Libros de Teatro, página 5 de 338

Esta es mi casa comienza con un reloj dando las doce del mediodía, campanas llamando al Ángelus y una mesa de cocina rodeada de taburetes que invita a sentarnos y disfrutar de esta historia única, en el marco de la España rural, y en la que cualquier familia podria verse reflejada.En su opera prima, el dramaturgo nos acerca a Maria, una mujer que, tras la muerte de su marido, debe elegir entre abrirse a un nuevo comienzo con Manuel o seguir atada a una vida de renuncia, sacrificio y abnegacion al servicio de sus hijos, Saul y Abel. La llamada inesperada de Saul, anunciando su visita, destapa viejas tensiones familiares y un enfrentamiento entre hermanos que llevaba tiempo enterrado, revelando heridas todavia abiertas y palabras nunca dichas.A traves de escenas cargadas de intimidad, la obra explora el duelo, la fragilidad de los vinculos y la fuerza del arrepentimiento como via de sanacion, mostrando como lo mas doloroso puede ser un aprendizaje. Con un lenguaje cercano y un trasfondo profundamente humano, esta tragedia costumbrista nos lleva a cuestionarnos que es lo que llamamos casa y a reconocer, en los lazos familiares, un espejo de nuestras propias contradicciones y del valor de las relaciones que tejemos a lo largo de nuestras vidas.

Esquilo (h. 525-456 a. C.) es el autor más antiguo del que conservamos tragedias completas. Además de dramaturgo, fue también soldado en una época difícil para Atenas y participó en algunos de los combates determinantes de las Guerras Medicas. Esa experiencia personal emerge con fuerza en una pieza de trasfondo belico como Los siete contra Tebas.Situada en el tiempo mitico justo antes de la Antigona de Sofocles, Los siete contra Tebas narra el asedio de la ciudad defendida por Eteocles ante el ataque de su hermano Polinices y sus aliados de Argos. Esquilo despliega en esta obra sorprendentemente realista un conflicto entre hermanos que se ve enriquecido con una adversidad superior: la de una ciudad que teme la derrota y sus terribles consecuencias. Quiza fue eso lo que convirtio a Los siete contra Tebas en una de las tragedias favoritas de sus contemporaneos.

«El rey Lear» es sin lugar a dudas una de las tragedias más famosas de William Shakespeare (1564-1616). En ella presenciamos la caída del rey de Britania tras dividir el reino entre sus dos hijas may

Maria Rosa, una de las piezas más significativas de la dramaturgia de Àngel Guimerà, fue un revulsivo cuando se estrenó en Barcelona y Madrid la noche del 24 de noviembre de 1894. La pasión sexual de

El teatro noh es una manifestación cultural japonesa que se originó en los siglos XIV y XV con el patrocinio los gobernantes samuráis. Con pocos actores, sin apenas elementos en el escenario, con rico vestuario y sofisticadas mascaras, el teatro noh es capaz de crear una atmosfera de misterio en la que se representan dramas de valor universal. Ataka narra la persecucion del personaje historico Minamoto no Yoshitsune por un paso fronterizo en Kaga. A pesar de sus heroicas victorias militares, su hermanastro Yoritomo, lider del clan Minamoto, ha ordenado su muerte. El protagonista del drama es Benkei, el leal compañero de Yoshitsune, con el que comparte aventuras hasta la muerte. Su interpretacion para engañar a los vigilantes del paso fronterizo haciendose pasar por un monje que recauda fondos para reconstruir un templo es uno de los mas famosos recitales del noh.

El final del silencio es a la vez un texto teatral y una nouvelle, en el que una actriz prepara su actuación dando voz a Violeta Friedmann, superviviente de Auschwitz y activista por los derechos humanos, que vivio en Madrid y se enfrento al nazi Leon Degrelle. En 1985, Violeta dolida por las declaraciones antisemitas de Leon Degrelle, exjefe de las Waffen SS, a la revista Tiempo negando la shoah, emprendio acciones judiciales contra el con la ayuda del Bene Berit. Tras una larga secuencia de sentencias desfavorables a sus pretensiones, en 1991 el Tribunal Constitucional de España considero que Degrelle habia atentado contra el honor de Violeta Friedmann y de los millones de victimas de los campos nazis. Esta sentencia es un precedente que reformo el Codigo Penal de España. En El final del silencio se da voz a Violeta y se recorre su enfrentamiento judicial contra el nazi Leon Degrelle. Una historia de voluntad y resiliencia

No se escribe para demostrar y mucho menos, para superar un proceso pedagógico: se escribe para entender, para perdonar, para pactar con el mundo y con sus desvelos, para interpelar, para despedir a quien ya no esta y para amar. Quienes firman estos textos lo saben, porque lo han vivido. [] Hay algo que no puedo explicar con palabras, porque necesitaria, yo tambien, poner el cuerpo: es emocionante escuchar las risas, las respiraciones, los silencios, profundos, evocadores, que surgen alrededor de la genesis de un texto teatral. Convertir el aula en un espacio seguro para desafiar nuestro conocimiento de las cosas, nuestro pudor, es una tarea comprometida y paradojica: cuanto de nosotros esta en lo que escribimos, y que importante es comprender que apenas somos canal para la emocion y la expresion, que lo que esta en juego es lo que siente el receptor. Para saltar alto, la colchoneta tiene que ser gruesa y estar bien colocada. Somos lo que intentamos, y nadie puede quitarnos la cervantina gloria del intento. Itziar Pascual

Una mañana cualquiera; Eva una mujer de unos sesenta años, trabajadora social, soltera y sin hijos, va al mercado de su barrio a hacer la compra sin saber que acabará siendo noticia en los periódicos, al ser victima de lo que ha sido una broma violenta e idiota. Eva, herida de gravedad, es operada de urgencia y mientras la operan sueña, recuerda o inventa lo que ha sido su vida. Y esos sueños, recuerdos o invenciones son como muñecas rusas: caben unas dentro de las otras. Su cuerpo esta herido pero su cabeza esta mas viva que nunca. La linea entre realidad y sueño, entre vida y muerte, se va haciendo cada vez mas tenue.

Tomaso Tancredi, un artista de circo de la vieja escuela, llega desahuciado y con hambre a un circo que parece sacado de un sueño o de una pesadilla, en busca de trabajo. Lo que encuentra allí no es un circo al uso, sino un universo paralelo lleno de personajes tan disparatados como entrañables: un tropecista que se cae con arte, un filosofo borracho que murmura verdades eternas entre tragos, un hombre barbudo que hace del mesado de barba una declaracion de principios, y una mujer que fascina no solo por su belleza, sino por el profundo hartazgo que le ha provocado la mirada ajena. Lo que al principio parece absurdo o ridiculo a los ojos de Tomaso, pronto se revela como un espejo deformante y certero de la realidad que lo rodea. En este circo, lo trivial se vuelve extraordinario; un lanzamiento de sombrero puede ser el acto mas sublime y una caida, una metafora de la resistencia humana.

En 1817 el escenario londinense se estremeció con la primera adaptación teatral de Frankenstein, la icónica novela de Mary Shelley. Escrita por Richard B. Peake, esta obra marcó un hito al llevar al tetro la aterradora creacion del doctor Victor Frankenstein.El doctor Frankenstein, obsesionado con desafiar las leyes de la naturaleza, da vida a una criatura cosida de restos humanos, un ser condenado a la soledad y al rechazo. La historia se sumerge en el horror de la ambicion desmedida, donde la chispa de la creacion desata una tragedia de proporciones dantescas. La criatura, atrapada entre su deseo de ser amada y la repulsion que inspira, persigue a su creador en una danza macabra de culpa y venganza. El escenario se llena de sombras, relampagos y melodias inquietantes que amplifican el terror, mientras la comedia alivia momentaneamente la tension, recordandonos la humanidad detras del horror. Con su mezcla unica de escalofrios, risas y canciones, esta obra invita al lector a adentrarse en un mundo donde la creacion se vuelve condena.

Drácula, de John L. Balderston, basada en la obra maestra de Bram Stoker, irrumpió en Broadway en 1927 como un torbellino de terror y seducción, convirtiéndose en la mejor obra de este género de la historia. Esta adaptacion, que estremecio al publico con su atmosfera escalofriante, desato gritos de pavor en las butacas y cautivo con su sensualidad provocadora. A diferencia de la novela original y de la version britanica, aqui es Lucy, y no Mina, quien asume el papel central, guiando la peripecia con una intensidad que hipnotiza. Balderston transforma la historia en un juego de sombras y deseos, donde el conde Dracula, encarnacion del magnetismo oscuro, envuelve a todos en su red de fascinacion. Nadie sale ileso de su hechizo. Sumerjase en este clasico inmortal, donde el terror y la pasion se entrelazan en una danza macabra. Ningun corazon puede resistir el mordisco de Dracula, ni escapar de su seductora maldicion.

Ezequiel Méndez Vidal (Santiago de Compostela, 1941) é licenciado en Filosofía e Letras (rama de Historia) pola Universidade de Santiago. Nos seus anos de estudante universitario desenvolveu un intenso labor teatral, do que da conta este libro. Simultaneamente, en 1961 fundou, organizou e dirixiu o Cine Club Universitario e comezou unha longa carreira como critico de cine na prensa local (La Noche e El Correo Gallego, xornais dirixidos daquela por Raimundo Garcia Dominguez, Borobo). Xunto co profesor Gonzalo Anaya e Enrique Banet, creou a produtora Equipo 64, para realizar documentais sobre Compostela e Galicia. En 1967, montou unha empresa de distribucion de libros con case cincuenta editoriais (Alianza, Ciencia Nueva, Fondo de Cultura Economica, Siglo XXI, Tecnos, Peninsula, Cuadernos para el Dialogo, Ariel, Akal), que ainda existe hoxe en dia, con nome diferente e con outras editoriais. Entre 1974 e 2003 a sua traxectoria profesional estivo intimamente ligada a postos de maxima reponsabilidade no sector editorial: director xerente do Fondo de Cultura Economica (Madrid); director de Marketing de Alianza Editorial; director de Promocion e Marketing do diario El Pais; director de Publicacions, Cultura e Relacions Externas do Instituto Cervantes; director da editorial Electa (Random House Mondadori). Dende 2007 goza da sua xubilacion en Madrid. En 2024 foi nomeado Fillo Predilecto polo Concello de Santiago de Compostela.

Londres, 1870. En una granja aislada, dos hermanas irlandesas sobreviven acogiendo a niños abandonados. La tormenta arrecia cuando, de pronto, dos inspectores de Scotland Yard llaman a la puerta. Su visita desencadena una noche en la que verdades enterradas salen a la luz.. y con ellas, los fantasmas del pasado.Con una atmosfera gotica, opresiva y llena de misterio, Estan todos aqui lleva al espectador a los limites del terror psicologico y sobrenatural, en una propuesta teatral distinta, inquietante e inolvidable.Una experiencia unica que te hara dudar entre la realidad y lo espectral.

Retablo pánico, la obra más arriesgada de Ramón Paso, es un zarpazo al corazón de la institución familiar, un ejercicio de vivisección que, al estilo de Fernando Arrabal, desgarra las máscaras del amor y al convivencia. Con una pluma afilada, Paso convierte los lazos familiares en un tumor mefistofelico, un reflejo grotesco de lo que creemos saber sobre nuestros vinculos mas intimos. Esta pieza no deja indiferente: durante su año en cartel, algunos espectadores abandonaron la sala, incapaces de soportar su intensidad; otros lloraron desbordados por la crudeza; y muchos se sintieron arrollados por una apisonadora emocional que no daba tregua.Ramon Paso hereda la provocacion de los grandes iconoclastas, llevando el absurdo y el panico a un nuevo nivel. Su obra dialoga con la tradicion mientras la dinamita. Retablo panico no es solo teatro: es un espejo que quema, un desafio a nuestras certezas mas arraigadas. Porque, como dice el propio Paso, la familia es el monstruo que nos devota mientras le sonreimos.

En un Londres envuelto en niebla, Dorian Gray, un joven de belleza sobrenatural, vende su alma para preservar su juventud eterna, mientras un retrato oculto carga con el peso de sus pecados. La adaptacion de Fernando Savater de El retrato de Dorian Gray lleva al escenario esta obra maestra, considerada una de las mejores novelas de la historia, donde el deseo, la corrupcion y el arte se entrelazan en una danza macabra. Oscar Wilde, genio inmortal, desafio su epoca con una prosa que cortaba como un bisturi y seducia como un susurro. Condenado a dos años de trabajos forzados por su grave indecencia, sus jueces quisieron silenciarlo, pero solo lograron que su voz volara mas alto. Aquellos que lo juzgaron han desaparecido; Wilde, en cambio, vive eternamente en su literatura; un triunfo del espiritu sobre la hipocresia. Esta obra, impregnada de sensualidad y terror moral, desnuda las mascaras de la sociedad y revela el precio de la belleza sin freno. Savater captura la esencia de Wilde, transformando el escenario en un espejo donde cada espectador enfrenta su propia alma.

El título de la obra está tomada del que está considerado el mejor relato corto de terror de la literatura castellana, que Bécquer ambientó en Soria, el mismo escenario de otras cuatro de sus leyendas. Uno de los relatos que forman parte de la coleccion cuenta la historia de el joven Alonso intentando complacer a su prima en la noche de la festividad de Todos los Santos. La trama esta ambientada a finales del siglo XIX. Durante una excursion en la que cuatro personajes quedan atrapados en un ambiente cargado de leyendas y supersticiones. A medida que la noche de Difuntos avanza relatan historias sobre El monte de las Animas, un lugar donde se cree que los espiritus de los antiguos caballeros templarios cazan en la oscuridad. Las tensiones entre los personajes crecen, y la linea entre realidad y leyenda se desdibuja, llevando al publico a un mundo de misterio, supersticion y relaciones humanas.

Existe una casa apartada, en la campiña inglesa… y allí existe un desván… y en el desván existe un secreto. Un secreto del que apenas se habla por la increíble fealdad que contiene y el horror, y el

Una profesora de filosofía que roza los cincuenta años se enfrenta a un mundo que parece haber olvidado el sentido de la justicia. Entre aulas donde nadie la escucha, alquileres imposibles y vecinos que revientan las paredes con musica, su vida se convierte en un ensayo sobre el colapso cotidiano. El imperativo categorico es una tragicomedia que, con humor acido y un filo inquietante, lleva la etica kantiana a las trincheras de la precariedad urbana.Victoria Szpunberg traza con destreza una voz femenina feroz y fragil, que mezcla ironia, desesperacion y lucidez. El resultado es un texto intenso, punzante, que desmonta el lenguaje burocratico, el cinismo academico y la violencia silenciosa de lo domestico. Esta obra, estrenada en Barcelona con gran exito, confirma a Szpunberg como una de las dramaturgas mas incisivas de la escena contemporanea.

Tras conquistar todos los registros de la creación teatral, Ignacio Amestoy, una de las figuras más importantes de la dramaturgia actual de nuestro país, experto en teatro clásico y gran retratista del alma humana, se atreve ahora con el publico mas exigente: los niños. En estas dos obras, cuatro figuras infantiles se enfrentan al amor y la muerte e interpelan al lector/espectador en una busqueda universal de respuestas.Detras de las estrellas esta una madre que se fue, pero permanece en la trascendencia fantastica de los sueños; tras la bandera, la muy dolorosa experiencia de una guerra fratricida que continua enterrada en las cunetas. Junto a los niños, abuelos y bisabuelos, piedra fundacional de nuestra niñez; y, como trasfondo, la magia que nos abandona un poco al hacernos adultos, pero a la que volvemos a traves del juego de la ficcion.

El teatro de Alberto Conejero se caracteriza por una profunda sensibilidad poética y un diálogo constante entre memoria, historia y emoción íntima. Sus obras exploran heridas colectivas y personales, como la guerra, la perdida y la identidad, siempre desde una mirada humana y reflexiva, combinando un lenguaje cargado de imagenes y de fuerza expresiva con una dramaturgia que abre espacio a los silencios, lo no dicho y las voces marginales. Y del territorio que se construye en su escritura emerge un punto de vista sobre el mundo cargado de ecos filosoficos. Este libro reune las voces de diversos autores que, desde la filosofia, se han acercado al universo teatral de Alberto Conejero no solo para estudiar su dramaturgia, sino para pensarla como espacio de reflexion sobre el tiempo, la identidad, la verdad, la memoria y el deseo. Cada ensayo indaga en las multiples formas en que las obras de Conejero interpelan nuestra forma de habitar el mundo, confrontando las cicatrices de la historia con la posibilidad de la belleza. El lector encontrara aqui un dialogo fecundo entre pensamiento y escena, en el que la filosofia ilumina la potencia reflexiva de un teatro imprescindible.