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"Un manifiesto escrito en nombre de una generación en alza de escritores y artistas, una manera de "comenzar de nuevo" en el siglo XXI, un ataque frontal a las convenciones genéricas (...) David Shields nos guia en un viaje intelectual cautivador y estimulante"J.M. Coetzee¿La novela ha muerto? ¿Tiene la realidad derechos de autor? ¿El arte es robo? ¿Quien es el dueño de las ideas? ¿Que distingue la ficcion de la no ficcion? ¿La velocidad de la cultura digital ha dejado obsoletos los modos tradicionales de creacion? Explorando estas y otras preguntas, David Shields discute sobre las cuestiones artisticas centrales de nuetro tiempo.

Entre la belleza y lo sublime hay un espacio del que brota lo maravilloso, fenómeno arborescente que despliega sus flores fascinantes en el escenario de nuestra conciencia y forma parte de las corrientes movedizas y diversas de la existencia. Permanecemos expectantes a la espera de acontecimientos que nos conmuevan, que lleguen hasta nosotros como accidentes. Mientras esperamos ese alineamiento extraordinario entre el objeto maravilloso y nuestra disposicion animica, el discurso estetico se erige en espacio natural para la fascinacion. Admirable, irracional, exaltacion del espiritu, esencia o exceso, por su caracter ilusorio ha sido relegado en el pensamiento sistematico a los ambitos perceptivos de la naturaleza y las artes, pero los trasciende. Este libro explora nuestra cultura y traza una historia, no tanto lineal como poietica, de tendencias o modelos de representacion.

La imaginación, libro publicado originalmente en 1996, en el marco de la colección Léxico dellestetica, que dirige Remo Bodei, es una minuciosa y original aproximación a un tema polémico. Ferraris recorre la trayectoria historica de las diversas concepciones de la imaginacion, y tiene buen cuidado de resaltar aquello que para las teorias establecidas tiene la imaginacion de molesto. Ferraris, autor de una gran erudicion, es tambien maestro en la presentacion original y muchas veces deslumbrante de una teoria cuyo tratamiento siempre deja insatisfecho.

Leída las más de las veces desde la estética y, en concreto, desde los aspectos que tanto entusiasmo despertaron en el romanticismo temprano (las categorías de lo bello y lo sublime, la teoría del genio, el papel de la imaginacion en la estetica, etc.), el problema central de la Critica del discernimiento desborda, no obstante, el terreno de la filosofia del arte para constituirse en cuestion capital que afecta a la propia unidad de la filosofia en general: ¿es posible hallar un quicio entre el ambito de la naturaleza abordado en la primera Critica y el ambito de la libertad del que se ocupa la segunda de las Criticas? El problema es tanto mas importante cuanto que va de la mano, a juicio de Kant, de la pregunta clave y fundamental que da sentido a la propia filosofia: ¿Que es el hombre? Esta edicion, realizada por Roberto R. Aramayo y Salvador Mas, revisa y actualiza la terminologia de la obra, comenzando por su propio titulo.

La producción artística muestra el drama humano de una existencia fragmentaria. Presenciamos la tragedia del ser-ahí sobre hilos, retazos y trozos que componen y descomponen la vida en una escena. La plastica habla desde y con el cuerpo, con los gestos o signos de una enunciacion desierta. Cuerpo solo, suspendido a la espera de (ser). La obra-personaje y el espectador son uno mirando(se) a traves de un espejo, del marco que (en)marca la existencia como apertura subjetiva, intransferible e incomunicable. El arte se plantea como un lugar topologico, donde las formas de produccion pueden situarse con cierta primacia en lo simbolico-imaginario, donde la obra (a)palabra. O en lo real-imaginario, donde la obra muestra un cierto (a)travesamiento de la escena y deja caer un resto a modo de carne, o cuerpo, en los confines de lo real. Esa produccion plastica que llamo Goz(a)rte trata de un acto violento que deconstruye al otro. Es la disolucion del sentido, de la comprension; es decir, la caida del significante.

Moretti estudia la condición del genio de modo original y minucioso en el ámbito de la relación existente entre el poeta y el artista con la naturaleza. Surgen aquí las principales preguntas y los problemas mas complejos, pues el genio afirma su condicion subjetiva, su "fuerza", su excepcionalidad y prescinde de las reglas que habitual y clasicamente se aplican a la representacion-imitacion de la naturaleza. El genio sustituye la verdad conceptual de las reglas por el poder creador de la imaginacion y la fantasia, de tal modo que, como dice Kant, es el mismo naturaleza, no un simple interprete. Moretti analiza la historia de esta tension en la Antiguedad y en el Renacimiento, pero son sobre todo sus estudios sobre el dieciocho europeo, el Romanticismo y la Modernidad los que proporcionan mayor actualidad a este libro.

Los ensayos recogidos en el presente volumen reflexionan sobre el valor del arte desde diferentes perspectivas. En primer lugar, se interrogan sobre la existencia de un valor específico del trabajo artistico y las obras de arte. En particular, algunos textos abordan la cuestion central del valor estetico y de su conexion con la interpretacion, la apreciacion y el juicio de las obras de arte. En segundo lugar, ocupa un espacio central del libro el analisis de la relacion entre el estetico y otros valores que apreciamos en las obras de arte, como el valor documental, el historico, el epistemico o el moral. Por ultimo, la literatura, el cine o las artes plasticas son analizados desde el punto de vista del modo particular de dar sentido y articular en cada caso una concepcion valiosa del mundo.

La autora analiza lo grotesco como una forma de ruptura con las convenciones culturales, tanto en la creación ornamental como en la caricatura, el carnaval, la metamorfosis, etc. Sitúa lo grotesco en la tradicion historica del arte y la cultura occidentales y concibe su espacio como marco en el que el juego es factor determinante de su lenguaje. El libro de Frances S. Connelly ofrece un panorama de las creaciones grotescas que, a pesar de su presencia en el curso de nuestra historia, solo recientemente han empezado a interesar a los historiadores.

Ann Banfield analiza la obra de Virginia Woolf en relación con la filosofía de Bertrand Russell y la teoría del arte de Roger Fry, el crítico que abrió las puertas al postimpresionismo y, con él, al modernismo en Londres. Pone de relieve las afinidades existentes y encuentra en la teoria del conocimiento de Russell y en la reflexion de Fry sobre Cezanne y el postimpresionismo el marco en el que Woolf escribe. La mesa que esta ahi, tanto cuando la observamos como cuando no lo hacemos pero, ¿como esta cuando no la percibimos?, ¿esta?, es motivo de Al faro y constante de las naturalezas muertas del pintor frances. V. Woolf crea una narrativa en la que las cosas, las situaciones, el mundo todo, tienen una presencia y una consistencia que no dependen del observador, pero que al observador afectan. Ese es uno de los problemas a los que se enfrento Russell y, en el campo de la pintura, Fry: las impresiones que el pintor marca en la tela necesitan una estructura que las ordene, que las "soporte", al modo en que la necesita la narracion woolfiana.El metodo seguido por Banfield se diferencia del habitual en los estudios filosoficos: las citas y referencias, minuciosas, de los tres autores, Woolf, Russell y Fry, del padre de Virginia, Leslie Stephen que cobra una importancia superior a la habitual en los estudios al uso, configuran una trama en la que se perfila el juego de relaciones, una urdimbre "sostenida" por Bloomsbury y Cambridge. El estilo de Banfield persuade al lector y hace mas compleja una traduccion que Jose Luis Arantegui ha sabido resolver con brillantez.

La estética contemporánea puede considerarse una nueva edición de este pero también un libro nuevo. Perniola ha ampliado y puesto al día todos los capítulos, y ha introducido un extenso capítulo nuevo, "Estetica y cultura", en el que aborda los problemas de la estetica no europea con un analisis riguroso y una informacion precisa y muy desconocida entre nosotros. El libro de Perniola es excelente para todo aquel que desee obtener un conocimiento panoramico de la estetica del siglo xx en sus diversas orientaciones y metodologias. Expone con claridad a los principales autores y los problemas mas relevantes, establece las relaciones existentes entre unos y otros y pone de manifiesto la importancia que la estetica posee para el mundo contemporaneo. Como afirma ya en el inicio de su introduccion, "ningun otro periodo historico ha contemplado una abundancia tal de textos de estetica que gocen de una relevancia semejante". La estetica ha mantenido una relacion de complicidad con la literatura y con la musica, con las innovaciones mas osadas y originales, pero tambien con aspectos que muchas veces se dejaron de lado: el mercado de arte, la gestion y administracion de instituciones museisticas, galerias, acontecimientos expositivos, etc.

Martha C. Nussbaum toma como punto de partida la filosofía de Aristóteles para establecer la pertinencia de la lectura y estudio de las obras literarias al abordar los problemas éticos. Si los textos filosoficos han planteado estas cuestiones en terminos de principios y reglas universales, abstractas, Aristoteles, a diferencia de Platon, concibio estos principios y reglas como "bosquejos" que debian llenarse con un contenido que se encuentra en las experiencias particulares. Experiencias y emociones que relatan las novelas y que la autora estudia en las obras de Henry James y Proust (cuya relacion con Albertine da titulo al libro), Dickens y Beckett, en la relacion entre dos de los miembros mas famosos del Grupo de Bloomsbury, Dora Carrington y Lytton Strachey. El libro termina con el que quiza sea el mas brillante ensayo entre los escritos por la autora: un analisis de la Odisea y, en concreto, de las razones que movieron a Ulises a rechazar la propuesta de la diosa Calipso: un amor eterno, que implicaba la inmortalidad y la felicidad. Ulises, como es sabido, prefiere volver con Penelope y la vida propia de los hombres, prefiere un proyecto de vida humana.No necesitamos solo ejemplos filosoficos (que solo contienen unas pocas caracteristicas que el filosofo ha decidido que son las de mayor relevancia para su argumento); tambien necesitamos novelas sobre la forma de vida global de la gente que realmente cree y vive la vida de la conmensurabilidad; sobre como llegaron ahi y como lidian consigo mismos y con los demas. Necesitamos aceptar esas obras, y otras obras sobre gente que vive y valora de manera diferente, para abordarnos no solo en y a traves del intelecto, sino evocando respuestas no intelectuales que tienen su propia forma de selectividad y de veracidad. Cualquier teoria social que recomiende o emplee una medida cuantitativa del valor sin haber ejercitado antes la imaginacion por este camino me parece completamente irresponsable.

En "El arte minimal. Objeto y sentido" la autora traza un panorama del arte minimal a través de la obra de sus autores más significativos, en relación al contexto del arte de los años sesenta y a la fundamentacion de los valores esteticos modernos. El libro analiza las cuestiones mas debatidas sobre el minimal, como el antiilusionismo, la falta de sentido y de expresividad o su caracter ideologico. Ademas, defiende el caracter significativo y vanguardista del arte minimal desde presupuestos distintos a los del post-estructuralismo.

A pesar de su título, Adiós a la estética es una obra sobre las cuestiones centrales de la estética, la experiencia estética y el juicio de gusto, que intenta abordar desde un punto de vista independiente de la "doctrina estetica" filosofica. Una vez liberado de las pretensiones programaticas de la estetica moderna, el analisis de la relacion estetica sera de utilidad mas alla del ambito artistico, pero tambien mas aca de la generalizacion filosofica, referido a practicas concretas de actividad artistica.

En los últimos años Filosofía del Terror o las paradojas del corazón se ha convertido en un clásico sobre el género del terror en el cine y la literatura. Al análisis y la definición del género, y al comentario de obras literarias y cinematograficas del pasado y contemporaneas, se añade la discusion de paradojas clasicas de la filosofia del arte: la paradoja de la ficcion, o como nos atemorizan y repugnan seres y sucesos ficticios, y la paradoja de la tragedia, o por que disfrutamos del terror en las obras de arte.

La atribución de un valor monetario a un bien, servicio o persona depende de circunstancias, se desarrolla de determinado modo y genera consecuencias que no son asibles desde la noción de precio. Estas dimensiones no advertidas constituyen el foco de atencion de la perspectiva que se presenta en este volumen. La division del trabajo intelectual en determinado momento considero que los economistas se debian encargar de la cuestion del valor y los sociologos prestar atencion a los valores. Este libro pone en entredicho tal division y plantea una comprension de las valuaciones monetarias como procesos ricos y complejos donde se ponen en juego la produccion, alteracion y negociacion de jerarquias sociales, morales y esteticas. A partir de casos empiricos de la historia del arte, la sociologia y la antropologia los autores reconstruyen los dilemas, tensiones y consecuencias a la hora de definir valores monetarios tal como lo experimentan traders, empresarios, agentes inmobiliarios, vendedores ilegales de dinero, prostitutas, apostadores compulsivos, tasadores de obras de arte, militares, jueces y victimas del terrorismo estatal. Estos escenarios ayudan a comprender que toda valuacion monetaria implica resolver tres interrogantes: por que, como y cuanto vale en dinero un servicio, un bien o una persona.

El lugar de la obra de arte, la posibilidad de reconocerla o discernirla, de distinguirla, de asumir su singularidad, de acompañarla hasta donde ella ha llegado o podido llegar, depende del fundamento/filamento desde cuyo regimen y en cuya neblinosa o pristina atmosfera aparezca. En la edad Arcaica esta profundamente enterrada o integrada en el mito, y en la edad Moderna cuesta cada vez mas trabajo separarla de la tecnica.

Este libro es uno de los estudios clásicos sobre aquella «ciudad de genios» de hace un siglo, a la que han convertido en un espléndido paradigma de investigación: la llamada «Viena fin-de-siglo» o «V

Un agudo análisis sobre la cultura, los límites del lenguaje y el arte.«Steiner es el heredero, lúcido y exigente, de la tradición europea que otorga a la literatura y a las artes un espacio céntrico

La peculiar autobiografía del célebre crítico italiano Mario Praz, en la que cada objeto de la colección personal que recogió en su casa, el Palazzo Ricci de Roma, se traduce en un capítulo vital.El apartamento de Mario Praz en el Palazzo Ricci es una de las rarisimas maravillas que se han dado en la Roma moderna. Este libro es la historia de como aquella casa y sus memorables objetos se fueron conformando a su propietario. Tanto es asi que solo a traves de ellos este gran critico, quien siempre amo la luz reflejada en los espejos, ha conseguido contar su vida. Las estancias contienen numerosas piezas de mobiliario neoclasico, Biedermeier, Segundo Imperio y Regencia, y configuran el peculiar museo de Mario Praz.En las paginas de La casa de la vida, pues, el autor nos lleva de habitacion en habitacion con el tono amable de un guia erudito que ha construido su vida a partir de unas obras de arte convertidas ahora en testigos mudos de un tiempo pasado.Reseña: El siglo XIX, ultimo vestigio del paraiso, contara siempre con una vaga secta de adoradores. Uno de los mas brillantes se llamo Mario Praz. Enric Gonzalez, Babelia, El PaisEs uno de los libros memoristicos mas bellos del siglo XX, y al mismo tiempo una historia del gusto en Occidente escrita por el inmortal Mario Praz. (...) Entre los muebles Biedermeier o Segundo Imperio, al lector le es dado recorrer la historia, la grande y la del propio Praz, en este formidable libro de sabor proustiano.El cultural (El Mundo)

Este Diario romano, escrito a dos manos, la del gran historiador del arte y la de su colaboradora, atestigua la primera presentación pública del Atlas Mnemosyne en la conferencia pronunciada por Warburg en la Biblioteca Hertziana, todavia inedita. El gran proyecto del Atlas, que habria de quedar interrumpido por la muerte de Warburg el 26 de octubre de 1929, propone un metodo de analisis que en la actualidad constituye el punto de partida necesario para todo estudio sobre la imagen. Ademas, el Diario refleja el microcosmos cultural y politico en el que trabajaron Aby Warburg y Gertrud Bing en años decisivos tanto para su investigacion como para la cultura italiana. Roma y su mundo es objeto de dialogo entre ambos, de juicios y valoraciones criticas, mezcladas con la cotidianidad de la vida misma, lo que hace de este Diario un texto imprescindible para todo el que desee aproximarse a la fascinante y enigmatica personalidad del fundador de la iconologia, que, lejos del esteticismo imperante entre los historiadores del arte, oriento sus trabajos guiado por la historia de las religiones y la psicologia.