Libros de Teatro, página 116 de 398

Poseedor de una técnica consumada para la adaptación de obras clásicas, Alejandro Casona (1903-1965) presenta en El caballero de las espuelas de oro, una de sus últimas producciones, una visión de do

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El estreno en 1835 de Don Álvaro o la fuerza del sino supuso, en medio de disputas y polémicas, el afianzamiento del drama romántico en España, que se prolongará hasta 1844, año del Don Juan Tenorio de Zorrilla. Apoyandose en leyendas andaluzas, Angel Saavedra, Duque de Rivas (1791-1865), muestra en esta obra su gusto por las situaciones extremas y por los contrastes, y define el prototipo de heroe romantico gallardo, valiente, apasionado, entregado a un exaltado ideal amoroso, victima de la intransigencia, los prejuicios sociales y el viejo concepto del honor, y perseguido por un destino aciago, a quien unicamente el suicidio permite reafirmar su libertad individual y exteriorizar su rebeldia y nihilismo. La introduccion de Enrique Baltanas, responsable de la edicion, da cuenta asimismo de la importancia que tambien desde el punto de vista formal tiene para la literatura española este drama que en 1862 inspiro a Verdi su famosa opera La forza del destino.

A diferencia del escaso influjo que ejercieron las comedias de Miguel de Cervantes entre sus contemporáneos, sus ENTREMESES fueron muy importantes y se convirtieron a menudo en la referencia básica del genero. La presente edicion, a cargo de Antonio Rey Hazas, quien explica en su introduccion la decisiva aportacion del autor al genero y proporciona una breve aproximacion a cada una de las piezas, reune las ocho obras que se publicaron juntas en el libro Ocho comedias y ocho entremeses en 1615: El juez de los divorcios, El rufian viudo, La eleccion de los alcaldes de Daganzo, La guarda cuidadosa, El vizcaino fingido, El retablo de las maravillas cuspide del genero, La cueva de Salamanca y El viejo celoso. Completa el volumen el prologo que escribiera en su dia Cervantes para encabezar su recopilacion, uno de los documentos fundamentales para conocer sus ideas sobre el teatro y su trayectoria como dramaturgo.

Hasta que la boda nos separe es una obra ecléctica. Hay una fusión de estéticas: las viejas, de profundidad y carpintería, y las nuevas, basadas en el lenguaje; un cóctel de diferentes estratos de humor, desde el mas excelso de la gregueria hasta el comico del vodevil, y finalmente un repertorio de personajes de la mas variopinta ascendencia: novelescos (Natasha), dramaticos (Ramon), costumbristas (Seña Brigi) o propios del comic (EL P.S.). Y todo convocado con eficacia en una mezcla bien hecha, que tiene poco de cada cosa y donde nada chirria (Eva Vallines, actriz). Sobre Hasta que la boda nos separe han dicho: Atrapa desde la primera pagina y hay algunas escenas soberbias, entre ellas la del crucigrama. Esta muy bien escrita, pero lo que mas me ha llamado la atencion es lo bien construida que esta: no parece obra de un autor primerizo (Jeronimo Lopez Mozo, premio Nacional de Literatura Dramatica 1998). Este texto, que tiene una de las escenas mas bonitas que he leido de amor, de amor que pasa de lo espiritual a lo fisico, es perfectamente apto para el consumo del lector (Fernando Herrero, escritor y critico teatral).

Hace algún tiempo, el señorito Galán y dos compinches gastaron una broma de muy mal gusto a la solterona de Trevélez: una carta ¿de amor?, dirigida por Galán a Soledad, la criada de los Trevélez, fue desviada de su objetivo y enviada a doña Florita. Exultante, el ama acepto los requerimientos amorosos que correspondian a la doncella y se enamoro del lechuguino. "Por el placer de una grosera carcajada -sentencio el hermano, al desvelar el engaño-, no han vacilado en amargar con el ridiculo el fracaso de una vida. ¡Ver llorar a un ser que tanto quieres con unas lagrimas que ha hecho derramar usted solo para reirse! No quiero mas venganza sino que Dios, como castigo, llene de este dolor mio el alma de todos los burladores. Quedemonos en el ridiculo; no demos paso a la tragedia." Y fin, se cerro el telon; del dolor de Florita, de los deseos insatisfechos de la fea burlada, nunca mas se supo. De todo eso hace ya algun tiempo, lo conto don Carlos Arniches. Ahora, pasados muchos años, doña Flor y Soledad, el ama y la doncella, siguen viviendo juntas en "la casa del crimen". Y somos otro autor. Tergiversemos: hablemos de amor y de venganza. Quedemonos en la tragedia; no demos paso al ridiculo.

Un género clásico de la literatura española, presentado en una edición comentada y analizada por uno de los mejores especialistas de España, hecha con el cuidado de un erudito, aunque permitiendo sin problemas la ligereza de la lectura. Una cuidada seleccion de loas y entremeses, dos generos tipicos del teatro del siglo de Oro español.ARELLANO, IGNACIO

Las brujas de Salem, escrita para teatro en 1950 por Arthur Miller, uno de los grandes dramaturgos de nuestro siglo, ha pasado a ser una obra cumbre indiscutible de la literatura contemporánea. Y ahora, tras vencer la proverbial resistencia del autor a que sus obras teatrales se adapten al cine, se convierte en una pelicula de gran presupuesto con actores estelares -Daniel Day-Lewis, Winona Ryder y Paul Scofield-, un director de culto -Nicholas Hytner (La locura del rey Jorge)- y, por si fuera poco, ¡con guion del propio Miller! Nos ha parecido, pues, la gran ocasion para ofrecer a nuestro lectores esta tragica historia basada en un hecho real, autentico alegato contra la intolerancia y el puritanismo, y la posibilidad de conocer como un mismo autor la recrea en dos lenguajes tan distintos como son el teatro y el cine. Nos trasladamos al año 1692, a Salem, Massachusetts, donde vive una pequeña comunidad dedicada al servicio de Dios. Pero un grupo de jovencitas, cohibidas e irritadas a la vez por la sofocante atmosfera a la que las someten sus mayores, se ponen a bailar desnudas en los bosques. Una de ellas, Abigail Williams -que ha perdido su inocencia en el lecho del granjero John Proctor, un hombre casado-, bebe una pocima encantada para inducirla a matar a la mujer de este. Y, de repente, el Diablo parece apoderarse de Salem. Las jovenes brujas son descubiertas e, incitados por sus terribles acusaciones, todos los habitantes del pueblo son presa de una extraña e incontenible histeria colectiva. Se inicia un juicio, en el que, una a una, las victimas inocentes, arrancadas de sus hogares por las maledicencias cruzadas, van cayendo en la diabolica trampa de culpas y denuncias que ellas mismas han ido urdiendo. ¿Quien es realmente el culpable? ¿Habra al fin una sentencia o simplemente una venganza?

Una obra de gran comicidad, que trata temas universales que resultan tan vigentes hoy como lo fueron entonces. Una lectura imprescindible para cualquier buen lector. Alceste, el protagonista de esta obra, ocupa todo el escenario: odia su tiempo, odia los versos de Oronte, tiene un pleito por unos rumores que hacen correr sobre el. Y como enamorado, paradojicamente, no cesa de reprochar los defectos a su amada (de lo cual ella hace broma) ni soporta a los demas pretendientes que la asedian; sus celos montan guardia permanente y sufre la presencia de cualquier galante hasta el extremo de olvidarse de su misantropia cuando el amor se apodera de su corazon.Partiendo de un mito antiguo, Moliere logra componer esta ambiciosa obra de gran comicidad, que trata temas universales que resultan tan vigentes hoy como lo fueron entonces, y que sigue siendo lectura imprescindible para cualquier buen lector.

Dos obras sobre la hipocresía escritas por el mejor comediógrafo francésMolière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, es también un maestro en el arte de mezclar lo cómico y lo dramáti

Hilarantes y conmovedoras historias repletas de magia, ternura e imaginaciónLas peripecias de seis mexicanos que hallan el remedio al tedio, el bochorno y la frustración en un traje de verano. El pintoresco encuentro en Chicago entre un punk y un anciano donde la hostilidad inicial se transforma en emociones inolvidables. Y la guarderia del futuro: una prodigiosa habitacion donde todos los deseos de los niños se hacen realidad.

Don Álvaro supone una ruptura decisiva con la imagen tradicional del individuo, la sociedad y la literaturaÁngel de Saavedra, Duque de Rivas (1791-1865) tuvo una vida turbulenta, apasionada, romántica y contradictoria como la epoca en que le toco vivir. Lucho en la guerra de la Independencia y tras esta se exilio por sus ideas liberales en 1823. Vivio en Londres, Italia y Malta, y en ese momento se apasiono por los autores ingleses de mas prestigio entre los romanticos (Shakespeare, Byron, Scott). Gracias a una amnistia, regreso a España en 1834 y heredo el titulo y una gran fortuna, iniciando una evolucion hacia posturas mas conservadoras. En 1835 estrena Don Alvaro o la fuerza del sino, primer drama español integramente romantico y acaso el mas representativo del movimiento, pues en ningun otro se acumulan tantos elementos caracteristicos: pasion, misterio, soledad, fuerza ciega de la fatalidad, rebelion, suicidio... Ningun otro consigue fundir tan genialmente estilo culto y llano, verso y prosa, en una accion de desbordada y enloquecida originalidad. La edicion de Carlos Ruiz Silva y el apendice de Juan Francisco Peña, facilitan los datos para que el lector pueda comprender la obra en su propio contexto.

Un mecanismo poético y teatral que alcanza la perfección extrema, una de las obras maestras de Lope, en la que desplegó todo su ingenio.El caballero de Olmedo, basada en un hecho histórico que fue motivo de multiples recreaciones artisticas la muerte de don Juan de Vivero, caballero de Olmedo, a manos de su vecino Miguel Ruiz en 1521, es una de las obras maestras de Lope de Vega, con un mecanismo poetico y teatral que alcanza la perfeccion extrema. Amor y muerte son los ejes de esta comedia, cuyo final deja un halo de escepticismo ante lo vano de la existencia. Para su elaborada construccion, Lope desplego todo su ingenio, combinando sabiamente los elementos del arte dramatico propios de la epoca y condensando en ella todas las formas y los modelos poeticos en uso. Nada en la obra resulta superfluo; todo, incluso el inicial tono alegre y primaveral, esta al servicio de la tragedia que, desde el principio, se avanza con gran sutileza: Que de noche le mataron / al caballero, / la gala de Medina, / la flor de Olmedo. Ignacio Arellano y Juan Manuel Escudero, de la Universidad de Navarra, ofrecen un claro analisis de la obra.

Pocas obras maestras se muestran tan vigentes hoy día como La vida es sueño, la extraordinaria puesta en escena del reconocimiento por parte del hombre de su conciencia de existir.Pocas obras dramáticas se muestran tan vigentes hoy en dia como La vida es sueño. Drama religioso o filosofico que, desde el absoluto seiscentista, urde sus raices en los mitos orientales, la literalidad de su leccion moral es capaz, sin embargo . de traducirse en lectura politica (educacion de principes) y en grito revolucionario. Pero, sobre todo, es pieza clave en la historia del conocimiento, del reconocimiento por parte del hombre de su conciencia de existir. Desde el mito de la caverna de Platon hasta la frontera de la modernidad que supone su proximidad en el tiempo y en las inquietudes a la filosofia cartesiana, La vida es sueño se constituye en un modelo de la duda metodica resuelta no a traves de la seguridad del pensar, sino por medio de una peripecia tragica que desemboca en el absoluto moral. Por medio de una magnifica parabola literaria y de la grandiosidad de una puesta en escena que vislumbramos en la fuerza suasoria del discurso, Calderon muestra como sobre el error no se puede levantar el edificio de la verdad. Y que para la pasion, como todo lo humano, puede someterse a sistema.

El sueño de la razón produce monstruos."El sueño de la razón produce monstruos", escribió Goya al pie de uno de sus Caprichos. En esta obra, que su autor califica de "fantasía" y con la que da un paso decisivo hacia el "teatro total", se alza un nuevo retablo historico con el gran pintor aragones como protagonista. El sueño de la razon es una obra de circunstancias en la que la leccion simbolica apunta a los conflictos permanentes del ser humano y confiere al drama un valor universal de pensamiento y arte.

Romance de lobos, la más conseguida de las Comedias Bárbaras, continúa los tres hilos argumentales iniciados en las obras anteriores, concentrados aquí en uno sólo: la transformación de Don Juan Manuel Montenegro, que pasa del exceso y la locura de su violento vivir a una nueva conciencia de si mismo, redimido por un sentimiento de culpa que apaga su soberbia. Ya la primera escena, con la aparicion fantasmal de la Santa Compaña, que pasa como una niebla sobre los maizales, preludia la caida de Montenegro, el caracter ceremonial y el contenido tragico de la Comedia. Valle-Inclan se nutre de imagenes sonoras y visuales para potenciar el sentimiento de soledad, angustia y muerte que inunda la obra. El viento, la lluvia, la noche, la luz electrica del rayo, el mar y un completo bestiario de simbologia animal envuelven al lector en una atmosfera cuya sacralidad nos proyecta hacia la eterna incognita del destino humano.

La paz perpetua pertenece a la etapa o ciclo dramático en que su autor ha sabido dar con un tipo de teatro, intempestivo y actual, en el que con frecuencia sus protagonistas son animales humanizados, con las funciones psicologicas superiores muy desarrolladas o la emotividad a flor de piel, que sirven para descubrir o desenmascarar el lado mas terrible de la humanidad y los horrores a los que esta ha conducido y conduce. Concebido el espectador como el lugar donde se produce el encuentro entre lo literario y lo espectacular, un interprete activo, Mayorga rehuye ofrecer lecciones morales, consciente de que las tesis siempre las añadimos los lectores a partir de la discusion propuesta por el dramaturgo. Se situa, pues, en la linea de lo que afirmaba Shaw sobre la estructuracion del drama ibseniano, evitando la antinomia folletinesca buenos-malos aun sin dejar de creer en la existencia del bien y del mal.

"En este país ha habido una dictadura, y una dictadura feroz, durante mucho tiempo, que luego ya pudo ser más o menos suave, pero los primeros veinte años fueron algo tremendo y es que eso está ahí... Y yo no sé por qué hay gente empeñada en no querer hablar de ello..." Laila Ripoll no se limita a hacer declaraciones tan tajantes; de ello habla en esta obra. En estos momentos de reivindicación de la memoria histórica, su obra reflexiona sobre lo que ocurrió y se negaron a contarnos. El escenario elegido para denunciar la violencia sobre los más débiles es el desván de un orfanato en el que cuatro niños se encuentran encerrados. Allí viven sus miedos, sus carencias afectivas, su desamparo y su pérdida de identidad. El encierro al que se ven sometidos los protagonistas provoca la reflexión sobre lo que ocurrió en la España de la posguerra, sumida en la represión y el hambre, las responsabilidades de los distintos colectivos en los hechos ocurridos, la necesidad de cumplir el deber moral de identificar y enterrar ritualmente a los muertos y la confianza en el poder regenerador de las jóvenes generaciones. Madrid, 1964. Es una de las figuras más importantes en el teatro español actual. Actriz, autora y directora de escena. Cofundadora y gestora de Producciones Micomicón en 1991, también ha escrito y dirigido obras para la Compañía Nacional de Teatro Clásico y numerosas compañías.

Una obra clave que explicó el trasfondo de la «caza de brujas» macarthista.En 1692, en la pequeña localidad de Salem (Massachusetts), corre el rumor de que una joven ha hecho un obsceno maleficio. Lo