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Este libro ha sido concebido como un manual de consulta completo que integra las nociones necesarias para el estudio y trazado de planos según la normativa más actual. El dibujo técnico es un lengua

Este título aborda en profundidad el conocimiento del patronaje empezando por un estudio detallado de las medidas y la constitución de las personas, la tecnología textil y la terminología de los sastres; dirigido a patronistas, sastres, operarios de moda y estilistas.

El abocetado es el fundamento de todas las búsquedas artísticas visuales, y le aporta una libertad ilimitada para que experimente y explore con su trabajo. Este libro le ayuda a utilizar el abocetado para mejorar y desarrollar su arte mediante consejos, tecnicas y sugerencias aplicables a artistas de cualquier nivel de habilidad en este terreno, desde principiantes ilusionados hasta profesionales avezados. Encontrara metodos para: plasmar los detalles minimos que insuflan vida a un boceto; crear un rico diccionario visual a traves de la observacion y el registro del mundo que lo rodea; utilizar su boceto como base para una obra terminada que completara cuando regrese a su estudio y agudizar sus poderes de observacion y analisis. Mas de 200 ilustraciones, obra de numerosos artistas, exhiben una variada gama de estilos para abocetar

Esta concisa historia del cine, proporciona una perspectiva general y accesible sobre los principales movimientos, directores, estudios y géneros cinematográficos desde 1880 hasta nuestros días. Ademas, las mas de 250 extraordinarias fotogramas y fotografias que acompañan al texto familiarizan al lector con los personajes y las peliculas clave de la industria del cine.

La imaginación sonora se inicia en la aurora del occidente europeo y concluye en la época en que empieza a perder su indiscutible hegemonía en el marco de un mundo nuevo (planetario, global, ecuménico). Desde los origenes de la escritura musical y de la polifonia contrapuntistica, y el final de esta aventura occidental en direccion hacia latitudes ecumenicas, planetarias, globales, con figuras tan enigmaticas como Giacinto Scelsi, este libro traza un arco musical de aproximadamente un milenio: Orlando di Lasso, Palestrina, J. S. Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Wagner, Bruckner, Mahler o Schonberg. ''Al igual que en El canto de las sirenas -afirma Eugenio Trias- la filosofia esta siempre presente en todo el libro. Y en particular lo esta mi propia filosofia, la propuesta filosofica que he ido elaborando durante años. Pero interviene al modo de la orquesta wagneriana: de forma invisible (aunque omnipresente).''La imaginación sonora se inicia en la aurora del occidente europeo y concluye en la época en que empieza a perder su indiscutible hegemonía en el marco de un mundo nuevo (planetario, global, ecuménico). Desde los origenes de la escritura musical y de la polifonia contrapuntistica, y el final de esta aventura occidental en direccion hacia latitudes ecumenicas, planetarias, globales, con figuras tan enigmaticas como Giacinto Scelsi, este libro traza un arco musical de aproximadamente un milenio: Orlando di Lasso, Palestrina, J. S. Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Wagner, Bruckner, Mahler o Schonberg. ''Al igual que en El canto de las sirenas -afirma Eugenio Trias- la filosofia esta siempre presente en todo el libro. Y en particular lo esta mi propia filosofia, la propuesta filosofica que he ido elaborando durante años. Pero interviene al modo de la orquesta wagneriana: de forma invisible (aunque omnipresente).''

EL SUEÑO DE LA VISIÓN PRODUCE CRONOENDOSCOPIAS:TRATAMIENTO Y DIAGNÓSTICO DEL TRAMPANTOJO DIGITALFernando de Felipe / Iván GómezCómodamente instalado en el corazón mismo de la cada vez más confortable caverna digital, el espectador contemporaneo ha acabado aceptando como perfectamente naturales un nuevo tipo de imagenes que, hasta hace bien poco, eran consideradas como practicamente imposibles (cuando no directamente impracticables). Imagenes, aqui definidas como cronoendoscopicas, que en su hiperrealista determinacion vendrian a ampliar hasta limites realmente insospechados las posibilidades esteticas, narrativas y conceptuales del trampantojo en su acepcion mas inmersiva y extrema.Imagenes capaces en definitiva de permitirnos contemplar al hipervisualizable detalle y mas alla de cualquier limitacion espacio-temporal desde el virtualizado vuelo de una mosca hasta la trayectoria de una bala, pasando por el funcionamiento de las sinapsis neuronales, los procesos cancerigenos, la gestacion de la vida humana en vertiginoso plano-secuencia, las experiencias alucinogenas, las percepciones extrasensoriales, las visiones post-mortem, los laberintos de la memoria, los abismos de la locura, el pensamiento robotico, las paradojas cuanticas, la teoria del Big Bang, el evolucionismo argumentado a la carrera, las mutaciones...

Even the smartest among us can feel inept as we fail to figure out which light switch or oven burner to turn on, or whether to push, pull, or slide a door. The fault, argues this ingenious-even liberating-book, lies not in ourselves, but in product design that ignores the needs of users and the principles of cognitive psychology. The problems range from ambiguous and hidden controls to arbitrary relationships between controls and functions, coupled with a lack of feedback or other assistance and unreasonable demands on memorization. The Design of Everyday Things shows that good, usable design is possible. The rules are simple: make things visible, exploit natural relationships that couple function and control, and make intelligent use of constraints. The goal: guide the user effortlessly to the right action on the right control at the right time. In this entertaining and insightful analysis, cognitive scientist Donald A. Norman hails excellence of design as the most important key to regaining the competitive edge in influencing consumer behavior. Now fully expanded and updated, with a new introduction by the author, The Design of Everyday Things is a powerful primer on how-and why-some products satisfy customers while others only frustrate them.

The definitive book on animation, from the Academy Award-winning animator behind Who Framed Roger Rabbit?Animation is one of the hottest areas of filmmaking todayand the master animator who bridges the old generation and the new is Richard Williams. During his fifty years in the business, Williams has been one of the true innovators, winning three Academy Awards and serving as the link between Disney''s golden age of animation by hand and the new computer animation exemplified by Toy Story.Perhaps even more important, though, has been his dedication in passing along his knowledge to a new generation of animators so that they in turn could push the medium in new directions. In this book, based on his sold-out master classes in the United States and across Europe, Williams provides the underlying principles of animation that every animatorfrom beginner to expert, classic animator to computer animation whiz needs. Urging his readers to "invent but be believable," he illustrates his points with hundreds of drawings, distilling the secrets of the masters into a working system in order to create a book that will become the standard work on all forms of animation for professionals, students, and fans.

La pintura china tradicional era fundamentalmente una forma de arte concreto, nunca surgió la pintura abstracta en el sentido estricto. Los objetos concretos en la pintura china no eran una copia simple de la naturaleza siguiendo el principio de la perspectiva, sino una unidad o armonia entre el mundo natural y la mentalidad de los pintores, que era un mundo nuevo de"cielo (la naturaleza) y ser humano". Los pintores chinos preferian realizar una descripcion imprecisa en sus cuadros. Pocas personas prestaron atencion a la tecnica como el color, la perspectiva, la anatomia, la sensacion de cualidad, el tamaño y la proporcion, etc. Los pintores chinos querian crear un mundo inmaterial que podria satisfacer las actividades mentales, los paisajes y las cosas naturales no eran los objetos de imitacion necesaria y fiel, sino los materiales para contruir su propio mundo.

En 1966 Pierre Cabanne asiste al taller de Marcel Duchamp en Neuilly, es la primera vez que el artista más fascinante del arte contemporáneo acepta hablar de sí mismo y explicar sus hechos, sus obras y sus reacciones tan a fondo y con tanta amplitud. «Así que me considero muy afortunado. Nunca me han sucedido desgracias de consideración, ni he pasado ni por penas ni por neurastenias. Tampoco he sabido lo que era el esfuerzo de producir, porque la pintura nunca fue para mí un escape, ni una necesidad imperiosa de expresarme. Nunca he sentido esa clase de necesidad de dibujar a todas horas, continuamente, ni de hacer esbozos, etc.». El libro contiene además un apéndice con los tres prólogos que escribió Cabanne para las ediciones en francés, así como los textos de Robert Motherwell y Salvador Dalí publicados en la edición norteamericana.

Las catedrales góticas, asombrosas hazañas de la construcción y la ingeniería procedentes de un periodo anterior a las estructuras de acero y a las máquinas industriales, siguen resultando, cientos de años despues de su construccion, impresionantes por su escala y grandeza. Centrado en la epoca dorada de la construccion de estos simbolos historicos de la fe cristiana, Como construir una catedral examina uno a uno cada elemento de la estructura, desde la planta hasta la culminacion de la aguja, y explica el proceso de construccion medieval en detalle. Escrito por uno de los mas prestigiosos historiadores de la arquitectura, esta obra ofrece un retrato completo y esclarecedor de la genialidad del arquitecto medieval.Explora y describe la construccion de estas obras maestras, desde la planta hasta el alzado de la aguja.Hermosos grabados, ilustraciones elaboradas ex profeso y paginas desplegables permiten un examen detallado de la construccion de una catedral.Dieciseis paginas a todo color permiten apreciar las tecnicas de construccion medievales, las vidrieras y la mamposteria coloreada.

Este manual técnico de cerámica ofrece un detallado análisis sobre cómo elaborar diseños de cerámica. Este libro expone todos los conocimientos y técnicas necesarios para sacar el máximo partido de los materiales. Sus 320 paginas presentan una gran variedad de tecnicas, explicadas paso a paso con ilustraciones en color que muestran todo el proceso de elaboracion. Encontramos, a modo de ejemplo, materiales, herramientas y procesos, la relacion entre las tecnicas y las caracteristicas, decoracion y tratamientos de la superficie, usos del color, materiales primarios, impresion, dibujos y esbozos, maquetas, dibujo tecnico, fotografia, presentacion de la carpeta de trabajos, promocion, venta y exposicion, entre otros temas. Se trata de uno de los pocos libros en el mercado que aborda el arte de la ceramica con un analisis exhaustivo, claro y visual para superar cualquier dificultad.

El artista, arquitecto, comisario, editor, poeta y urbanista chino Ai Weiwei ha ampliado con su polifacética obra la noción tradicional de arte y se ha convertido en uno de los personajes más significativos del panorama creativo y cultural internacional. En esta serie de entrevistas mantenidas con el comisario Hans Ulrich Obrist a lo largo de varios años, Ai Weiwei desvela el sinfin de influencias que han nutrido su obra y reflexiona sobre las multiples dimensiones con las que se ha configurado su vida artistica, desde la ceramica o los blogs, hasta la naturaleza, la filosofia o su faceta mas conocida como activista politico contra el gobierno de China. Un pequeño volumen de conversaciones extraordinarias que arrojan excepcional luz sobre la complejidad de la obra y el pensamiento de Ai Weiwei y se convierten, al mismo tiempo, en recordatorio crucial de la necesidad de libertad personal, politica y artistica de esta figura clave de la escena artistica contemporanea.

El cine ha desenfocado la realidad de las mujeres, al crear imágenes femeninas estereotípicas en la pantalla y, a la vez, borrar de la historiografía su presencia en el campo de la realización. Este volumen pretende devolverles el enfoque, por un lado, denunciando la representacion filmica de la Mujer Eterna de la sociedad patriarcal, que poco tiene que ver con los sujetos femeninos autenticos y, por el otro, rescatando la obra de cuatro generaciones de realizadoras, desde las primeras sombras que han sido victimas de la amnesia sobre la participacion femenina en los comienzos del septimo arte, hasta las cineastas de la actualidad que han formado CIMA, la Asociacion de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, puesto que, a lo largo de toda la historia del cine, las mujeres han sido siempre excluidas o discriminadas de una industria dominada por los hombres.

Decenas de reportajes sobre temas y formatos diversos que explican cómo y por qué se puede sacar el máximo provecho de las imágenes a través de una cuidada selección y una minuciosa organización. Un análisis de los entresijos de las narraciones visuales con profundas deconstrucciones y esquemas para mostrar cómo funcionan los reportajes fotográficos. Presta especial atención a la evolución de los medios de comunicación digitales y a cómo las nuevas tecnologías cambian la forma en que se construyen y se consumen las narraciones visuales. Después de habernos enseñado a componer y a interpretar grandes fotografías, Michael Freeman continúa con su exitosa colección con este libro en el que explora los métodos más efectivos para presentar fotografías en un formato atractivo. Nos ayuda a dar un paso adelante, para diferenciar las imágenes ordinarias de las fascinantes, así como a los espectadores desinteresados de los apasionados. Con años de experiencia a sus espaldas, el autor estudia la narración fotográfica que ha dado a los fotógrafos nuevas herramientas para construir sus relatos. Después de describir cómo el ritmo, la pauta y la minuciosa organización de las imágenes crean tensión y fomentan el interés, Freeman va más allá y analiza cómo ello nos afecta a la hora de presentar las fotografías, especialmente en los nuevos formatos digitales. Un libro que le enseñará a dar vida a sus imágenes, a refrescar su perspectiva y a entender mejor cómo las fotografías se pueden combinar para contar una historia

Trabajo como una mosca es la forma en la que Giacometti se define a si mismo y a su forma de enfrentarse a su arte. O, mejor dicho y sin hablar de arte, a su lucha por representar simplemente lo que tiene ante si. Hacia finales de los años cincuenta Alberto Giacometti atraveso un periodo critico, que se ha dado en llamar la crisis Yanaihara, crisis en la que llego a cuestionarse el sentido de seguir haciendo arte, dada la imposibilidad de hacer lo que queria hacer: pintar a Yanaihara, el profesor de filosofia japones que por aquel entonces, posaba para el, tal y como era. De 1956 a 1961, Isaku Yanaihara (1918-1989), poso un total de doscientos veintiocho dias para Giacometti y relato, con gran minuciosidad, aquellas sesiones de posado, asi como las horas pasadas al lado del artista. El trabajo de Sachiko Natsube-Dube explica en que consistio esa crisis, y lo hace en la palabras del propio Giacometti dando a conocer un material hasta ahora inaccesible para los lectores de habla no japonesa.

Si bien existen cientos de libros que documentan aquellos años en los que el punk desafió al status quo de la música con su nihilismo de tres acordes y la ética do it yourself, Postpunk. Romper todo y volver empezar de nuevo es el primero en recuperar a aquellas bandas que supieron ver en las condiciones generadas por el punk la oportunidad para establecer una verdadera ruptura con la tradicion y experimentar por fuera de los estrechos parametros del rock. Escrito seis años antes que Retromania, en este libro el critico britanico Simon Reynolds le rinde homenaje a una de las ultimas vanguardias que dio el rock, "mas que un genero musical, un espacio de posibilidades que engendro incontables generos y escenas". En tiempos en los que la creatividad musical se encuentra ahogada por el archivismo y el revivalismo, Postpunk. Romper todo y volver empezar de nuevo recupera la memoria perdida de una epoca en la que el pasado era un canon al que habia que desafiar, y el futuro un horizonte de infinitas posibilidades.

Las distintas facciones del surrealismo sintieron siempre una gran fascinación por los diccionarios y explotaron sus posibilidades poéticas. El más fascinante de todos ellos es el presente volumen, publicado por primera vez en 1938 con ocasion de la Exposicion Internacional del Surrealismo: los poetas Andre Breton y Paul Eluard proponen una suerte de diccionario-collage en el que los terminos proximos al movimiento son definidos con gran humor y agudeza por escritores o artistas plasticos muy diversos.Por sus paginas desfilan las extraordinarias definiciones del propio Breton y de Eluard, pero tambien las de Louis Aragon, Salvador Dali, Man Ray, Max Ernst, Benjamin Peret, Rene Crevel o de mentores mas o menos remotos del movimiento como Lautreamont, Rimbaud, Lenin, Marcel Duchamp o Pablo Picasso, entre otros.

El libro nos aproxima a través de las fotografías de Jean Marie del Moral al universo íntimo de Miró.