Avant-garde artist Yayoi Kusama's matchless creativity and originality have been captivating the world since she moved from Matsumoto, her hometown in Nagano, Japan, to the USA in 1958. In the last ten years alone, her retrospective exhibitions in four major European and American museums, including Tate Modern, London, and the Whitney Museum of American Art, New York, have seen record attendance. Kusama has continuously innovated and re-invented her style.Well-known for her repeating dot patterns, her art encompasses an astonishing variety of media, including painting, drawing, sculpture, film, performance and immersive installation. It ranges from works on paper featuring intense semi-abstract imagery, to soft sculpture known as 'Accumulations', to her 'Infinity Net' paintings, made up of carefully repeated arcs of paint built up into large patterns. This comprehensive publication, originally published to accompany a sell-out exhibition at Matsumoto City Museum of Art, offers a comprehensive overview of Kusama's entire career, including works from her youth, when she indulged in drawing in order to escape from her hallucinations; paintings made when she was based in New York, including 'Infinity Nets' and 'Polka Dots works from the1980s and 1990s, when she participated in the Venice Biennale; and last but not least, the ongoing large-scale series 'My Eternal Soul'.The plates are in chronological order and followed by detailed captions.

En Worpswede, una pequeña localidad de la Baja Sajonia, comenzaron a establecerse a finales del siglo xix diversos pintores que llegaron a constituir una auténtica colonia de artistas, amparados por la armonía de su paisaje y el austero discurrir de sus días. Acuciado económicamente y deseoso de asentarse junto a su esposa y su hija recién nacida, Rilke llega a Worpswede en el otoño de 1900 para realizar el encargo de escribir una monografía sobre la colonia y sus integrantes. En un género ensayístico al que dota de una belleza rara y subyugante, traza Rilke un retrato —más lírico que analítico— de quienes considera el núcleo esencial del grupo pictórico (Fritz Mackensen, Otto Mondersohn, Fritz Overbeck, Hans am Ende y Heinrich Vogeler), tras una introducción, magistral y genuinamente rilkeana, donde busca profundizar en la esencia del paisaje en su vinculación con la pintura: Rilke «evita juzgar» y, enfrentado a la tarea de «escribir la historia del paisaje», se encuentra «abandonado a merced de lo extraño, lo distinto, lo inconcebible», pues el paisaje «no tiene figura […', no expresa una voluntad cuando se mueve», y, ante la naturaleza, «por muy misteriosa que sea la muerte, más misteriosa aún es una vida que no es nuestra vida, que no se interesa por nosotros y, en cierto modo sin vernos, celebra sus fiestas, a las que asistimos con un cierto apuro, como invitados que llegan por casualidad y que hablan otro idioma». Ilustrada con una veintena de muestras pictóricas de los protagonistas, esta obra se presenta al lector por vez primera traducida al español.

Walter Pater, contrairement à la légèreté et à la frivolité que la critique superficielle avait vues dans les tableaux de Watteau, découvre leur profonde mélancolie, leur gravité tragique et très dél

Pintor genial, de vida trágica y violenta, Caravaggio creó una obra revolucionaria para su tiempo que transtornó para siempre los parámetros formales de la pintura y el gusto artístico.

Watercolour was the preferred medium for many 19th-century artists. Lending itself to effects of rich colour and tone, as well as literal realism, watercolour painting encapsulated the principal qualities of Victorian taste. This book acts as an introduction to Victorian watercolours.

Victorian Painting presents a rich panorama of one of the most fertile and exuberant periods in the history of art. It embraces not only the UK but also the English-speaking countries linked to England by cultural ties of empire and emigration, such as the USA, Canada, Australia, New Zealand and South Africa. Long out of fashion, Victorian painting is now wholeheartedly enjoyed in its own right. Unfettered by old prejudices, Lionel Lambourne presents a vivid overview of an age of unparalleled energy and creativity. Divided by themes into twenty-two chapters and written with a light touch, full of illuminating anecdotes and with 600 colour illustrations, Victorian Painting is beautiful, entertaining and informative. It is also a valuable reference work, for in addition to many famous and well-loved images, it presents a wealth of fine work by lesser-known artists, demonstrating the sheer range and depth of talent that the age produced.

Paolo Caliari (1528-1588), originaire de Vérone, mais dont la carrière se déroule pour l'essentiel à Venise, est un artiste immensément doué. Ses contemporains savent qu'il est le meilleur d'entre eux par sa facilité, son bonheur d'invention et de coloris, sa façon de faire entrer dans sa composition autant d'imagination que d'observation. C'est avec ces yeux-là qu'il faut regarder Véronèse, depuis ses premières peintures maniéristes, ses décors pour la Villa Maser, ses mythologies et ses allégories, ses portraits intimes ou officiels, jusqu'à ses grandes « machines » que sont les Cènes - et la plus connue de toutes, Les Noces de Cana. Toute son œuvre porte la marque de cette inventivité qui lui permet d'exalter la dimension terrestre de la vie avec une peinture au caractère intimement profane, même quand elle illustre un texte sacré.

España vivió, durante el siglo XVII, una de las campañas de propaganda más espectaculares que Occidente había presenciado. En pocas décadas la doctrina de la Inmaculada Concepción de María, que no fue sancionada por la Santa Sede hasta 1854, se convirtio en la devocion mas querida por los habitantes de la Peninsula Iberica. Tras un primer estallido del concepcionismo en Sevilla, en 1616, Felipe III creo la Real Junta de la Inmaculada Concepcion y posiciono a los Habsburgo al frente de la defensa de la pureza de la Virgen. A partir de ese momento, la Corona organizo sucesivas misiones diplomaticas para que los papas definieran la creencia como dogma, algo que no consiguio. Sin embargo, lo mas sorprendente es que, durante el proceso, esta doctrina abstracta sedujo a toda la sociedad española. Ver es creer analiza la socializacion de la creencia en la Inmaculada Concepcion de la Virgen en la España del Siglo de Oro no desde la perspectiva de la historia politica, sino como un fenomeno de popularizacion de una devocion a traves de medios visuales y performativos. Con este objetivo, investiga las estrategias que siguieron las artes, la literatura y la cultura festiva para transformar una doctrina abstracta en un simbolo capaz de despertar los afectos de toda la sociedad peninsular

Entre las disciplinas que con mayor frecuencia y con mejores frutos se han utilizado para acercarse a las obras de arte figuran la poesía y la filosofía, y ambas se fundes en este ensayo de Luis Peñalver que busca adentrarse en el sentido ultimo y mas intimo de los bodegones de Sanchez Cotan

Canaletto, Bellotto, Guardi, Marieschi, Carlevarijs: el siglo XVIII confió a los vedutistas venecianos su imagen más directa e intensa. La "vista" se desarrolla sobre todo en Venecia, hasta convertirse durante todo el siglo XVIII en un fenómeno único en la pintura y el mercado artístico de Europa. Solicitados por los coleccionistas, contratados por intermediarios ilustres, enviados a las capitales, situados en el centro del debate artístico y cultural, los maestros vedutistas supieron encontrar un fascinante equilibrio entre la objetividad "ilustrada" y el estro creativo, sobre el fondo maravilloso y conmovedor de una Serenísima en su ocaso.

Il primo fondamentale testo della storia dellarte italiana.Introduzione di Maurizio MariniEdizione integraleLe vite del Vasari sono la prima storia critica dellarte italiana e rimangono ancora oggi un testo di fondamentale importanza, esemplare per loggettivita e lonesta dei giudizi e per la chiarezza espositiva. Pubblicate dapprima nel 1550, sono frutto di un lavoro di paziente ricerca durato almeno dieci anni. Il Vasari aveva infatti iniziato a raccogliere materiali, appunti e notizie riguardanti la vita e lattivita degli artisti italiani gia nel 1540, quando aveva trentanni. Iniziando da Cimabue, il Vasari racconta, analizza, commenta la vita e lopera degli artisti vissuti nellarco di tre secoli, per giungere fino ai suoi contemporanei, senza tralasciare nessuno: dai piu celebri, come Raffaello e Michelangelo, a quelli che solo pochi conoscono.

En su palacete parisino de la avenida de Iéna, 51, el mecenas y coleccionista Calouste Gulbenkian protagoniza un encuentro entre tinieblas con el artista plástico que conduce la acción de este relato: ensoñaciones y recuerdos de sus obras más queridas y cómo llegaron a formar parte de su colección (base de la fundación lisboeta del mismo nombre), de Fantin-Latour, Rubens, Rembrandt, Cranach o Velázquez, donde la vanitas clásica, esa conciencia de la inutilidad de los placeres mundanos y la futilidad de la vida, nos lleva a un lado y otro de la frontera entre la fantasía y la realidad, la creación artística y la pasión del coleccionismo. Además de la reproducción de las obras que son objeto de este diálogo, la reflexión de Almeida Faria se complementa con el tríptico Vanitas, que la pintora portuguesa Paula Rego creó especialmente para esta obra.

Exposición celebrada en la Sala de Temporales de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en la calle Alcalá, entre el 15 de diciembre de este año y el 30 de enero del año 2005. Con esta exposición se ha querido la mostrar la riqueza y variedad de las mejores obras de platería realizadas en la Comunidad de Madrid durante los siglos XVI, XVII, XVIII y XIX. La intención de esta muestra ha tenido un doble carácter: - Por una parte, enseñar a los ciudadanos un conjunto de obras de un valor muy relevante desde el punto de vista histórico, por su contribución a la historia de las instituciones que las encargaron o que en la actualidad las custodian; y también desde el punto de vista artístico, porque se han convertido en auténticas obras de arte por su elaboración, estilo y riqueza ornamental. - Por otra parte, explicar lo que estas obras significaron en su momento desde el punto de vista cultural y lo que significan ahora como parte del patrimonio histórico de la propia Comunidad de Madrid. La exposición se ha presentado bajo el título de "valor y lucimiento" que es el lema que figura en los diplomas que acreditaban a los prestigiosos maestros plateros. "Valor" por la riqueza económica, especialmente notable en esas épocas, del material con el que se fabricaban las piezas: la plata y el oro. "Lucimiento" por la maestría, técnica y arte con la que se realizaba el trabajo de los plateros, más valorado entonces, en muchas ocasiones, que el de los pintores, escultores o tallistas.