Libros de Teoría y crítica de arte, página 3 de 164

Vulnerario es un libro nacido del malestar en el que suautor despliega una reflexión acerca del hechoartístico al chocar contra la realidad y sus límites,desarrollando así una teoría de la acción y la paralisisen la vida y en el arte. En este libro desvela, ademas,un metodo de creacion personal, a partir delintercambio constante con los que llama contrastantes,reflejo del contexto artistico en el que se mueve.Vulnerario reune anotaciones sobre la propia escritura, apuntes autobiograficos,conversaciones y casos (tras los que esconde a los demas y a si mismo), lecturas yreferencias (Ferlosio, Rousseau, Tsvietaieva, Barthes, Natalia Ginzburg, Foucault,Oteiza, Hitchcock, Godard, Murnau, Pasolini), metodologia de trabajo (esa red externade otredades que le permite sintetizar lo que piensa o desea), procesos tecnicos de losacontecimientos artisticos y textos criticos (y auto-criticos). Con el analisis del lenguajecomo herramienta, el autor explora los limites entre lo escrito, lo dicho y la imagen:Cuando consigues que se produzca algo que podemos llamar arte es porque seconvierte en lenguaje, aunque siempre como consecuencia de su fractura.A modo de juego de muñecas rusas, este libro encierra varios libros en una sucesion dereacciones y respuestas, y, aunque deja entrever el origen de un dolor, no le da un lugarprivilegiado, porque durante su escritura al artista-escritor le fue interesando mas elremedio que la dolencia. Al igual que en su practica artistica, Jon Mikel Euba asigna allector un papel activo, presentandole escenas o incidentes aparentemente ajenos eintrascendentes que convierten lo cotidiano en un elemento de suspense y, sobre todo,de analisis.

Teoría del arte plantea un ajuste conceptual de las categorías de análisis y una nueva delimitación de los aspectos y manifestaciones que configuran en la actualidad la escena artística. Se trata de buscar una correspondencia en el plano teorico con lo que el arte es en nuestro tiempo, en lugar de seguir recurriendo a ideas y formulaciones que remiten al pasado, a un horizonte de la representacion hace ya mucho tiempo definitivamente superado en nuestra cultura, en esta era de la imagen global.El libro esta concebido para servir como texto de apoyo para la docencia e investigacion en Teoria del arte. Pero esta igualmente pensado como un texto de lectura amena y sugestiva, apoyado en ejemplos e imagenes concretos, que permita a las personas interesadas en comprender y disfrutar el arte de nuestro tiempo realizar una especie de viaje a ese universo, que a la vez atrae y desconcierta. Se trata de dar respuesta -o, mejor aun, de fijar los terminos para que cada uno pueda darla por si mismo- a cuestiones tan habituales hoy como: pero ¿esto es "Arte"?, ¿por que se considera esto "Arte"?, ¿quien lo determina asi?.

Para dar cabida a las exposiciones y a las curadoras que han cambiado el devenir de la práctica artística, desde su investigación y su producción hasta su recepción, hacía falta un segundo volumen. Curaduria de Latinoamerica es el resultado de varios años

Según la Biblia hebrea, Lilith fue la primera mujer que Dios quiso darle como compañera a Adán, y la hizo, a semejanza de él, del polvo de la tierra. Y Lilith, viéndose su igual, se rebeló un día ante sus constantes exigencias y lo abandono. Huyo a los espacios y tuvo amores con diversos demonios: fue la primera mujer liberada de la historia de la humanidad. Fue la primera "femme fatale".El proposito de este libro es averiguar las causas por las que en el ultimo tercio del siglo XIX surgieron del pincel de tantos artistas no solo desagradables, sino infames, imagenes femeninas. ¿Cuales fueron las razones del surgimiento de aquel relato visual que complacia a los hombres y desagradaba a las mujeres? Evidentemente habia un origen en toda esta iconografia. El principal fue el nuevo despertar de la conciencia en la mujer de su papel secundario en el mundo y, como consecuencia, su protesta formalizada en los primeros y categoricos movimientos de las sufragistas. La sociedad patriarcal observaba alarmada que le surgia una inesperada competidora, insospechada, debido al sometimiento al que, ancestralmente, la habia marginado.Para confirmar la perfidia de la mujer, los artistas de la epoca ofrecieron ominosas epresentaciones de ella, sin darse cuenta de que al mismo tiempo ponian de relieve su miedo y deseo. Para ratificar su denuncia incluso acudieron a imagenes religiosas que corroboraran la maldad innata del ser femenino. Es asi como recobraron, entre otras, la figura de Lilith.

Aloïs Riegl (1858-1905) es uno de los principales representantes del formalismo en la historia del arte. Conservador del Museo de Artes Decorativas de Viena, publicó obras fundamentales para el desar

Con una indisimulada voluntad especulativa y ensayística, Imágenes sin mundo quisiera ser una propuesta hermeneutica orientada hacia ciertas zonas del arte moderno eclipsadas por los excesos formalistas. Donde se encuentran en perpleja disonancia la conciencia del mundo y las imagenes suplantandolo.

¿Por qué decimos que una obra de arte es buena? ¿Qué es lo que queremos decir? Se ha escrito poco sobre la calidad en el arte, un concepto esquivo que, al perfilarse demasiado desde la subjetividad y los prejuicios, resulta dificil de concretar y definir. Se rebela Alejandro Vergara Sharp contra esta dificultad y, con una prosa cercana y directa, defiende que ?un buen conocimiento de la historia del arte nos proporciona elementos de juicio que hacen que nuestra argumentacion no sea simplemente subjetiva?. Invita entonces al lector a iniciar con el un viaje de investigacion y, a la manera socratica, va desvelando, y desvelandose a si mismo, una a una las cuestiones que pueden ayudar a esclarecer el termino.

Publicado con motivo de la exposición Del lapicero al buril. El dibujo para grabar en tiempos de Goya, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 17 de octubre de 2023 y el 14 de enero de 2024.En la segunda mitad del siglo XVIII España se libero de la dependencia que habia tenido del extranjero en el ambito del grabado. La formacion de dibujantes y grabadores cualificados, encabezados por Manuel Salvador Carmona, permitio acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y cientificos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epilogo sera la publicacion de los Caprichosde Francisco de Goya en 1799. Si las estampas de esa epoca son bien conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto de partida. Su caracter utilitario los ha relegado a un segundo plano en la historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la calidad del grabado; sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa. En Del lapicero al buril dos de los instrumentos mas utilizados por dibujantes y grabadores se muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el proceso de creacion del grabado, desde los que realizaban los artistas que inventaban las imagenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus talleres. La variedad de tecnicas utilizadas asi como su adecuacion a los temas que representan sirven tambien para ofrecer un recorrido sobre el dibujo español en tiempos de Goya

Recuperamos no de los libros más significativos del filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, una crítica radical de la naturaleza del arte de nuestro tiempo.Hace más de dos decadas, Arthur C. Danto anuncio que la llegada del fin del arte se habia dado en los años sesenta; y fue precisamente tras esa declaracion cuando se situo a la vanguardia en la critica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Esta obra presenta la primera reformulacion a gran escala de esta original percepcion y muestra como, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vasari definio para el en el Renacimiento.

Un libro en el que se entrecruzan el arte, la literatura y la vida: la confirmación del inmenso talento de María Gainza. Una noche, durante su estancia porteña para el rodaje de su películaáTetro, Francis Ford Coppola le dijo a Maria Gainza: "El artista viene al mundo con un carcaj que contiene un numero limitado de flechas doradas. Puede lanzar todas sus flechas de joven, o lanzarlas de adulto, o incluso ya de viejo. Tambien puede ir lanzandolas de a poco, espaciadas a lo largo de los años. Eso seria lo ideal, pero ya sabes que lo ideal es enemigo de lo bueno".Ademas de Coppola, enaUn puñado de flechasaasoman una acuarela de Cezanne sustraida de un museo de Buenos Aires, la casa de un coleccionista, un paseo por el Walden Pond de Thoreau, las enigmaticas pinturas de Bodhi Wind en piscinas californianas que aparecian en la no menos enigmaticaaTres mujeresade Robert Altman, los oleos del pintor catalan Nicolas Rubio en los que evocaba el pueblo frances donde paso la guerra civil española, la vida cosmopolita y la memoria de la escultora Maria Simon, las andanzas del pintor Francis Hopkinson y su asistente Moon en Mexico y un cuadro maldito de Tiziano oculto en TzintzuntzanA medio camino entre e

Uno de los libros más importantes te Arthur C. Danto, conocido por sus radicales planteamientos sobre la muerte del arte y su análisis del arte contemporáneo.Después del fin del arte recoge las“Mello

La soledad es uno de los más extensos territorios de lo humano. Rilke nos anuncia su mensaje: "A través de Nietzsche comprendí que la soledad no es un castigo, sino una oportunidad para crear algo eterno". Este libro reconstruye la imagen de la soledad como una experiencia creativa, central para la constitucion de sujetos e identidades, en el corazon intimo del proceso artistico. Visita para ello, desde una metodologia estetica, de comparacion entre distintos procedimientos artisticos, la obra de Rilke, Montaigne, Rothko, Giacometti, Beckett, Nietzsche, Zambrano, Scelsi, Holderlin, Rossellini, Gould, Warhol y un amplio etcetera, como medio de entender la poetica, el "por que", de sus motivaciones. Concebido por sus autores como un proyecto de investigacion en curso, continua la exposicion-ensayo "Cabañas para pensar", como nuevo paso en una colaboracion entre ambos de mas de 25 años visitando las relaciones entre estetica y sociedad en autores como Valente, Tarkovski, Blanchot, Pasolini, Antonioni, Pessoa, Topor... Autores y obras de arte proyectan algo escondido y tal vez peligroso, que solo puede ser entrevisto por una mirada oblicua, que mas alla de los datos lea emociones: dolor, abandono, angustia, distancia, aun placer..., brumas que se muestran con claridad antes de que queramos atraparlas en una explicacion.

La historia moderna es una historia de estetizaciones, y cada estetización plantea una demanda de protección. Estetizamos y queremos proteger casi todo, incluyendo la Tierra, los océanos, la atmósfera, especies raras de animales y plantas exoticas. Los humanos no son la excepcion. Tambien se presentan como objetos de contemplacion que merecen admiracion y cuidado. Durante el siglo XX, artistas e intelectuales lucharon por el derecho soberano de exhibirse en sociedad a su manera: convertirse en obras de arte creadas por ellos mismos. Hoy todo el mundo tiene no solo el derecho, sino tambien la obligacion de practicar el autodiseño. Somos responsables por el modo en que nos mostramos ante los demas, y no podemos deshacernos de esta responsabilidad estetica.Sin embargo, sostiene Groys, no somos capaces de controlar nuestra imagen. La produccion de nuestros cuerpos publicos es un proceso colectivo que no depende exclusivamente de la propia voluntad. Hacemos libros y obras de arte, diseñamos sitios web y cuentas de Instagram. Junto con ello, se estan creando de forma permanente documentos, fotos, videos y copias de correos electronicos que son extensiones de nuestros cuerpos y constituiran los cadaveres publicos destinados a sucedernos en un mas alla material que no se detiene con la muerte.

Adicto al dinero, los coches y el sexo, experto en la ocultación y el disfraz y con un largo historial delictivo, el autor narra las vicisitudes en torno a su delito más mediático: el robo de casi una veintena de cuadros (Goya, Brueghel, Sorolla) a una conocida aristocrata madrileña. Durante su estancia en la carcel escribio Por amor al arte, libro en el que plasma de manera frenetica como, cuando y con quien planeo la extraccion del botin.

Este libro reúne escritos sobre la voz, la escritura y el deciren los que Ixiar Rozas ha trabajado desde hace años. Durante este tiempo la autora se ha acompañado de una investigación trans—arte, fil

Harry Bellet desvela los entresijos de ocho escándalos notorios, algunos de ellos cómicos, otros tristes o incluso trágicos. Si alguna lección podemos sacar de estas historias es que el falsificador infalible, de existir, aun no ha sido descubierto y que,

A lo largo del libro se produce un movimiento cíclico que comienza y termina con el archivo familiar de los de Waal, haciendo un repaso por muchos textos publicados en libros y revistas ya descatalogadas y de imposible acceso para el lector. El libro comienza en Odessa en 2009 y termina en Paris en 2021, entre medias aparecen las respuestas a los archivos de poetas, artistas y lugares que Edmund de Waal ama.

Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su coleccion.El catalogo propone un exhaustivo analisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y autentico heredero de Tiziano. Ahonda en las lineas de investigacion en torno a Veronese desarrolladas en las ultimas decadas, como el afan por situarlo en contextos mas amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relacion con la clientela (publica o privada), con la arquitectura y la escenografia, el interes por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artistico.Para el Prado, Veronese es mas que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabon fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primo el color sobre el diseño y que constituyo el ADN de la antigua coleccion real y del actual museo.El catalogo se abre con una introduccion a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Universita di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas estan Francesca Trivellato, Ana Gonzalez Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuacion, una extensa seccion dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposicion y que recorren cronologicamente la trayectoria del pintor, situando a este ademas en relacion con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronologia, una Bibliografia y un indice onomastico.

"La fuerza creadora escapa a toda denominación. Probablemente ella misma es materia, una forma de materia que no es perceptible con los mismos sentidos que los otros tipos conocidos de materia. Pero es preciso que se deje reconocer en la materia conocida. Incorporada a ella debe funcionar, Unida a la materia debe tomar cuerpo, devenir forma, realidad." Esta es la experiencia del arte demarcada por la obra de Paul Klee y sobre ella versan los escritos aqui reunidos.

El rojo fue el primer color que el hombre dominó en la sociedad occidental, tanto en la pintura como en la coloración. Probablemente por eso fue durante mucho tiempo el color «por excelencia», el más