Libros de Teoría y crítica de arte, página 15 de 166

El tiempo y la edad del ojo es una publicación bilingüe árabe-español que recoge catorce ensayos, provenientes de dos obras distintas, que giran en torno al valor del cuerpo, de los rostros y de sus

Este libro se mueve entre dos planos. En el primero, una historia de la representación del artista en el paisaje. Cuatrocientos años de pintura occidental —contemplados a través de la obra de Brueghe

“Las imágenes votivas son orgánicas, vulgares y desagradables de contemplar, pero también abundantes y difusas. Atraviesan el tiempo. Las comparten civilizaciones muy diferentes entre sí. Ignoran la

Georges Braque publicó en diciembre de 1917 unas notas sobre su pintura en la revista de vanguardia “Nord-Sud”, propiciada por el poeta Pierre Reverdy. En ellas pretendía mostrar «la orientación de u

Revista de la Sociedad Española de Emblemática, editada por la Universitat de València, con periodicidad anual. Presenta un espacio editorial de ámbito internacional como exponente del estudio de la

Borrar los límites. Tal podría ser, resumida en un solo gesto, la tarea a la que Allan Kaprow se consagró durante su vida artística. No sólo borrar las fronteras entre el objeto, la instalación y el performance para crear happenings, sino desdibujar esa frontera tan persistente en la historia del arte que lo separa de la vida. Reacio a las distinciones tajantes, en particular si afectan el flujo entre disciplinas artisticas, Kaprow procuro vincular el legado de Jackson Pollock con las enseñanzas poco convencionales de John Cage y el movimiento Fluxus, a fin de mirar de manera estetica todo lo que no se considera "artistico".

Diez artistas de diversas disciplinas (arquitectura, escultura, pintura, etc.), nos ofrecen diez miradas en forma de cartas, que son, a su vez, diez aproximaciones asus trayectorias como creadores. Un abanico de testimonios en lenguajes distintos (palabra, imagen,dibujo), dirigidos a jovenes artistas, que, desde un tono informal y en primera persona, quieren servir de estimulo para futuras generaciones.

Este es un libro central en el debate sobre el arte contemporáneo. Y su autora una de las más destacadas especialistas a nivel internacional. Traducida por primera vez al castellano, su obra retoma a sociologos como Pierre Bourdie, pero tambien a ensayistas como Walter Benjamin y T.W. Adorno, e incluso al propio Marx, para desembocar en un formidable analisis de la relacion entre creacion artistica, valor economico y reconocimiento publico.¿Como opera el mercado sobre los artistas?¿En que momento se convirtio en arbitro del juicio estetico?¿Son la celebridad y el marketing el horizonte final del arte contemporaneo?¿Se han vuelto los artistas estrategas en comunicacion?¿Por que una obra de arte vale un precio y no otro? Graw responde a estas preguntas en un tono que nunca se acerca a la denuncia o a la queja, sino al analisis riguroso y profundo de las condiciones de produccion y circulacion en el mundo del arte actual.

Este libro, Entre el suelo y el cielo, trata de mostrar lo que han significado a lo largo de mi vida el descubrimiento, cultivo y disfrute de mis aficiones más queridas: la artística y la literaria. Mas bien dos pasiones que me han acompañado siempre, proporcionandome momentos estimulantes y placenteros que me han ayudado a superar otros mas dificiles, baches que inexorablemente aparecen a lo largo del camino, y ha supuesto un acicate, por la ilusion y el entusiasmo que me ha generado tener entre manos proyectos creativos en que ocupar mi tiempo. A la vez que relato experiencias pasadas e indago sobre los antecedentes de estas inclinaciones innatas, ilustro toda la trayectoria con fotografias de mis creaciones antiguas y recientes: dibujos, poesias, relatos asi como una amplia coleccion de piezas de arte textil (patchwork). Quiero mostrar lo facil que resulta seguir estos sentimientos cuando son tan fuertes, y como, aunque sea de forma elemental y autodidacta, se puede llevar a cabo lo que la imaginacion sugiere y dar unos frutos beneficiosos para toda tu persona, tanto fisica como mentalmente. Quisiera que mi experiencia y mis logros, aunque discretos, pudieran servir al lector para sugerirle un habito tan saludable y constructivo para ocupar su tiempo libre: solo tiene que escuchar la voz interior, dejarse arrastrar por esa necesidad espiritual, dejar que fluya la sensibilidad y echar mano de la voluntad, poniendose manos a la obra.

¿Debemos acostarnos con un artista cuya obra repudiamos? ¿Cómo inflar un currículum sin necesidad de postular exposiciones imaginarias? ¿Cómo escapar de una videoinstalación eterna cuando el artista se encuentra presente? Todas estas preguntas se responden con lujo de detalle en este libro, la guia esencial para los interesados en jugar el juego del mundo del arte. A partir de la mas actualizada y completa informacion -recabada de primera mano de las grandes personalidades que hoy dominan la escena internacional-, el artista, critico, curador o simple observador dispuestos a sobresalir personalmente en este dificil y competido medio, cuentan finalmente con un manual que iluminara su camino y los acompañara paso a paso hasta la celebridad, todo ello sin que en el intento se vean en la penosa circunstancia de romper las reglas basicas de la decencia y el ascenso social estrategico, fundamentalmente para triunfar.

Presentamos en este volumen dos estudios inéditos en castellano de E.H. Gombrich en los que retoma algunas de las cuestiones abordadas en su obra "Arte e ilusión". Retomando algunas de las temática

Hablar de José Andrés Santiago Iglesias es hablar de Japón, es hablar del Zen contemporáneo a modo de haikú, es reflexionar sobre lo obvio y lo obtuso; en definitiva es hablar de una singular actualizacion de imagenes que acarician la idea de un sistema simbolico inaudito. Un singular sistema de relaciones que enriquece las series perfeccionando las partes del todo. Su obra habla de esas riquezas del lenguaje articulado, con los que constituye de forma vertical las preguntas; es ese orden falso el que permite su evolucion.

Un recorrido didáctico y profusamente ilustrado a través de una selección de la colección Ella Fontanals-Cisneros sobre el arte abstracto en Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, México, Uruguay y Venezuela. Comprende la mas extensa y reconocida coleccion de fotografia vinculada a la abstraccion. Tiene una serie de esquemas conceptuales, cronologias, ensayos y una cuidada seleccion de documentos historicos que contextualizan y explican el trasfondo y sentido de esta corriente artistica.En Pulsos de la Abstraccion en Latinoamerica encontramos algunas de las experiencias e investigaciones mas sugerentes de toda la historia del arte.

De manera sencilla y atractiva, a través de la narración acerca de las experiencias de un grupo de amigos que inician la Universidad, nos introduce la autora, doctora en Filosofía, en una materia que trasciende lo puramente intelectual para imbuirnos de lleno en dos campos que domina de pleno: el arte y su concepcion filosofica. El arte no solo es arte, sino que es vida, es todo y nada. Y su ciencia, la estetica, pretende provocar en nosotros un desocultamiento de lo que la obra de arte encierra y abre en si misma, es el camino que nos permite acceder al secreto mas recondito de la verdad, del conocimiento del ser y de la nada.

En este primer estudio exhaustivo sobre el proceso creativo de Martínez Celaya, Mary Rakow y Matthew Biro iluminan aspectos anteriormente no atendidos de su práctica del artista, incluyendo su tendencia a destruir su propia obra, sus materiales, sus influencias literarias, y los cambios que marcaron momentos clave en su carrera. Enrique Martínez Celaya es uno de los artistas más interesantes y reconodidos de Estados Unidos de los últimos años. Formado como artista y físico, su práctica abarca pintura, escultura, fotografía y escritura. Sus proyectos suelen tomar forma de entornos multidisciplinares que sostienen imágenes con la inmediatez de la experiencia material, y sus ideas, así como su enfoque, estan influenciadas por fuentes que van desde la poesía nórdica a la física cuántica. Su temprana formación como científico y su interés por la filosofía se hacen evidentes en su trabajo con múltiples lecturas: cerebral, directamente emocional y profundamente ligado a la vida. Este libro recoge tanto fotografías nuevas, como imágenes de archivo, y una serie de obras inéditas. También se incluye una entrevista de Mary Rakow con el artista que revela su práctica única, así como una cronología biográfica, una bibliografía y un historial de sus exposiciones.

Los juguetes de construcción han tenido una estrecha relación con la historia de la arquitectura moderna. Y este libro muestra en imágenes, precisamente, el cruce de ambas historias, la de los juguetes y la de diferentes episodios de la arquitectura desde el siglo XIX. La difusión de estos juguetes, simultánea a las creaciones de vanguardia, divulgó la nueva arquitectura, convirtiéndola en sueño y aspiración de niños y adolescentes, lo que produjo una educación arquitectónica en sucesivas generaciones de los arquitectos modernos que ha sido poco valorada. Esta historia, expuesta primero de forma analítica y después en un catálogo cronológico que agrupa las principales cajas de construcciones por los materiales de fabricación, se ordena a través de los tres conceptos con los que Vitruvio definió la arquitectura: «firmitas», «utilitas» y «venustas», resumiendo así la teoría arquitectónica que contienen estos juegos. El escultor y doctor arquitecto Juan Bordes es profesor en la Escuela de Arquitectura de Madrid y miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En esta editorial ha publicado «La infancia de las vanguardias» (2007), así como «Las teorías artísticas de la figura humana» (2003).

El arte en el tiempo crítico de la globalización ha encontrado su refugio dorado en las bienales y las ferias de arte, que convierten la experiencia estética en una entrega absoluta a la espectacularizacion. Desde el reality-show a la violencia expandida mediaticamente se impone un imaginario cruel y, al mismo tiempo, banal que deriva en tendencias artisticas como la estetica relacional, las letanias del conceptualismo institucional o la obsesion por el archivo. En un mundo delirante proliferan actitudes delirantes y da la impresion de que los freaks toman el mando de las operaciones en un carnaval ininterrumpido y, finalmente, tedioso.Contra el Bienalismo traza una serie de aproximaciones a la cultura contemporanea abordando cuestiones como el pretendido antifetichismo de ciertas obras artisticas, las contaminaciones con lo arquitectonico, la dimension humoristica o parodica de ciertos planteamientos esteticos o la obsesion escatologica. Este mapa fragmentario ofrece posicionamientos criticos para pensar los regimenes de visualidad hibrida actual.

La siesta del fauno presenta una selección de los más de doscientos dibujos realizados por el artista español Francisco Bores (Madrid, 1898-París, 1972) para una edición del célebre poema de Stéphane Mallarme LApres-midi dun faune, programada por E. Teriade en 1943 como una de las primeras entregas de las editions de luxe de Verve, el sello editorial que creo y en el que se produjeron algunos de los libros de artista mas extraordinarios del siglo XX. El trabajo para aquella edicion del poema de Mallarme quedo en un estado muy avanzado de realizacion pero no llego a completarse. Los dibujos preparatorios del inconcluso libro de litografias se dan a conocer ahora por primera vez y revelan una maestria cautivadora en la interpretacion de un tema que hace excepcion en su obra. Este libro, publicado con motivo de la exposicion de tan valiosa obra inedita, se presenta a los lectores como restauracion imaginaria del poema de Mallarme ilustrado por Bores. A esta recreacion impresa de un libro que no llego a existir, en la que los dibujos de Bores encuentran su expresion mas propia es decir, junto a los versos de Mallarme y en una secuencia completa acompaña en este volumen una traduccion del poema al castellano realizada para la ocasion por Antonio y Amelia Gamoneda, asi como un estudio del profesor y critico de arte Javier Arnaldo sobre este proyecto de edicion de Teriade y sobre los dibujos de la serie.

En tono didáctico unas veces, crítico otras y nostálgico en ocasiones, Eduardo, a través de estos artículos, nos acompaña en un largo paseo por el tiempo, nos da las pautas de lo que puede ser el verdadero arte, nos habla del arte actual, nos desvela los entresijos de todo lo que lo rodea y nos acerca a su propia intimidad hablandonos de sus recuerdos entre algunos de los artistas mas relevantes.

Esta publicación presenta un retrato de Ferreira Gullar, un crítico de arte, ensayista político, dramaturgo y poeta que ha sido una figura clave y polémica en la escena cultural brasileña de los últimos 60 años. Esta publicacion recoge las conversaciones llevadas a cabo entre Gullar y el historiador de arte Ariel Jimenez