Libros de Teoría y crítica de arte, página 8 de 165

Este libro es un ensayo de fenomenología y de antropología –y hasta una poetica– de los gestos de levantamiento. Interroga a los cuerpos con la psique a traves del vínculo profundo, paradójico, diale

Este libro se ha convertido ya en una obra clásica para innumerables estudiosos, sobre todo por su reflexión filosófica sobre las diferentes teorías de la educación. El texto plantea una visión progresista de las relaciones entre las didacticas generales, diferenciales y especificas y, a traves de una impresionante acumulacion de datos, establece una minuciosa sintesis tanto de teorias autorales como de modelos educativos. Una abundante documentacion asi como un alto grado de reflexion lo convierten, junto a los demas aspectos citados, en lectura basica para todos los estudiantes de educacion, arte y filosofia. El libro incluye ilustraciones en blanco y negro y color, asi como un prologo del autora esta primera edicion en lengua española. Elliot W. Eisner participo en el Proyecto Kattering de la Universidad de Stanford, que se propuso definir los ambitos de la enseñanza y el aprendizaje del arte: una definicion de caracter epistemologico que situo la educacion artistica como disciplina estructurada dentro de unos campos del saber, con unos objetivos, contenidos y metodologias coherentes, basados en las diferentes ciencias del arte, la estetica y la comunicacion.

En aquest estudi, Mikel Dufrenne desenvolupa una crítica de l'experiència estètica. Centrant-se en «el sentit» propi i «les condicions» que fan possible l'experiència del subjecte contemplador, Dufre

CAJA NEGRA 2019 Rústica Nuevo Nuevo

Para dar cabida a las exposiciones y a las curadoras que han cambiado el devenir de la práctica artística, desde su investigación y su producción hasta su recepción, hacía falta un segundo volumen. Curaduria de Latinoamerica es el resultado de varios años

Estamos ante la guerra cultural más virulenta de todas, la que se libra en un museo del siglo XIX, gestionado por personas del XX para un público del XXI. El Prado es aún, doscientos años después, una institucion en la que se silencia a la mujer artista, se ignora a las visitantes y se defiende un pensamiento de genero (raza y clase) que justifica la dominacion de un sexo sobre el otro. Esta no es una historia del arte tradicional, es una guia compuesta por ausencias, vejaciones, eufemismos, silencios o tergiversaciones hacen desaparecer a la mitad de la poblacion, sala tras sala, con una violencia soterrada y a la vista. Tambien es una historia contra la ceguera, contra el mito y contra los genios, un relato sobre las condiciones politicas y sociales que determinan la creacion artistica.

Desde el colapso en los tempranos años ochenta del régimen de acumulación fordista, es imposible no advertir una amplia transformación en la estructura social, física y demográfica de muchas metrópolis occidentales. La especulacion inmobiliaria, la tercerizacion de la produccion industrial y los monopolios de los sectores financiero y tecnologico dejaron como huella ruina y abandono y la conversion de barrios de clase trabajadora y centros industriales en talleres de artistas y areas de consumo. Mientras todos estos procesos convergen en atractivas formas para producir una apariencia de prosperidad economica, la precarizacion del trabajo y el desempleo cronico son datos subyacentes pero inequivocos del paisaje urbano contemporaneo.En este conjunto de ensayos, la artista y critica Martha Rosler analiza el rol de las artes visuales como activo estrategico instrumentalizado por los gobiernos municipales para la creacion de valor inmobiliario y la invencion de nuevos patrones de consumo basados en la comodificacion de la cultura. Ciclovias, cervecerias artesanales, la promocion de barrios "emergentes", la proliferacion de festivales patrocinados por bancos y fundaciones, el auge de las bienales como estrategia para insertar a una ciudad en el circuito internacional del arte y la construccion de centros culturales resplandecientes son algunas de las figuras recurrentes con las que los planificadores urbanos construyen un "marketing del estilo de vida" y diseñan una ideologia de la creatividad al servicio de la gentrificacion capitalista. Con un repertorio de referencias variadas, que incluye desde el trabajo teorico de los gurues del management urbano hasta la diseccion situacionista del rol de la cultura visual en el capitalismo y la teoria del trabajo inmaterial del postoperaismo italiano, estos textos proveen la materia prima fundamental para comprender las nuevas formas que adopta la lucha de clases en la ciudad postindustrial, y para poner en cuestion las complicidades de la comunidad artistica con los nuevos regimenes de consumo.

Wabi-sabi: nuevas consideraciones ahonda en el vocabulario y los esquemas conceptuales que presentara hace más de veinte años y arroja más luz sobre el carácter del concepto central de su obra, así como sobre las circunstancias en las que se unieron las palabras japonesas wabi y sabi, lo cual ha favorecido numerosos malentendidos acerca del verdadero lugar del wabi-sabi en la historia japonesa. La obra, además de observar cómo se creó exactamente, explora el lugar del wabi-sabi en el mundo contemporáneo, invitando al lector a reflexionar sobre la materialidad (y su naturaleza) dirigida hacia el futuro.

Charles Baudelaire, bardo indiscutible de la modernidad artística del siglo XIX, azotado por una vida de privaciones, tormentos e inadaptación física y existencial muere el 31 de agosto de 1867. Entre sus múltiples obras (poesía, prosa, crítica literaria y artística, periodismo) son muchas las contribuciones en las que se destacan temas centrales de la cultura del siglo XIX. Y si la modernidad deviene, en las mismas definiciones del autor, un territorio ambiguo y poco sujeto a atribuciones categóricas, se puede considerar la ciudad -y más específicamente París, la gran capital de la segunda mitad del siglo XIX-, como una de sus manifestaciones más llamativas y contradictorias.

En este libro la autora desarrolla una nueva estética. A partir de ejemplos del arte de la performance y del teatro experimental explica por qué las realizaciones escénicas no han de ser consideras como obras, sino como acontecimientos. La consecuencia de ello es que las distinciones tradicionales entre actores y espectadores, cuerpo y mente o arte y vida no son ya útiles para enfrentarse a esas manifestaciones artísticas. La estética de lo performativo, por su condición de estética del acontecimiento, abre además nuevas vías de comprensión no sólo para las artes visuales, sino también, a través de ellas, para un abanico más amplio de procesos sociales y culturales.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.

Ananda Kentis Coomaraswamy nació en 1877 en Colombo, Ceilán, hijo de Sir Mutu Coomaraswamy, jurista de origen indio y de la señora Elisabeth Clay de origen inglés. Tras estudiar en el célebre colefio Eton curso estudios en la universidad de Londres obteniendo el doctorado en 1904. Llamado por el Museum of fine Arts de Boston (U.S.A.) se le confiara la direccion de Departamento de artes de Islam y de Oriente Medio, desarrollando desde entonces una intensa labor de investigacion y publicacion. Coomaraswamy es sin duda uno de los mas importantes exponentes del pensamiento oriental tradicional, especialmente a partir de su estrecha correspondencia epistolar con Rene Guenon a partir de la decada de los años 30. La bibliografia de A.K. Coomaraswamy es vastisima; mas de un millar de titulos entre libros y articulos entre los que cabe citar: "Arte y Simbolismo Tradicional", "Articulos Selectos de Metafisica", "El Tiempo y la Eternidad", "El Vedanta y la Tradicion Occidental", "Hinduismo y Budismo", "Sir Gawain y el caballero Verde", "La verdadera filosofia del arte cristiano y oriental", "Los Vedas, Ensayos de taduccion y Exegesis",etc. Su extraordinaria erudiccion en los campos del arte y de las doctrinas tradicionales hacen de el una de las maximas autoridades. Murio en Needham, massachusetts, el 11 de septiembre de 1947.

El 1989 pels carrers de Nova York van aparèixer grans anuncis signats per les Guerrillas Girls, un grup d'artistes anònimes que representen les puntes mediàtiques d'un llarg període de conflictes i d

Movido más por su admiración por Goethe que por las exigencias de su propio pensamiento, Schopenhauer elabora una teoría del color que pretende, según el, respaldar los simples hechos que Goethe compilo en su Teoria de los colores y apoyar a este en su radical oposicion a la teoria newtoniana. En esta linea, el filosofo presenta una consideracion del color desde el punto de vista subjetivo (como modificacion de la actividad del ojo), completando el tratamiento objetivo realizado por el poeta, que entiende el color como modificacion de la luz. Asi, y pese a no tener un contenido plenamente filosofico, este escrito contribuye a la comprension de la teoria schopenhaueriana sobre la intuicion empirica y las formas a priori del conocimiento. El presente volumen, que recoge el tratado "Sobre la vision y los colores" segun la tercera y ultima edicion, fechada en 1854, incluye asimismo la correspondencia entre Schopenhauer y Goethe, en la que se pone de manifiesto la breve y tensa relacion entre ambos. El tono de las cartas del joven filosofo refleja su ambigua actitud hacia el maestro, alternando las expresiones de maxima reverencia con ademanes de superioridad hacia la Teoria de los colores, que constituia para Goethe la obra de su vida.

Catalogo publicado con motivo de la exposición El taller de Rubens, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 15 de octubre de 2024 y el 16 de febrero de 2025. En siglos pasados la mayor parte de los pintores europeos trabajaban en equip

«La situación parecía convertirse en algo profundamente irreal por momentos. El retrato ya no significaba nada como tal. Como cuadro tampoco decía mucho. Lo que sí tenía sentido y existía con vida pr

Un libro en el que se entrecruzan el arte, la literatura y la vida: la confirmación del inmenso talento de María Gainza. Una noche, durante su estancia porteña para el rodaje de su película Tetro, Francis Ford Coppola le dijo a Maria Gainza: El artista viene al mundo con un carcaj que contiene un numero limitado de flechas doradas. Puede lanzar todas sus flechas de joven, o lanzarlas de adulto, o incluso ya de viejo. Tambien puede ir lanzandolas de a poco, espaciadas a lo largo de los años. Eso seria lo ideal, pero ya sabes que lo ideal es enemigo de lo bueno.Ademas de Coppola, en Un puñado de flechas asoman una acuarela de Cezanne sustraida de un museo de Buenos Aires, la casa de un coleccionista, un paseo por el Walden Pond de Thoreau, las enigmaticas pinturas de Bodhi Wind en piscinas californianas que aparecian en la no menos enigmatica Tres mujeres de Robert Altman, los oleos del pintor catalan Nicolas Rubio en los que evocaba el pueblo frances donde paso la guerra civil española, la vida cosmopolita y la memoria de la escultora Maria Simon, las andanzas del pintor Francis Hopkinson y su asistente Moon en Mexico y un cuadro maldito de Tiziano oculto en TzintzuntzanA medio camino entre el ensayo y la narracion, Maria Gainza sigue explorando nuevas formas de entender la escritura, rompiendo las barreras estancas entre los generos. Un libro en el que se entrecruzan el arte, la literatura y la vida, y que confirma a su autora como una de las voces mas estimulantes del actual panorama de las letras en lengua española.

Este libro no pretende otra cosa que mostrar la compleja historia del arte y de las teorías que lo han intentado explicar. Más que proponer soluciones el libro siembra dudas al intentar explicar que no siempre el arte estuvo ligado a la belleza. Durante siglos, desde el inicio del cristianismo hasta finales del siglo xv, la funcion del arte fue sobre todo realizar imagenes para alimentar la piedad de los fieles. Sin embargo, poco a poco, prevalecio la tendencia a apreciar las obras de los artistas por su belleza. De este modo las artes se convirtieron en artes bellas y, desde Kant, la disciplina filosofica que se ocupo de su estudio se llamo Estetica. Superada la metafisica y descartada la posibilidad de acceder con la razon a la realidad trascendente, toco al arte mostrar lo que racionalmente no podia conocerse. Este fue el motivo por el que la estetica ocupo una funcion de gran relieve en la reflexion filosofica. Y, sin embargo, la sucesiva historia de la filosofia y su rechazo del proyecto moderno llevaron al abandono de las esperanzas puestas en la Estetica, a la vez que el arte dejaba de nuevo de comprenderse como bello. Mas que belleza el arte contemporaneo manifiesta la inquietud de nuestra epoca, la desazon de no haber sido capaces de desvelar el misterio de nuestro mundo ni de comprender nuestra presunta grandeza. Y todo esto merece ser estudiado para reconocer en el arte nuestra propia historia y darnos una respuesta a la necesidad que los hombres seguimos sintiendo por hacer y contemplar obras de arte.

Una exquisita proposta sobre la relació directa i personal de cadascú amb les obres d’art i amb les exposicions. Professora d’art i cronista d’exposicions durant una bona colla d’anys, els punts de v