Libros de Teatro, página 11 de 387

Esperanza hace un agujero en la pared de su dormitorio para pasar a la hornacina de la diosa Hebe y poder tener encuentros secretos con su enamorado, el joven Cándido. La esclava Rústica, que está enamorada del mismo hombre, descubre el engaño y aprovecha la ocasion para hacerse pasar por Esperanza.

Se llama Ternura y está cansada de definir las esquinas de su consentimiento. Lo sabemos por las cartas sin destinatario que escribe desde la soledad de su cama, y que ha decidido recitar en voz alta, ante un auditorio que unas veces la insulta y otras la abraza. Cercada, cada vez mas oprimida, Ternura se pregunta por la importancia de la cura a traves de la palabra, y por la erotica de quien aun sabiendose derrotada- opta por el camino de la reparacion. ¿Nos hace libres narrar el dolor propio? ¿Es licito sentir deseo ante la humillacion?Ternura y derrota es el primer acercamiento a la dramaturgia de Luna Miguel, estrenado a finales de 2021 dentro de la programacion de la Compañia Nacional de Teatro Clasico, e interpretado por ella. Escrito como una respuesta al dibujo de la feminidad en la Numancia de Miguel de Cervantes, aunque valiendose de las enseñanzas amorosas y belicas de Sarah Kane, Pier Paolo Pasolini o Simone Weil, este monologo puede leerse como una ficcion egoista sobre el poder, como una epistola florida al deseo, como un ensayito atormentado o como un largo poema -asi lo comprendemos, asi lo recibimos- en la busqueda incesante del amor."Una obra de horror sobre el amor" (Margot Rot)."Un espacio de coalicion entre corporalidades,

La rebelión del pueblo de Fuente Ovejuna ante los excesos de Fernán Gómez, comendador de Calatrava, aparece mencionada en varias crónicas históricas. Lope de Vega se inspiró en una de ellas para crear su conocidisima y celebradisima obra teatral, que tenia como trasfondo politico las luchas de la nobleza por un poder que habia iniciado la transicion de un regimen feudal atomizado a la implantacion de una monarquia mas solida.En manos de Lope, el texto cobra una complejidad y un interes excepcional, en el que lo literario trasciende lo ideologico y en el que son fundamentales los debates sobre el orden establecido, la honra, el sentimiento de comunidad y el amor.

En la ciudad de Vetusta vive Ana Ozores, de familia noble venida a menos, casada con don Víctor Quintanar, regente de la audiencia. Ana se casó con don Víctor en un matrimonio de conveniencia. Bastante mas joven que su marido, al que la une mas un sentimi

Mitjançant les vivencies de la protagonista adolescent, una historia absorbent, desenvolupada a ritme de xat, frenetica per moments, en la qual es posa el focus en la problemàtica de l’ús de les xarx

Un intento (irreverente) por comprender cómo hemos llegado hasta aquí caminando de la mano de uno de esos personajes secundarios pero absolutamente imprescindibles de la Hermosísima Historia de Esta España Mia (esta España Nuestra). De esta España Viva, esta España Muerta. Pero, ojo: por mas que lo pueda parecer, esto NO es un biopic sobre Manuel Fraga.

"Pactamos con el diablo a fin de que nos otorgue el don de la palabra. La escritura es un don que nos dispensan desde el inframundo. Todas las recompensas del arte proceden de ese pacto. El diablo me ha prometido una obra, a cambio debo desear la desgracia de una persona todos los dias de mi vida. He de entregarle a alguien en sacrificio. Bien es sabido, que aquel que desea la desgracia de otros invoca su propia desgracia. Eso es la escritura. Escribir es nuestra desgracia. Respondemos al acertijo del enigma, pero desconocemos el enigma que hay en nosotros. Eres la asesina a la que buscas, me diria Tiresias. Nuestra mirada es apropiada hasta que al conocernos se vuelve oscura. Si no me suicido es porque despues no podria escribirlo, se lo debo al diablo, le debo la escritura, solo el puede matarme. Es mas bello el dolor que su causante. Es mas bello el verso que el rapsoda".

No ha sido el teatro lo que convirtió a Mercè Rodoreda en la voz femenina más poderosa de la literatura catalana de todos los tiempos y, sin embargo, su delicadeza, su estilo sinuoso, su sensibilidad

Un disparo en la noche, que rompió el silencio en el convento de las Hermanas Descalzas del Pie Diestro, mató a la hermana Catherine Wellstone. Las cuatro monjas de clausura que quedan en la abadía son las unicas sospechosas. Para resolver el caso, acude el inspector Je?erson y su ayudante, el alguacil Bob. Las cuatro hermanas son escurridizas cual anguilas y cada una de ellas mas excentrica. Una es ciega, otra sorda, otra vasca con ataques de ira y la madre abadesa mas rara que las otras tres juntas y, sobre todo, que no piensan ponerselo facil al representante de la ley.

Este cuarto tomo de las Obras completas de Luis Martín-Santos supone una autentica novedad. Del teatro escrito por Martín-Santos había muy pocas y vagas noticias, por lo demás inexactas. Sin embargo, el autor habia escrito para la escena desde muy temprano, y compagino la escritura teatral con la narrativa durante muchos años. De toda su produccion dramatica se han conservado seis obras, dos de ellas incompletas, que hasta el dia de hoy han permanecido rigurosamente ineditas. Irma, fechada en enero de 1946, es la primera de todas las piezas dramaticas de Martin-Santos. Escrita cuando el autor contaba 21 años, esta compuesta al hilo de los acontecimientos historicos coetaneos. Concebida como una tragedia clasica, dramatiza el derrumbe del III Reich personificado en Irma. Claudia y Viaje hasta el limite, esta ultima fechada en 1953, muestran un avance considerable en la concepcion dramatica del autor. Se trata de dos dramas con varios puntos en comun, localizados en el ambiente de la alta burguesia, un mundo donde triunfa el poder del dinero y donde las asfixiantes relaciones familiares abocan a la ruptura, a la desesperacion y a la muerte. Suponen un intento por parte de Martin-Santos de crear un drama existencial de tintes psicoanaliticos. A pesar de retratar el mismo ambient

Alejandro Casona juega con la fantasía y la realidad en el teatro. Estamos, y se ve desde la primera escena, ante una escenificación del teatro dentro del teatro, no al modo pirandeliano, sino instrumentando elementos del vodevil. Los arboles mueren de pie nos ofrece un mundo tocado de fantasia y unos personajes que ejemplifican una idea moral. Desde la escena pretenden mostrar y demostrar al espectador el bien, la belleza, la vida en su expresion mas genuina, bondadosa y maravillosa. La funcion de esta obra es orientar hacia el sendero de las fuentes cristalinas y limpias de una vida mejor. Que no me vean caida. Muerta por dentro, pero de pie. Como un arbol.

La dama del alba es un poema legendario enmarcado en un mundo de fábula entroncado en la tradición romántica. La imaginería legendaria no es más que el envoltorio de una obra que por dentro refleja una realidad: los estigmas que la tradicion propinaba a la mujer por su condicion social en la España de la epoca.Las apariencias mandan. La honra, como fue durante siglos, esta en juego; la mentira sirve de alivio a todos. En la apoteosis final la mitificacion por la muerte borra el pecado de adulterio y convierte al personaje en figura magica que cuadra con el fondo de neblina fabulosa de las tierras asturianas del autor.¿Comprendes ahora lo amargo de mi destino? Presenciar todos los dolores sin poder llorar... Tener todos los sentimientos de una mujer sin poder usar ninguno... ¡Y estar condenada a matar siempre, siempre, sin poder nunca morir!.

Esta traducción que presentamos de Otelo es la segunda entrega de la colección «Shakespeare en el Mediterráneo». Coriolano fue la primera, y esperamos ir completando la traducción de las veinte obras

La tuberculosis, el miedo, la muerte, sus fantasmas... un drama que transcurre en el marco de una isla atlántica durante la segunda década del siglo XX. El reflejo de las distintas capas sociales, el campesinado y la burguesia, su profundo antagonismo de naturaleza, la dicotomia de ambas en la salud y la enfermedad.

Pocas obras maestras se muestran tan vigentes hoy día como La vida es sueño, la extraordinaria puesta en escena del reconocimiento por parte del hombre de su conciencia de existir.Pocas obras dramáticas se muestran tan vigentes hoy en dia como La vida es sueño. Drama religioso o filosofico que, desde el absoluto seiscentista, urde sus raices en los mitos orientales, la literalidad de su leccion moral es capaz, sin embargo . de traducirse en lectura politica (educacion de principes) y en grito revolucionario. Pero, sobre todo, es pieza clave en la historia del conocimiento, del reconocimiento por parte del hombre de su conciencia de existir. Desde el mito de la caverna de Platon hasta la frontera de la modernidad que supone su proximidad en el tiempo y en las inquietudes a la filosofia cartesiana, La vida es sueño se constituye en un modelo de la duda metodica resuelta no a traves de la seguridad del pensar, sino por medio de una peripecia tragica que desemboca en el absoluto moral. Por medio de una magnifica parabola literaria y de la grandiosidad de una puesta en escena que vislumbramos en la fuerza suasoria del discurso, Calderon muestra como sobre el error no se puede levantar el edificio de la verdad. Y que para la pasion, como todo lo humano, puede someterse a sistema.

A ciento cincuenta años del nacimiento de Chéjov, queda mucho por descubrir de nuestro mundo en sus dramas, de allí la relevancia de la publicación de este Teatro completo, traducido directamente del ruso. - Jorge Dubatti No puedo leer sus obras sin una embobada sonrisa de felicidad. Hay algo sorprendente y gozoso en la solvencia con la que compone esos personajes de expresividad insólita. [...]. Ante el libro como ante el escenario, Chéjov me hace llorar, y eso me da una alegría irreparable. - Mauricio Kartun Chéjov, que veía cómo era el mundo, tenía inagotable amor y piedad, y por eso su ironía nunca es ácida. - Ernesto Sabato Chéjov tiene una forma propia, como los impresionistas. Uno mira y tiene su impresión de que el artista pone sus colores tal como le van a parar a las manos y como si sus pinceladas no tuvieran ninguna relación entre ellas. Pero si uno se aleja un poco y lo mira mejor, recibe una impresión extraordinaria, la de encontrarse frente a un cuadro claro e indiscutible. - León Tólstoi

Ed. Francisco López Estrada. Conocidas estas obras de Lope y de Monroy, basadas ambas en el hecho de Fuente Ovejuna presentan claras divergencias. La Fuente Ovejuna de Lope no está en la línea común del teatro de este autor. Quiere, mas que Monroy, interpretar sobre la escena la parte de la historia de España que rodea como ambiente general la rebelion de Fuente Ovejuna.(...) Aunque pocos años posterior, la obra de Monroy, imaginada de cara a un publico andaluz y sobre todo sevillano, parece que no tiene en cuenta en forma tan rigurosa el caso historico del fondo de la obra, o por indiferencia hacia el criterio cronistico de Lope o por serle ya conocido. Por eso situa el nucleo argumental mas sobre los personajes nobles que sobre el caso colectivo del pueblo que le da nombre. Siendo mas breve la comedia de Lope, resulta en este sentido mas compleja.

Estas dos obras, consideradas como las mejores comedias de Shakespeare, pertenecen a las llamadas comedias románticas o de amor, con una trama llena de enredos y equívocos que culmina en un final feliz.Estas dos obras, consideradas como las mejores comedias de Shakespeare, pertenecen a las llamadas comedias románticas o de amor, con una trama llena de enredos y equívocos que culmina en un final feliz. EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO se configura como la pieza mas singular y popular. En ella conviven y armonizan el mundo real y el sobrenatural, el deseo y la razon, la cordura y la locura, en una mezcla de tradiciones que Shakespeare reinventa y transforma para crear un mundo de ensueño, infantil y ludico, rico en posibilidades escenicas, que da vida al contraste entre imaginacion y realidad. NOCHE DE REYES supone la despedida de las comedias romanticas, con elementos que perfilan ya la comedia de caracter, en un prodigio de sintesis que auna el mas crudo realismo con la melancolia mas tenue. Su trama contiene los momentos culmenes de las comedias de Shakespeare, la escena mas comica junto a la mas lirica del autor. La traduccion de Angel Luis Pujante mantiene la extraordinaria variedad poetica de las dos piezas: el lenguaje formal y coloquial, lirico y burlesco de la primera junto a la libertad compositiva de la ultima.