Libros de Artistas contemporáneos, página 5 de 373

El artista suizo H. R. Giger (1940-2014) es conocido principalmente por su creación del monstruo espacial de la película de terror futurista Alien, de 1979, con la que ganó un Óscar. En retrospectiva, no fue mas que una de las expresiones mas celebres del arsenal biomecanico de criaturas de Giger, que fusionaba hibridos de humano y maquina, en poderosas y evocadoras imagenes llenas de oscura psicodelia. Sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado, que se remontan a sus miedos de infancia, al tiempo que evocaban mitologias para el futuro. Estas imagenes plasmaron las fantasias y los miedos colectivos de su epoca: el temor a la bomba nuclear, a la contaminacion y el despilfarro de recursos, y a un futuro en el que la supervivencia de nuestros cuerpos este supeditada a las maquinas. De oniricos paisajes surrealistas creados con una pistola pulverizadora y plantillas a caratulas de discos; de esculturas con forma de guillotina a una cafeteria que el mismo diseño, Giger nos guia personalmente por su polifacetica carrera en esta introduccion imprescindible sobre este maestro del horror. Reproducciones y diseños detallados y un prologo de Timothy Leary complementan los intimos textos autobiograficos de Giger.

Joan Miró, uno de los mayores creadores del siglo XX, siempre huyó de las entrevistas. Sus silencios se hicieron legendarios. No parecía necesitar palabras el gran artista cuyas manos traducían, con brío genial, su visión del mundo. Visión inocente que siempre guardaron sus ojos: a los ochenta y cuatro años, edad en que concede esta entrevista, Miró aún brinda magias y maravillas de niño.Es por ello que este libro posee un gran valor documental. Miró conversa largo y tendido junto a Georges Raillard, recuerda las estancias en Mallorca, Barcelona, París, los tiempos pasados; sus encuentros con Picasso, Matisse, Breton; opina, pelea, discute, se conmueve y revela ciertas claves secretas del oficio. Raillard, profesor de literatura y arte moderno en la Universidad de París, logra penetrar en el taller y en el alma de Miró. Esta brillante conversación nos ofrece uno de los testimonios más completos y sugerentes sobre la vida y obra del gran maestro catalán.

GOENAGA

El contenido de estas páginas no desmiente lo que anuncia su título pues en ellas Odilon Redon evoca episodios de su vida, nos entrega un peculiar diario en el que cada experiencia vivida se convierte en una experiencia intelectual, reflexiona sobre su arte y nos deja penetrantes semblanzas de artistas clasicos y de contemporaneos suyos. Pintor muy cercano a la literatura, tanto por sus amistades como por las ilustraciones de obras de Edgard Allan Poe, Gustave Flaubert o Charles Baudelaire, publico sus Confidencias de artista en una revista belga, en 1894, y fue su viuda la que en 1922 las recogio en volumen junto a diversos escritos que lo confirman como un perspicaz observador del hecho artistico, atento a la realidad de la naturaleza pero enriqueciendola con los constantes acercamientos a sus aspectos mas misteriosos, en los que ponia la logica de lo visible al servicio de lo invisible. Las descripciones de paisajes se unen a reflexiones sobre temas sociales y filosoficos, y los acercamientos a pintores (sobre todo a su admirado Delacroix) pero tambien Courbet, Manet, Pissarro, Marie Cazin, Degas, Durero, Rodin, Rembrandt, Rubens, Monet iluminan su propia estetica, que consideraba la tradicion, la realidad y la inventiva personal como las tres fuentes del arte.Son paginas en las que Jesus convive con La Internacional, el acercamiento a la mujer con la preocupacion por los niños trabajadores, y las reflexiones sobre la fotografia (la placa solo expresa la muerte) con la respuesta a una encuesta sobre Alsacia y Lorena o a una peticion pacifista. Del Prologo de Juan LamillarSi tuviera que decir cual fue mi punto de partida, deberia decir que fue el arte de Odilon Redon. Marcel DuchampOdilon Redon (Burdeos, 1840-Paris, 1916) es el maximo representante del simbolismo pictorico frances, un movimiento que se opone al realismo y al impresionismo, y que comparte con la literatura la busqueda de un arte mas elevado, con una fuerte carga espiritual y que considera el mundo como un misterio a descifrar. Tanto en su etapa de dibujos y litografias oscuros (los negros) como en su empleo del color en pasteles y oleos a partir de 1890, en Redon destaca una originalidad que participa de lo enigmatico y lo extravagante. Mitos paganos, figuras biblicas y orientales, animales imaginarios pero tambien el colorido de las flores aparecen continuamente en sus cuadros. Ya en los primeros años del siglo XX se dejo ver su influencia en las generaciones posteriores, desde los Nabis hasta el Surrealismo, que destaco los elementos inconscientes y oniricos de su produccion.

Entre el arte y la tierra, la memoria creativa de uno de los personajes de nuestro país más reconocidos a nivel internacional en el mundo del arte. Vicente Todolí es todo un referente del arte contemporaneo, un curator de prestigio que ha pasado de la direccion artistica de algunos de los mas grandes museos del mundo, como la Tate Modern Gallery, a cultivar mas de 500 variedades de citricos en Palmera, su pueblo natal. Un ?hombre de espiritu renacentista?, curioso vocacional, que investiga y se documenta sobre todo aquello que le provoca emociones, ya sea el arte o la tierra. Quisiera crear un jardin (y verlo crecer) es una reflexion muy personal sobre las circunstancias y asuntos que acaparan su atencion y dibujan tanto su trayectoria vital como profesional: de Valencia a Nueva York, Oporto, Londres o Milan, descubriendo artistas y organizando exposiciones, para volver a los campos junto al Mediterraneo y recuperar sus raices, literalmente, al descubrir el ?arte? de cultivar olivos y citricos.

"Pinacoteca Migrante/Galería de Arte Migrante" es una institución creada por laLa artista peruano-española Sandra Gamarra Heshiki y presentada en el Pabellón de España en la 60 Bienal de Venecia, 2024. El proyecto analiza las estructuras sistemicas de las artes a traves de apropiaciones pictoricas basadas en la investigacion de la artista sobre pinturas y objetos patrimoniales en colecciones publicas y museos, desde Del Imperio a la Ilustracion en España. La revision de Gamarra muestra la ausencia de narrativas decoloniales, exponiendo el sesgo con el que los colonizadores y los oprimidos han sido representados en los museos.Texto: Esther Gabara, Sandra Gamarra Heshiki, Yeison Garcia Lopez, Yayo Herrero, Agustin Perez Rubio, Neferti X. Tadiar, Françoise Verges, Gabriela Wiener.

Exposición en el Museo Nacional ThyssenBornemisza del 12 de noviembre de 2024 al 9 de febrero de 2025.Gabriele Münter (18771962) fue una de las fundadoras de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), el leg

Gimme Some Sugar es la muy esperada primera monografía de Genesis Tramaine, el renombrado artista estadounidense cuya estrella continúa ascendiendo en el mundo del arte internacional. Arraigada en su educacion en la ciudad de Nueva York de la decada de 1980 y su fuerte espiritualidad, Tramaine imbuye sus retratos abstractos de hombres y mujeres con una emocion trascendente, devocion y musicalidad silenciosa, nacida de pinceladas ritmicas y un uso visceral del color cromatico. En su estilo gestual, busca, al mismo tiempo, representar y universalizar la humanidad del rostro negro estadounidense al oscurecer la especificidad de los rasgos individuales, eligiendo en cambio retratar la agitacion interna y la alegria interna de la mente y el ser. El libro presenta mas de 125 imagenes vibrantes y a todo color de los dinamicos y fascinantes retratos de la artista, que son un homenaje inextricable a su profunda fe, su sentido de si misma y sus domingos por la mañana en la iglesia. Encuadernado en un rico y tactil estuche de piel sintetica indigo destinado a evocar una Biblia moderna, Gimme Some Sugar tambien presenta un mini cuaderno de bocetos cuyas paginas revelan los estudios de dibujo lineal crudo e instintivo de las pinturas maestras a gran escala de Tramaine.

An exceptional selection of works documenting the entire creative career of the Italian painter, from his powerful beginnings through his Metaphysical painting phase and into the hazy atmospheres of his later works. It includes 116 masterpieces arranged into self-portraits, still-lifes, landscapes and flowers, the four major themes that characterise his work. The collection represents all the various expressive techniques used by Giorgio Morandi over the years: paint, etching, drawing and watercolour. The works have been obtained from major American museums such as the MoMA of New York, the National Gallery of Washington, the Phillips Collection and the Hirshorn Museum and Sculpture Garden in Washington, the Fogg Art Museum in Cambridge (Massachusetts), the Iowa Museum of Art and the Smith College Museum of Art in Northampton, as well as from famous private collections such as those of Roberto Longhi, Cesare Brandi, Lamberto Vitali, James Trall Soby, and John Rewald.

The first book to concentrate on the early ceramic work of Transvestite Potter, bestselling author, broadcaster and social commentator Grayson PerryGrayson Perry is one of todays most popular artists, known for his flamboyant persona and playful pots. For the first time, this book explores Perrys artistic origins through the artworks that made his name in the years 198294, exploring his role as commentator on contemporary culture and the emergence of his own identity as the Transvestite Potter. The book includes an essay by Grayson Perry in which he looks back on this period of his life.

Camille Claudel sintió pasión por la escultura y su decisión de dedicarse a ella la enfrentó a su familia y a su época, que acabaron por destruirla. Amante de Rodin, Camille no sólo realizaba encargos hechos al maestro, sino tambien influyo en su obra.

Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 5 abril-15 agosto de 2016, organizada con el Centro Pompidou. Iniciador de una pintura mestiza que unía modernismo occidental y simbolos africanos y caribeños, Wifredo Lam (Sagua La Grande, 1902-Paris, 1982) se codeo con todas las vanguardias del momento, afrontando tambien los problemas del mundo. La exposicion vuelve sobre la genesis de su trabajo pero tambien sobre las diversas etapas y condiciones de la recepcion e integracion progresivas de una obra pacientemente construida entre España, Paris-Marsella y Cuba. Traza la singular trayectoria del artista a traves de doscientas cincuenta obras pinturas, dibujos, grabados, ceramicas completada con mas de trescientos documentos cartas, fotografias, revistas, libros. Este vasto material ilumina el contexto de su trabajo y de su pensamiento, deteniendose en sus años en España (1923-1938), en los sorprendentes grabados de los años sesenta y setenta y en sus colaboraciones con los mas destacados escritores de su tiempo, asi como en las obras capitales creadas a la vuelta a su Cuba natal (1940-1950), y, en definitiva, muestra una vida comprometida dentro de un siglo agitado.

Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado en la ciudad de Nueva York, Rothko rechazaba las etiquetas e insistia en la creacion de una experiencia plena entre el cuadro y el espectador. Tras una etapa figurativa, Rothko desarrollo sus emblematicos lienzos de bloques de vivos colores en rojo, amarillo, ocre, marron, negro o verde. Subrayo que no habia eliminado la figura humana con esos brillantes y vividos espacios de color, sino que la habia sustituido por simbolos o formas que contenian toda la tragedia de la condicion humana. Al mismo tiempo atribuia explicitamente al espectador el poder de interpretar su obra. Segun decia: Un cuadro vive en compañia, expandiendose y cobrando vida ante los ojos del espectador sensible. Desde sus tempranos inicios hasta sus campos de color mas famosos, este libro descubre la inteligencia e influencia de la obra dramatica, intima y revolucionaria de Rothko.

La biografía más completa hasta la fecha de uno de los grandes pintores del siglo XX, Mark RothkoMark Rothko nació en 1903 en la Zona de Residencia habilitada para los judíos en el antiguo Imperio ruso y a los 10 años emigro a Estados Unidos. Sera su decision de convertirse en artista lo que marque una nueva fase en su vida. En apenas un par de decadas, Rothko dio forma a lo que iba a ser la marca distintiva de su obra. Siempre proclive al enfrentamiento con el establishment, el pintor consagro la ultima decada de su vida a la ejecucion de un proyecto transgresor: la capilla Rothko, situada en Houston (Texas).La fascinante biografia de Cohen-Solal relata la increible historia de un joven inmigrante de Dvinsk que acabaria siendo uno de los agentes cruciales en la transformacion del mundo del arte.

La obra de Joseph Mallord William Turner (1775-1851) provoca un impacto similar al que sentiría una persona que pudiera ver de repente. Sus paisajes terrestres y marinos desprenden tal luz y color, tienen una fuerza tan tremenda, que es como si el sol brillara en el interior del cuadro. Conocido como "el pintor de la luz", Turner trabajo con grabados, acuarelas y oleos para transformar los serenos paisajes contemplativos en imagenes llenas de vida. Su trabajo giro en torno al rio Tamesis y el mar. Sin embargo, realizado en el contexto historico de la Revolucion Industrial tambien incluyo embarcaciones, trenes y otros signos de la actividad humana que mostraban el firme avance de la civilizacion frente a las fuerzas de la naturaleza. Este libro ofrece un repaso al amplio e ilustre repertorio de Turner, un artista que dio un toque de modernismo radical a un genero tradicional.

Josep Aragay i Blanchar (Barcelona 1889 - Breda 1973) va ser un dels personatges més rellevants del panorama cultural del Noucentisme. Dibuixant, pintor i ceramista, Aragay va ser també gravador, poeta, professor, polític i teòric de l'art. Polemista incansable, va defensar fins al final de la seva vida l'ideal noucentista i va destacar, amb el seu caràcter vehement i abrandat, com un dels ideòlegs essencials del moment. Tot i la influència que va exercir en el debat intel•lectual entre classicisme i modernitat dels anys vint, Aragay ha estat, més enllà de la seva faceta com a ceramista, un gran desconegut. El llibre de Xavier Castanyer -elaborat a partir de la seva tesi doctoral- pretén restaurar la memòria d'aquest artista i donar a conèixer l'abast real i la justa incidència que ha tingut en l'art català contemporani. Es tracta del primer estudi integral sobre Josep Aragay i és fruit de la investigació realitzada sobre una extensa i diversa documentació inèdita. Concebuda amb l'objectiu ambiciós d'abastar la trajectòria artística i vital d'Aragay, aquesta obra esdevé molt més que una biografia d'autor i ens permet endinsar-nos en una època i comprendre molt millor el Noucentisme, aquell moviment tan complex que, com diu Francesc Fontbona en el pròleg del llibre, "tan bé encarnà la vida, i no sols la cultural, de bona part de la Catalunya del primer terç del segle XX, un país en construcció, que com el teixit de Penèlope, es feia i es desfeia al ritme de les brandades polítiques que varen sotraguejar-lo".

Joaquim Chancho és un dels pintors més prestigiosos de la cultura catalana contemporània. El seu treball s'emmarca en unes coordenades dins les quals ha sabut moure's amb llibertat: abstracció, geome

Al costat de la biografia del famós escultor rossellonès, aquest llibre desplega dos recorreguts personals, el Maillol i el de l''autor, separats per tres generacions i units per un mateix amor sensu

La primera part d’aquest llibre aplega una sèrie d’estudis sobre l’obra i la trajectòria de l’escultor Riu Serra, més uns escrits que en recullen els records personals d’amics i deixebles. La segona