Libros de Artes Escénicas, página 7 de 96

Juan Cruz entrevista a una de las mejores actrices del teatro: Nuria Espert. Nueva colección de la S.G.A.E : "Mujeres Creadoras".

A produción de espectáculos escénicos, na súa dimensión práctica, implica a organización e posta en marcha de moi diversas actividades e tarefas, que son responsabilidade de diferentes axentes. Este volume, concibido como unha introducion a realizacion practica de espectaculos de diverso tipo, ofrece unha vision xeral dos principais ambitos e areas de traballo que acompañan os procesos de creacion escenica.

Este segundo volumen de Actores y actuación recoge reflexiones sobre la interpretación actoral a cargo de actores, directores y teóricos nacidos entre 1863 y 1914, es decir, desde Stanislavski a Alec Guinness. Stanislavski fue el primero que sistematizo una serie de tecnicas y recursos actorales aplicados hasta entonces de forma bastante intuitiva; tambien fue el primero que organizo un sistema pedagogico y un entrenamiento fundamentados en ejercicios de aplicacion universal, pues anteriormente a el la transmision de conocimientos se hacia basicamente del actor veterano al actor principiante, y casi siempre a partir de la imitacion del actor veterano. El sistema creado por el director y pedagogo ruso resulto ser tan solido que provoco la aparicion de otros sistemas, algunos de ellos opuestos frontalmente al suyo, dando lugar a una extraordinaria diversidad de tecnicas y escuelas. Entre ellas cabe destacar a Richard Boleslavski, defensor de la reflexion y la introspeccion psicologica perfectamente estructurada en una bateria de ejercicios; a Evgueni Vajtangov, partidario de una escuela y un metodo; o a Bertolt Brecht, enemigo de la identificacion con el personaje. Incluso dentro del mismo pais y la misma epoca se puede comprobar que, tras la exigencia de pensar en lo que se esta haciendo en escena, caracteristica de Lee Strasberg, unas pocas paginas mas adelante nos espera Sanford Meisner, quien exige a sus alumnos dejarse llevar por el primer impulso emocional. Y, por supuesto, tambien descubrimos a partidarios del eclecticismo y de probarlo todo, como Igor Ilinski, el actor de Meyerhold para quien cualquier metodo es bueno con tal de que ayude al actor a encontrar a su personaje y a sentirse a gusto en el.

Después de Giselle ofrece una visión apasionada y al mismo tiempo cuidadosamente reflexiva sobre el arte y la estética del ballet. En el punto de inflexión: la cima de la expresión del ballet clásico y romantico por excelencia: Giselle, tomado aqui como referencia para analizar lo que sera el devenir de la danza en los proximos años. George Balanchine, William Forsythe, Pina Bausch, Alicia Alonso, son algunas de las grandes figuras abordadas a traves de criticas, ensayos y entrevistas. Pero tambien buena parte de la contemporaneidad mas acuciante: Tamara Rojo, Lucia Lacarra, Carlos Acosta, entre muchos otros.

Recopilacion de las obras representadas y de los trabajos de escritores, escenógrafos, directores, figurinistas etc, realizados por la compañia Nacional de Teatro Clásico en los últimos 20 años.

Esto no es una historia del circo, esto son historias del circo y de los circos de Madrid, impresiones, anotaciones, recuerdos del «mayor espectáculo del mundo», alegres unos y un poco amargos otros; sublimes y, a veces, míseros; misteriosos o prosaicos, pero siempre sugestivos. Tiene, el circo, un nombre sagrado en la historia de Madrid que es el del caballista inglés Thomas Price cuyos sucesores, William Parish y Matilde de Fassi, convirtieron el espectáculo en gran protagonista de la vida social y cultural madrileña. Price es, quién lo duda, tan madrileño, por lo menos, como el chotis. Pero hubo aquí, asimismo, otros circos, teatros y salones que ofrecieron acrobacias, taumaturgias y humoradas, dignos de figurar en la leyenda del circo. A este libro le gustaría ser, como el circo, una función variada, con números largos y cortos, visual y colorista, para ver con los ojos de la cara y con los de la imaginación, con descansos, con anuncios de grandes letras luminosas, con sonrisas y con muecas de pavor. Por él circulan magos y faquires, espías, fieras aterradoras, incendios y naufragios, payasos excéntricos y acrobacias inverosímiles. Aquí están los mismos personajes que atrajeron a los más grandes artistas de la época, a Degas, a Seurat, a Toulouse Lautrec, a Gutiérrez Solana, a Vázquez Díaz y, sobre todo, a Picasso. Pero también a Edmundo de Goncourt, a Benavente, a Rusiñol y al imprescindible Ramón Gómez de la Serna. No se ha pretendido hacer ni un tratado del circo, ni una historia de tipo académico, hemos preferido sacrificar la exhaustividad a la variedad, y, sin renunciar al rigor, entregarnos de lleno al sagrado principio del entretenimiento circense: la amenidad.

Elaborado por destacados especialistas dedicados á docencia e á investigación ou que se ocupan directamente da creación escenica, cada un dos textos presenta enfoques posibles tanto para o traballo do actor e da actriz como para a necesaria reflexion sobre esa praxe, mostrando multiples vieiros cheos de posibilidades. Nas suas paxinas agroman teorias e propostas dos grandes mestres da interpretacion, pero tamen achegas mais recentes, o que permite ofrecer unha sorte de estado da cuestion no inicio deste novo milenio. Phillip B. Zarrilli, coordinador e editor do volume, e un destacado actor e director de escena especialmente preocupado en tender pontes entre a escena occidental e as tradicions orientais. Como investigador e autor de numerosos ensaios e imparte docencia na Universidade de Exeter.

Ordóñez desenmascara clichés e imposturas y apuesta por un teatro que irradie energía e invente a su público.«Telón de fondo es el libro que yo quisiera haber escrito» (Núria Espert).«Marcos Ordóñez

Publicación dirigida y diseñada por Diego Hurtado de Mendoza, que pretende abrir una ventana hacia el interior de la Compañía Nacional de Danza, y ofrecer un punto de vista inédito del trabajo de la formacion durante estos ultimos veinte años bajo la direccion de Nacho Duato. Edicion bilingue, español-ingles.

Cuerpos en escena se adentra en distintas formas de expresión que se materializan a través del lenguaje del cuerpo. La intención de todo artista es trascender, más allá de la forma plástica o de una técnica u otra, trasmitiendo aquello que mueve, conmueve y estimula el imaginario del espectador. Desde ahí se configura una temática común, que se refiere al estudio del lenguaje escénico cuyo soporte es el cuerpo. Para poder dar forma visible a sus vivencias, el actor se vale de ciertas herramientas que le permiten afrontar el lenguaje corporal a partir de su propia identidad. Cuerpos en escena no trata el cuerpo como instrumento, sino que analiza las herramientas con las que el actor corporal puede dar forma y contenido a sus movimientos. La Interpretación en el Teatro del Gesto; la Expresión Corporal; el Mimo y la Pantomima; la Comedia del Arte; la Danza; la Esgrima; la Acrobacia y el Clown son algunos de los ámbitos abordados en este trabajo. El camino es delicado para no caer en lo excesivamente técnico, ni en lo excesivamente espontáneo y superficial. Encontrar el justo equilibrio entre la práctica y la teoría, conocer distintos aspectos creativos desde donde surge el lenguaje corporal y a los que puede conducir marcan los objetivos de este volumen.. SOL GARRE ha trabajado como actriz y directora de teatro. Actualmente es profesora titular de Interpretación Gestual en la RESAD de Madrid. Especializada en el teatro físico contemporáneo, el entrenamiento psicofísico del actor y las técnicas de imaginación de Michael Chéjov, imparte cursos y talleres sobre esta metodología en España y el Reino Unido.. ITZIAR PASCUAL es dramaturga, pedagoga y periodista. Ha publicado los estudios ¿Un escenario de mujeres invisibles? El caso de las Marías Guerreras, Premio Victoria Kent de la Universidad de Málaga y Suzanne Lebeau. Las huellas de la esperanza. Ha realizado la edición de Teatro español para la infancia y la juventud (1800-1936).

¿Qué es el teatro?, ¿qué es el cine?, ¿cómo significan y de qué forma aportan sentido a ese vasto territorio de prácticas sociales que denominamos artes escénicas? Este libro pretende ayudar al lector a reflexionar sobre el teatro y el cine a traves de sus componentes, sus estructuras, sus puntos de encuentro y sus principales perspectivas metodologicas. Hemos abordado tambien la evolucion de las teorias dramaticas y cinematograficas o los distintos generos. Con este planteamiento hemos querido conjugar el aspecto sincronico con el diacronico, el panorama historico y el estetico. Deseamos que este libro sea una guia de lecturas planteadas como un dialogo a varias voces entre las diferentes conceptualizaciones acerca de la dramaturgia y la produccion escenica, desde la escritura del texto dramatico hasta la escenificacion y las mas diversas practicas escenicas.

El fil conductor d’aquest llibre és l’activitat del Taller de Teatre es Garrover, instrument per a retornar la paraula a la persona qualificada de boja, i a tots els qui formen part del seu context m

Il nome di Nijinsky evoca tutta la leggenda dei Balletti Russi, quella apparizione bruciante e fugace che avrebbe segnato una svolta nel gusto e l''irruzione del moderno nell''arte della danza. Ma Nijinsky fu anche un singolare destino, che ci parla soprattutto dalle pagine di un libro: i suoi travagliati "Diari". Quando Diaghilev lo lancio, nel 1909, Nijinsky era un giovane allievo della scuola di danza di Pietroburgo. In breve tempo sarebbe diventato uno degli esseri piu osannati e idolatrati d''Europa. Ma l''equilibrio del ballerino era fragile: su di lui incombeva la follia, che lo avrebbe presto travolto. E proprio sulla soglia della follia Nijinsky scrisse, nei primi mesi del 1919, questo febbrile diario.