Libros de Artistas contemporáneos, página 4 de 373

Figura insólita en el panorama artístico de su época (1593-1653) y una de las pocas mujeres que alcanzó la fama en el ámbito de la pintura. Sus cuadros se encuentran hoy en las principales pinacoteca

El artista suizo H. R. Giger (1940-2014) es conocido principalmente por su creación del monstruo espacial de la película de terror futurista Alien, de 1979, con la que ganó un Óscar. En retrospectiva, no fue mas que una de las expresiones mas celebres del arsenal biomecanico de criaturas de Giger, que fusionaba hibridos de humano y maquina, en poderosas y evocadoras imagenes llenas de oscura psicodelia. Sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado, que se remontan a sus miedos de infancia, al tiempo que evocaban mitologias para el futuro. Estas imagenes plasmaron las fantasias y los miedos colectivos de su epoca: el temor a la bomba nuclear, a la contaminacion y el despilfarro de recursos, y a un futuro en el que la supervivencia de nuestros cuerpos este supeditada a las maquinas. De oniricos paisajes surrealistas creados con una pistola pulverizadora y plantillas a caratulas de discos; de esculturas con forma de guillotina a una cafeteria que el mismo diseño, Giger nos guia personalmente por su polifacetica carrera en esta introduccion imprescindible sobre este maestro del horror. Reproducciones y diseños detallados y un prologo de Timothy Leary complementan los intimos textos autobiograficos de Giger.

Joan Miró, uno de los mayores creadores del siglo XX, siempre huyó de las entrevistas. Sus silencios se hicieron legendarios. No parecía necesitar palabras el gran artista cuyas manos traducían, con brío genial, su visión del mundo. Visión inocente que siempre guardaron sus ojos: a los ochenta y cuatro años, edad en que concede esta entrevista, Miró aún brinda magias y maravillas de niño.Es por ello que este libro posee un gran valor documental. Miró conversa largo y tendido junto a Georges Raillard, recuerda las estancias en Mallorca, Barcelona, París, los tiempos pasados; sus encuentros con Picasso, Matisse, Breton; opina, pelea, discute, se conmueve y revela ciertas claves secretas del oficio. Raillard, profesor de literatura y arte moderno en la Universidad de París, logra penetrar en el taller y en el alma de Miró. Esta brillante conversación nos ofrece uno de los testimonios más completos y sugerentes sobre la vida y obra del gran maestro catalán.

GOENAGA

“En esencia, el arte de Giger se adentra en nuestra psique y roza nuestros instintos y miedos más profundos. Su arte pertenece a una categoría que le es propia. La prueba de ello reside en la intensi

Entre el arte y la tierra, la memoria creativa de uno de los personajes de nuestro país más reconocidos a nivel internacional en el mundo del arte. Vicente Todolí es todo un referente del arte contemporaneo, un curator de prestigio que ha pasado de la direccion artistica de algunos de los mas grandes museos del mundo, como la Tate Modern Gallery, a cultivar mas de 500 variedades de citricos en Palmera, su pueblo natal. Un ?hombre de espiritu renacentista?, curioso vocacional, que investiga y se documenta sobre todo aquello que le provoca emociones, ya sea el arte o la tierra. Quisiera crear un jardin (y verlo crecer) es una reflexion muy personal sobre las circunstancias y asuntos que acaparan su atencion y dibujan tanto su trayectoria vital como profesional: de Valencia a Nueva York, Oporto, Londres o Milan, descubriendo artistas y organizando exposiciones, para volver a los campos junto al Mediterraneo y recuperar sus raices, literalmente, al descubrir el ?arte? de cultivar olivos y citricos.

El museo MEAM presenta en esta exposición a uno de los pintores más influyentes del realismo español del momento, Eloy Morales (Madrid, 1973). Nos embarcamos en un viaje por la trayectoria de un artista cuya virtud y complejidad no dejan de asombrarnos. De una manera clara y distinta, Morales aporta en todas sus composiciones su temple, su delicada firma tecnica y su preocupacion por la captura de la verdad. Nos proponemos compartir en esta ocasion una muestra del ancho y diverso abanico de obras que constituyen su trabajo artistico.

Exposición en el Museo Nacional ThyssenBornemisza del 12 de noviembre de 2024 al 9 de febrero de 2025.Gabriele Münter (18771962) fue una de las fundadoras de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), el leg

Esta inspiradora colección cubre el trabajo, las vidas y el impacto duradero de cinco impresionistas clave en un volumen que es una introducción y una celebración del género artístico probablemente mas popular de todos los tiempos. Cada uno de estos artistas rompio barreras de diferentes maneras y asombro a la sociedad de finales del siglo XIX con la audacia de su planteamiento y de su tecnica.Edgar Degas exploro el movimiento y la forma humanos con un estilo magistral y composiciones innovadoras, entre las que destacan sus pinturas de bailarinas, caballos de carreras y paisajes urbanos concurridos. Claude Monet fue un maestro de la luz y la atmosfera que capto la fugacidad del momento con sus iconicos nenufares y series de pinturas. Pierre-Auguste Renoir celebro la belleza y la sensualidad, y aporto vitalidad a escenas cotidianas con pinceladas exuberantes y una paleta luminosa. Paul Gauguin busco inspiracion en lo exotico y utilizo colores atrevidos y simbolismos con un efecto a menudo inquietante. Por ultimo, el uso sumamente emotivo del color y las pinceladas vigorosas de Vincent van Gogh transmitieron su agitacion interna y contribuyeron en gran medida a sentar las bases del expresionismo.Juntos, estos cinco maestros redefinieron lo que el arte se atrevia a lograr al hacer hincapie en la expresion personal y en la exploracion de la luz, el color y la perspectiva. Su trabajo marco un cambio fundamental en las libertades y expectativas artisticas modernas. Esta coleccion va mas alla de sus pinturas mas famosas e incluye un extenso texto sobre cada artista, junto con una biografia detallada y mas de 400 ilustraciones en color de alta calidad.

Presentamos un fascinante catálogo de exposición del Espacio Fundación Telefónica en Madrid.La selección profundiza en los temas recurrentes del universo artístico de Jaume Plensa, como la identidad, la fragilidad de la condicion humana, lo efimero, la espiritualidad, el silencio, la comunicacion y el lenguaje.Jaume Plensa es conocido por sus esculturas monumentales en espacios publicos y por su uso innovador de materiales. Es reconocido como una de las voces mas importantes del panorama artistico actual.La exposicion abarca mas de 30 años de la carrera de Plensa, desde principios de los años noventa hasta la actualidad, explorando desde diferentes perspectivas la profunda reflexion sobre la condicion humana que atraviesa toda su obra. Desde expresiones abstractas y conceptuales en sus primeras creaciones, hasta representaciones mas recientes de caracter figurativo y sensual.Plensa elige materiales distintivos e innovadores como el hierro, el vidrio, el acero inoxidable, el alabastro y la resina. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones internacionales y se expone en museos y espacios publicos de todo el mundo, incluyendo el Nasher Sculpture Center en Dallas, el Rockefeller Center en Nuev

Gilot describe de manera minuciosa -e implacable- todos los aspectos de la creación artística de este gran hombre, desbordante de ideas, de imaginación y de impulsos contradictorios, de cuyo retrato emergen los aspectos menos conocidos del artista: el compañero de diario, el ser irascible, el partisano, el padre angustiado o el creador supersticioso.

Caminos de papel 1951-1991 es el catálogo de la exposición homónima -organizada por el Círculo de Bellas Artes- de la obra sobre papel de José Caballero (Huelva, 1915-Madrid, 1991), quien inició su carrera a mediados de los años treinta bajo el poderoso influjo del surrealismo para terminar siendo uno de los mas genuinos exponentes de la generacion abstracta española de la segunda mitad del siglo xx. Caminos de papel se compone de mas de doscientas obras sobre papel que abarcan cuarenta años de creatividad del artista, desde comienzos de los años cincuenta -cuando regresa definitivamente a la pintura despues de un periodo dedicado principalmente a la ilustracion de libros y el diseño de decorados escenicos- hasta el final de sus dias.Como dejan bien claro en sus ensayos Francisco Calvo Serraller y Jesus Camara, comisario de la muestra, los caminos de papel de Caballero transcurren en paralelo al devenir de su pintura. En estos dos ambitos se percibe un alejamiento del impulso figurativo y un gusto cada vez mas acentuado por la abstraccion, dominio en el que nunca dejo de experimentar. Otra de sus grandes pasiones, de suma importancia en el ambito de los dibujos, es la investigacion sobre la materia, proceso interminable en el que ciertos hallazgos tecnicos condicionan forzosamente las soluciones graficas.Desde el figurativismo de fuerte impronta surrealista de sus comienzos a las grafias orientalizantes y minimalistas de su etapa final, pasando por el trabajo con la materia y las superficies que caracteriza su obra en los años sesenta, Jose Caballero no dejo nunca de evolucionar y crecer como artista. Inconformista y proteico, trazo un itinerario de excepcional rigor y ambicion que ahora podemos revisar de nuevo gracias a esta amplia y generosa retrospectiva de su obra sobre papel. No en vano estos caminos nos llevan con frecuencia hasta su taller, el espacio de la intimidad donde surgieron muchos de los ensayos y bocetos de sus pinturas de gran formato.

Theo Van Gogh es un hombre «sin talento» que cifra su existencia en el amor que profesa al arte y a su hermano Vincent, el artista de la familia, a quien envía dinero y cartas llenas de melancolía. E

The first book to concentrate on the early ceramic work of Transvestite Potter, bestselling author, broadcaster and social commentator Grayson PerryGrayson Perry is one of todays most popular artists, known for his flamboyant persona and playful pots. For the first time, this book explores Perrys artistic origins through the artworks that made his name in the years 198294, exploring his role as commentator on contemporary culture and the emergence of his own identity as the Transvestite Potter. The book includes an essay by Grayson Perry in which he looks back on this period of his life.

Gimme Some Sugar es la muy esperada primera monografía de Genesis Tramaine, el renombrado artista estadounidense cuya estrella continúa ascendiendo en el mundo del arte internacional. Arraigada en su educacion en la ciudad de Nueva York de la decada de 1980 y su fuerte espiritualidad, Tramaine imbuye sus retratos abstractos de hombres y mujeres con una emocion trascendente, devocion y musicalidad silenciosa, nacida de pinceladas ritmicas y un uso visceral del color cromatico. En su estilo gestual, busca, al mismo tiempo, representar y universalizar la humanidad del rostro negro estadounidense al oscurecer la especificidad de los rasgos individuales, eligiendo en cambio retratar la agitacion interna y la alegria interna de la mente y el ser. El libro presenta mas de 125 imagenes vibrantes y a todo color de los dinamicos y fascinantes retratos de la artista, que son un homenaje inextricable a su profunda fe, su sentido de si misma y sus domingos por la mañana en la iglesia. Encuadernado en un rico y tactil estuche de piel sintetica indigo destinado a evocar una Biblia moderna, Gimme Some Sugar tambien presenta un mini cuaderno de bocetos cuyas paginas revelan los estudios de dibujo lineal crudo e instintivo de las pinturas maestras a gran escala de Tramaine.

Este libro recoge una serie de apasionantes y esclarecedores escritos de Ignacio Gómez de Liaño sobre Salvador Dalí, sin duda una de las figuras capitales del arte del siglo XX, a cuya obra y personalidad Liaño ha dedicado varios libros, como El camino de Dali (Diario personal, 1978-1989) y el titulado sencillamente Dali, ademas de incontables articulos.Dali funde y amalgama arte y vida en un continuo inseparable, cumpliendo ejemplarmente una de las aspiraciones de las vanguardias: su propia vida se convierte en creacion deliberada y, sin ella, su multiforme obra (pintura, dibujo, poesia, prosa...) no puede ser cabalmente entendida en toda su riqueza y complejidad. El Surrealismo, lo comestible, el oro, Gala, el metodo paranoico-critico son algunas de las multiples y acaso contradictorias variables que hacen que Dali siga planteando, como todo gran artista, una ecuacion cuya incognita permanece irresuelta. Gomez de Liaño se acerca a Dali desde el analisis de su pintura y el interes comun en la persistencia de la memoria y tambien desde la palabra del pintor. Cimentadas sobre la amistad e incontables conversaciones con el artista, a quien visitaba a menudo en Portlligat o en el Teatro-Museo de Figueras, acompañandole incluso mientras pintaba, estas paginas despliegan una suerte de personal desciframiento del enigma daliniano.

Prácticamente desconocida por el gran público hasta la gran retrospectiva celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982, cuando la artista contaba 71 años, la escultura de Louise Bourgeois (París, 1911), de marcado carácter autobiográfico y personal, no es fácilmente catalogable en ningún movimiento ni tendencia establecidos. Según sostiene la propia escultora, toda su producción gira en torno a una suerte de mito fundador: el adulterio de su padre, que introdujo a su amante, una joven institutriz inglesa llamada Sadie, en la casa familiar. De hecho, desde sus primeros dibujos y pinturas de "Femmes-maison" (Mujeres-casa), realizados en los años cuarenta, hasta sus "Cells", instalaciones a modo de celdas o pequeñas habitaciones, de los años noventa, pasando por sus esculturas de yeso y látex de los sesenta o imágenes del cuerpo desmembrado de la década de los ochenta, toda su producción se halla marcada, de una forma u otra, por ese recuerdo de la "traición" paterna. Ello no implica, sin embargo, que la escultura de Bourgeois tenga un significado exclusivamente íntimo o biográfico. Su obra nos desvela las relaciones de poder, la situación de opresión sexual y la experiencia de dolor que anidan en el interior de la familia patriarcal, demostrando en último término que, como subraya el célebre eslogan feminista, "lo personal es político".

Desde la legendaria serie de cómic Tank Girl (La chica del tanque) hasta las animaciones de la banda musical virtual Gorillaz, pasando por incursiones en la ópera contemporánea china y una exposición en la Saatchi Gallery de Londres, el artista, compositor y diseñador Jamie Hewlett es una de las figuras mas prolificas y eruditas de la cultura pop contemporanea. Con influencias tan diversas como el hip hop y las peliculas de zombis, Hewlett se dio a conocer a mediados de la decada de 1990 como cocreador de Tank Girl, una serie de comic que destilo el espiritu de una epoca. Con su compañero de piso Damon Albarn creo el revolucionario grupo musical Gorillaz. La exitosa banda de pop virtual formada por personajes de dibujos animados es un fenomeno global. Gorillaz han encabezado listas de exitos, girado y recorrido todo el mundo, de San Diego a Siria, y cosechado cifras millonarias de escucha en streaming y ventas de discos a lo largo del camino. Desde entonces, Hewlett ha seguido colaborando con Albarn en proyectos como la exquisita y elaborada puesta en escena de la novela china Monkey: Journey to the West de Wu Chengen, donde no faltan acrobatas de circo, monjes shaolin y cantantes chinos. En 2006, el Museo de Diseño de Londres lo eligio mejor diseñador del año, y en 2009, el y Albarn recibieron el premio BAFTA por la secuencia animada Monkey para los Juegos Olimpicos de Pekin. En 2015, en una muestra titulada The Suggestionists, ha expuesto su obra grafica en la Saatchi Gallery de Londres, donde ha quedado patente la nueva direccion que ha tomado la apasionante carrera de Hewlett. Para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta edicion especial actualiza la primera gran monografia de Hewlett con cerca de 30 obras nuevas. Este volumen ilustra su fascinante viaje creativo a traves de mas de 400 obras desde la epoca de Tank Girl hasta Gorillaz y los trabajos actuales. A traves de las tramas, los personajes, las tiras comicas y los bocetos, este libro recorre la inventiva excepcional de Hewlett y rinde homenaje a un artista polimata que no se resigna a dormirse en los laureles ni a quedar encasillado en una faceta artistica concreta.

La leyenda de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) continúa intacta. Símbolo del Nueva York de la década de 1980, el artista inició su carrera a finales de la década de 1970 bajo el seudónimo SAMO llenando las paredes de la ciudad con pintadas que contenian mensajes mordaces y fragmentos de poemas. Formo parte de una escena underground en pleno auge formada por todo tipo de artistas, que se dedicaron a las artes plasticas, el gratifi, el hip-hop, el post-punk y el cine amateur. Basquiat, pintor con una potente voz personal, no tardo en triunfar en entornos mas convencionales y expuso en galerias de todo el mundo. El estilo expresivo de Basquiat se basaba en figuras rudimentarias a las que añadia palabras y frases. Su obra inspiro a todo un elenco de celebridades del jazz, el boxeo y el baloncesto, con referencias esotericas y a la vida callejera. Cuando se le preguntaba por el tema principal de su obra, Basquiat respondia realeza, heroismo y las calles. En 1983 empezo a colaborar con la estrella mas famosa del mundo del arte, Andy Warhol, y en 1985 fue portada de la revista The New York Times Magazine. Cuando Basquiat murio a los 27 años se habia convertido ya en uno de los artistas mas exitosos de su tiempo.Publicado originalmente en edicion XXL, este acercamiento inedito al arte de Basquiat esta disponible ahora en un volumen compacto y accesible para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. A traves de reproducciones impecables de sus pinturas, dibujos y esbozos mas destacados podra admirar al detalle los complejos signos y cripticos garabatos del artista y profundizar en su mundo gracias a una introduccion del editor Hans Werner Holzwarth y un ensayo sobre sus tematicas y evolucion creativa firmado por la conservadora e historiadora de arte Eleanor Nairne. Organizados por años y profusamente ilustrados, los capitulos recorren la vida de Basquiat con citas del propio artista y reseñas que aportan al lector tanto una perspectiva personal como contexto historico.

El relato personal, lleno de emoción y amor, de dos artistas contemporáneos de primer nivel, los pintores Lucio Muñoz y Amalia Avia, vistos a través de la mirada de su hijo. «Una lectura fundamental