en los motivos fundamentales y en el desarrollo de las ideas de treinta y tres artistas modernos, y clarifica el camino seguido por el pensamiento plastico, en la medida en que esos artistas buscaron expresarse formulando conceptos. En esta obra, puesta al dia por Dieter Rahn, se presentan las concepciones plasticas de Paul Cezanne, Paul Gauguin, Henri Matisse, Ernst Ludwig Kirchner, Pablo Picasso, Georges Braque, Guillaume Apollinaire, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian, Giorgio de Chirico, Andre Breton, Max Ernst, etc.

Mediante más de 200 ejemplos de trucos visuales a todo color, el artista gráfico Robert Ausbourne desmitifica una amplia variedad de espectaculares ilusiones ópticas al examinar las peculiaridades de la visión humana que las hace posibles.

Este libro reúne tres textos fundamentales de Vladímir Markov, pintor y teórico del arte cuyas ideas tuvieron enorme importancia en la formación de las vanguardias rusas. "Factura. Principios de creación plástica" es su obra más importante y madura. El término «factura» se convirtió rápidamente en una contraseña entre iniciados para referir la anhelada liberación del arte y, fundamentalmente, para comprender la obra artística como el conjunto de características formales que la configuran, independientemente del tema, avanzando la teorización del arte abstracto. "La secesión rusa" y "Principios del arte nuevo", textos previos todavía cargados de cierto simbolismo, intentaron conformar un sistema diferenciado que diese cuenta de las vertiginosas transformaciones de las artes plásticas.

Sus lecturas de cada obra de arte como actos estéticos únicos en un lugar y momento concreto son las de un pensador que practica una historia del arte (Kunstgeschithe) seria y rigurosa, aunque matizada por una imaginación histórica y poética que hace que la podríamos bautizar como poesía del arte (Kunst gedichte).

Belligerent de Jenny Holzer es el título más reciente de la serie LiberArs. Aunque el libro comparte formato con los otros de la colección, una mirada más atenta revela que no se trata de un libro tradicional, sino una caja con cierre magnético. La caja contiene siete obras originales de Holzer que se despliegan hasta convertirse en pósters de 60 x 79 cm, que pueden guardarse en la caja o incluso enmarcase y exhibirse. En Belligerent, Holzer ha encontrado las huellas de una conciencia dormida y ciega en los censurados informes de abuso de prisioneros en las prisiones americanas, señalándolo con precisión para que nosotros mismos decidamos si nos atrevemos a mirar.

Sia il tema trattato, sia il tono umoristico di fondo –una Filosofia intorno a un’immaginaria stanza ideale – ci dicono che siamo di fronte a un testo atipico nella produzione letteraria di Edgar All

In Links between Communication Competency and Social Competency during and after an Artist''s Career, Nahvi examines artists using his firsthand experience as an artist, film documentaries, and research articles discussing social and communication competency in order to deliver a clear explanation of what barriers artists face in communicating and relating with other artists and non-artists. Artists tend to deprive themselves of face-to-face communication for prolonged periods of time for the sole purpose of immersing themselves in their art, and in doing so social and communication difficulties arise. These deficiencies are a means to use and abuse artists, which are often times preserved through stereotype reinforcement. It is essential to recognize these weaknesses and find ways to improve them. This study provides an inside look at artists and the interpersonal relations and social behavior and influence affecting this group, and provides recommendations for how artists can retrain themselves to develop their social and communication skills.

Fragmentación: acción o efecto de fragmentar o dividir en fragmentos, esto es, en pequeñas partes o porciones de algunas cosa quebradas o partidas. O aplocada a las artes, restos o trozos de alguna o

Composiciones bajo tierra aborda aspectos clave de la abstracción prehispánica tal como resuenan en diferentes momentos del arte moderno y contemporáneo. De esta manera, los textiles andinos, los atuendos propios de las ceremonias selk'nam, y las líneas de Nasca son abordados a la luz de la enseñanza y obra del artista alemán Josef Albers, la abstracción geométrica de comienzos del siblo XX, y el Land Art norteamericano, respectivamente.

La pregunta clave que plantea Cómo hacer cosas con arte es qué relevancia tiene el arte en la sociedad. ¿Cómo deviene importante el arte a nivel político o social? Este libro intenta responder a esta pregunta de forma teorica, e indicar, mediante el analisis de obras de James Coleman, Daniel Buren, Jeff Koons y Tino Sehgal, como los artistas pueden desarrollar e influir en la vertiente social; dicho en otras palabras, este libro proporciona lo que se denomina una interpretacion pragmatica del impacto social del arte. El titulo de la obra ya es un juego de palabras con la influyente serie de conferencias de John Langshaw Austin Como hacer cosas con palabras, en la que reflexionaba sobre lo performativo, esto es, sobre la capacidad productora de realidad del lenguaje.Si la linea argumental de Dorothea von Hantelmann se basa en dos premisas teoricas de Austin y en la nocion de performatividad de Judith Butler, este libro ofrece una autentica semantica de como actua la obra de arte, no a pesar sino en virtud de integrarse en ciertas convenciones: como, por ejemplo, sostiene o coproduce una cierta idea de historia, progreso y desarrollo a traves del museo. El modelo de performatividad que defiende la autora señala estos niveles fundamentales de produccion de sentido: centrandose en las convenciones de produccion, presentacion y persistencia historica del arte, von Hantelmann muestra como estas convenciones se coproducen en cualquier obra de arte, y sugiere que es precisamente esta dependencia de las convenciones lo que plantea la posibilidad de cambiarlas.La cuestion de como hacer cosas con arte parece particularmente pertinente hoy en dia: nunca antes en la historia de las sociedades occidentales habia sido tan importante lo que llamamos arte; se estan construyendo mas museos de arte que nunca; las exposiciones atraen a publicos masivos; el mundo del arte se ha expandido no solo global sino tambien socialmente, y es probable que ninguna otra profesion haya aumentado tanto de estatus como la del artista, quien encarna a la perfeccion la idea predominante actual de subjetividad creativa y autonoma.