Libros de Teoría y crítica de arte, página 8 de 166

In this brilliant collection of diverse works essays short stories poems translations which spans a lifetime s engagement with art John Berger reveals how he came to his own unique way of seeing He challenges readers to rethink their every assumption about the role of creativity in our lives Paying homage to the writers and thinkers who influenced him he pushes at the limits of art writing demonstrating beautifully how his artist s eye makes him a storyteller rather than a critic His expansive perspective takes in artistic movements and individual artists from the Renaissance to the present while never neglecting the social and political context of their creation Landscapes alongside Portraits completes a tour through the history of art that will be an intellectual benchmark for many years to come

John Berger one of the world s most celebrated storytellers and writers on art tells a personal history of art from the prehistoric paintings of the Chauvet caves to 21st century conceptual artists Berger presents entirely new ways of thinking about artists both canonized and obscure from Rembrandt to Henry Moore Jackson Pollock to Picasso Throughout Berger maintains the essential connection between politics art and the wider study of culture The result is an illuminating walk through many centuries of visual culture from one of the contemporary world s most incisive critical voices

¿Qué hay detrás de la angustia que atraviesa la obra de Edvard Munch?Este ensayo propone un recorrido accesible y revelador por la vida y el universo creativo del pintor noruego. A través de una mirada critica y humanista, se analizan los grandes temas que marcaron su obra el amor, la muerte, la enfermedad y la locura sin perder de vista el contexto social y psicologico en el que vivio.Munch no fue solo el autor de El grito, sino un testigo sensible de la fragilidad del alma humana. Este libro nos invita a comprender su arte como una forma de resistencia, de busqueda, de catarsis. Ideal para amantes del arte, la historia cultural y quienes desean descubrir que late tras los trazos de uno de los artistas mas atormentados y fascinantes del siglo XX.

Ensayo sobre la defensa apasionada del arte por parte de James McNeill Whistler, incluyendo sus polémicas con figuras como John Ruskin y Oscar Wilde.

¿Qué secretos esconden las serpientes en los cuadros renacentistas? ¿Por qué el fuego representa tanto la destrucción como la redención? ¿Qué mensaje transmite realmente un simple espejo en una pintura medieval? Desde el Paleolitico hasta el arte contemporaneo, los simbolos operan como puentes entre lo visible y lo invisible, pero sin las claves adecuadas, nuestra experiencia artistica se reduce a una contemplacion superficial. En un mundo saturado de imagenes, hemos perdido la capacidad de leer los simbolos que dan profundidad al arte. Esta guia esencial desentraña el fascinante universo de significados ocultos que condensan las obras.

Sabemos por su relato "El niño en la casa" (1878) que Walter Pater (1839-1894) llevó una vida retirada, más contemplativa que activa, pero de una "contemplación apasionada". Con la misma pasión diáfana por el arte que Ruskin, compuso sus influyentes estudios sobre el Renacimiento. Pensaba que el hombre moderno no debia estar atado a epoca alguna y, eclectico por naturaleza, entendio mejor la piedad que la fe. No creyo en el fruto de la experiencia estetica, pues opinaba que la experiencia misma era un fin. Existe un equilibrio en todas sus paginas, afin a la belleza y a la ascesis, y su estilo transmite un cansancio encantador. Para Oscar Wilde, fue "el mejor maestro de la prosa inglesa" de su tiempo. La serie de ensayos que Pater reunio bajo el titulo de "Apreciaciones" (1889), que abarca desde los reyes ingleses de Shakespeare hasta los poetas romanticos, puede leerse como una consumacion de su ideal de amplitud y serenidad de la vision. En ella encontramos un discurrir textual tan erudito como elegante, fruto de una comprension profunda de las diferencias entre las sucesivas epocas historicas del arte occidental, que nos invita a extraer lo mejor de cada una de ellas.

¿Es una joya un objeto que simplemente se porta? ¿O es una obra de arte? ¿Cuándo deja de ser joya para convertirse en escultura, en instalación, en performance? Este volumen no solo revisa estas cuestiones, sino que nos invita a formular nuevas y a abrir camino a muchas reflexiones. Ademas, Mar introduce un interesante sistema de analisis que permite evaluar si los conceptos se ajustan a las caracteristicas formales de la pieza o viceversa, asegurando la coherencia entre idea, forma y material. La autora nos invita a mirar la joya como un archivo vivo: un testimonio de recuerdos y significados, un objeto que conserva la memoria y el contexto en el que ha existido, y que guarda gestos y emociones en su forma. ¿Por que? ¿Que papel juegan las emociones en la joya? ¿Como se inscriben los recuerdos en los objetos? ¿Como un material influye o ayuda a narrar una historia? Pero este libro no solo teoriza; tambien es un gran banco de materiales y referencias a traves de los cuales el lector podra recorrer un corpus de obras que le ayudaran a comprender todas estas ideas.

El filósofo escocés Walter Bryce Gallie (1912-1998) abordó esta problemática en un ensayo ya clásico publicado en 1956 en el que introdujo la idea de “conceptos esencialmente disputados” para referir

Diálogo entre el artista y el galerista que marcó la historia del arte contemporáneo. Reflexiones sobre creatividad, mercado y amistad.

Este libro (catálogo de la exposición con el mismo título que tendrá lugar en las sedes de CaixaForum en Madrid y Barcelona) explora el papel del desenfoque como fuerza estética desde la Segunda Guerra Mundial hasta la actualidad. Partiendo de la obra tardia de Claude Monet, especialmente sus N ympheas , este catalogo propone una reflexion profunda sobre como el flou la perdida de nitidez ha sido utilizado por artistas contemporaneos para cuestionar la percepcion, la memoria, e incluso la representacion de lo traumatico. Textos de historiadores, filosofos y artistas trazan un recorrido visual y conceptual por las multiples formas de ambiguedad, inestabilidad y resistencia que el desenfoque encarna en la pintura, lafotografia, el cine y el arte contemporaneo.

Con la idea de encarar una lectura más consciente de la imagen, este libro propone un análisis del mensaje visual fijo (cuadros, fotografías, afiches, etc.), necesario para abordar la lectura de mensajes más complejos (imagen en secuencia, animada, etc.). Se interroga también acerca de los distintos significados de la imagen y de las cuestiones que esta implica en cuanto a su naturaleza de signo; explora las resistencias que puede suscitar su análisis como las funciones que puede cumplir. Finalmente demuestra cómo una lectura de la imagen así enriquecida estimula la interpretación creativa y se convierte en una garantía de autonomía. Incluye ejemplos metodológicos que se desarrollan ampliamente y sirven de soporte a las referencias teóricas fundamentales.

Con esta provocativa y conmovedora colección de ensayos, un crítico de nuestro tiempo responde a las profundas cuestiones que plantea el mundo visual. Cuando John Berger escribe sobre cubismo, no sólo escribe de Braque, Leger, Picasso y Gris, sino de ese milagroso momento al inicio del siglo xx cuando el mundo convergia alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas lineas de la figura pintada. Recreandose desde el Renacimiento hasta la conflagracion de Hiroshima; desde el Bosforo hasta Manhattan; desde los tallistas de un pueblo en Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh; y desde experiencias personales de amor y perdida hasta el mas importante levantamiento politico de nuestros dias, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira el autor.Con esta provocativa y conmovedora colección de ensayos, un crítico de nuestro tiempo responde a las profundas cuestiones que plantea el mundo visual. Cuando John Berger escribe sobre cubismo, no sólo escribe de Braque, Leger, Picasso y Gris, sino de ese milagroso momento al inicio del siglo xx cuando el mundo convergia alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas lineas de la figura pintada.Recreandose desde el Renacimiento hasta la conflagracion de Hiroshima; desde el Bosforo hasta Manhattan; desde los tallistas de un pueblo en Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh; y desde experiencias personales de amor y perdida hasta el mas importante levantamiento politico de nuestros dias, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira el autor.

Con su estilo personal y provocador, a traves de estos pequeños ensayos el filósofo ingles Timothy Morton nos invita a reflexionar sobre ecología, arte y antropocentrismo y apela a nuestras emociones y experiencias como base para la construccion de un compromiso filosofico con el medio ambiente.

* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmosfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas mas grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, politicas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta que extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A traves de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporaneas, a lo largo de estas paginas podra navegar por puntos de inflexion de mayor y de menor importancia, asi como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a traves de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino tambien el secreto fundamental de su exito.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.

Tras la buena acogida de sus dos libros anteriores, Mierda y catástrofe (2014) y Estética de la crueldad (2019), Fernando Castro Flórez, en este nuevo ensayo, revisita el libro (Pierre Boulle) y la pelicula (Franklin Schaffner) El planeta de los simios (1968), desde los que lee alegoricamente estos tiempos pospandemicos. Sin duda, las paginas de Sin escapatoria del Planeta de los simios estan agitadas por el desasosiego, en un momento de colapso planetario, cuando todos tuvimos que parar.

En el siglo XXI, el arte se ha convertido en un asunto extraño. La llegada de Internet, la difusión de las nuevas tecnologías y el auge de las redes sociales han distorsionado nuestro universo visual hasta la furia de los gifs animados, los retoques de Photoshop y las practicas apropiacionistas de todo tipo y grado. Trolls, youtubers e instagramers nos estan legando un conjunto de practicas y esteticas que recuerdan los preceptos de las vanguardias historicas, alegremente distorsionados en clave desinhibida. Como ha respondido a semejante contrapaso el arte que encontramos en museos y galerias?Y que pasaria si, en el futuro, los libros detexto de historia del arte no recogieran lasobras de algun artista del siglo xix, sino los memes de usuarios anonimos que se esconden tras seudonimos inverosimiles? En este libro, el primero que intenta trazar una cartografia exhaustiva de la relacion entre las artes visuales y las culturas digitales a partir de la decada de 2000, Valentina Tanni recorre el camino que nos ha llevado de Marcel Duchamp a TikToko, esbozando los contornos de uno de los senderos mas

La historia del color azul en la cultura occidental es la de una auténtica transformación. Para los griegos y los romanos, este color contaba poco e incluso era desagradable a la vista; se le conside

El trabajo de los ojos es un libro fragmentario, hermoso e inclasificable sobre la mirada. Con un estilo elegante y depurado, Mercedes Halfon nos habla de la forma en que sus problemas de visión determinaron una cierta manera de acercarse al mundo y como eso ha condicionado su escritura. Construido a base de escenas breves y heterogéneas, siempre reveladoras, la autora examina su propia mirada, como en una oftalmología de la conciencia, una delicada autobiografía ocular. Así, las visitas a la consulta del oculista se entremezclan con los recuerdos infantiles, las historias familiares con la omnipresencia de los ojos y la visión en la cultura universal. Un texto de extraña belleza que se desmarca de los géneros y puede ser leído como memoria, autoficción o ensayo literario.

Este libro se pregunta por la imagen. En el marco de las transformaciones ligadas a la digitalización, las nuevas tecnologías y la interconectividad en red esta pregunta adquiere una nueva complejidad. La condición digital de la imagen intensifica las indistinciones entre imágenes fijas y en movimiento, entre la percepción y el consumo visuales, entre soportes y dispositivos, entre presencia y representación. Cuando se hace el esfuerzo por definirla la imagen se muestra evasiva. Las imágenes nos instan a repetir una pregunta cuya respuesta siempre acaba remitiéndose a nuevos interrogantes, movilizando a su alrededor las cuestiones del cuerpo, la materialidad, la visualidad, la mirada, el cuidado, la participación o los artefactos.