Libros de Teatro contemporáneo extranjero del XIX al XXI, página 6 de 32

En este volumen, bajo el título de Tempus Fugit, se han reunido los más representativos textos de Ignacio Pajón Leyra. Relatos de diferente extensión y ambientadas en épocas y lugares distintos, con incursiones en la ciencia ficción, el realismo, el drama, el humor, la prosa poética o el monólogo teatral, pero con una serie de temáticas comunes a todas ellas: la creación artística, la crítica de las posiciones y costumbres asumidas, y sobre todo el inevitable paso del tiempo.

Sembla que Satie va concebre aquesta obra que anticipa el teatre dadaista dels anys vint i fins i tot el teatre de labsurd dels cinquanta a finals del segle XIX, durant lepoca en que va col·laborar amb lhumorista de Montmartre Jules Depaquit. Pero no fou fins al 1913 quan va reprendre la feina, reduint el primer treball de cinc actes en un de sol. Aquest mateix any va fer una representacio privada a casa del compositor i critic Roland Manuel, pero no fou fins al 1921 quan lobra va ser representada al Teatre Michel, durant una sessio de teatre buffo organitzada per lactor i director de teatre Pierre Bertin. Entre les diverses anecdotes que tenen lloc durant lobra, destaca el conflicte que anuncia la lluita de classes, entre el baro i el seu criat. Daltra banda, es perfila la constant lluita de Satie contra el formalisme i el racionalisme cartesia aplicat a la musica i a lart en general, tal i com demostra lanalisi dels noms que lautor escull pels seus personatges. Per ultim, cal destacar la presencia a lobra de lanteposicio de la intuicio sobre la rao, aixi com lus dels sorolls dins la musica, reivindicat pels futuristes de lepoca. Fidel al principi segons el qual la musica mai ha de sobreposar-se a la paraula, Satie va compondre per aquesta comedia lirica set ballets que constitueixen una mena dintermedis entre els dialegs. Aquests balls estan escenificats per un pianista i un mico mecanic que el protagonista de lobra, el Baro Medusa, ha fet fabricar per a la seva diversio. Sense cap dubte, es tracta de lencarnacio de linconscient del baro que, juntament amb el seu majordom Policarp i el mico, configuren un mapa força fidel de la personalitat i lestil del propi Satie. Tal i com ell mateix cita a linici de lobra: Aqu&a

Magia, pieza teatral que Chesterton escribió a partir de un relato que hoy anda perdido, se estrenó en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres. La obra entonces alcanzó las 165 representaciones. Bernard Shaw fue sin duda el principal impulsor para que Chesterton se decidiera a escribir teatro y fue quien posteriormente lo elogio hasta el punto de situar a su amigo dentro de la tradicion prestigiosa de Shakespeare. En Magia, en palabras de Felipe Benitez Reyes, encontramos a un Chesterton en toda la pureza de su metodo: un arranque misterioso, el desenmascaramiento, digamos, de ese falso misterio, una situacion trivial, y de repente, el ascenso a un mundo especulativo, abstracto y paradojico en el que se enredan los dogmas y las dudas, la esencia y la apariencia, lo real y lo extraordinario, de modo que la trama se aleja de la linealidad y deriva en espiral, con todas las asimetrias de un discurso que crece en torno a si mismo satisfecho de si mismo, orgulloso de su poder. Desde el principio de la obra las palabras comienzan a tejer una tela de araña, territorio verbal, donde van quedando atrapados los sofismas, las tergiversaciones y los sinsentidos, los axiomas paradojicos, todo lo que siempre y solo es ya propio y unico de Chesterton.

La obra está ompuesta de siete cuadros en los que una voz habla casi siempre en tercera persona de un personaje femenino. Todos los cuadros, excepto el segundo, se centran aparentemente en relaciones amorosas del personaje a lo largo de su vida. De este monologo se desprende un universo dramatico complejo.

A Antígona a Nova York trobem una versió moderna del dilema entre les lleis i normes d’una societat deshumanitzada i les obligacions que la moral personal no pot ignorar, però aquest cop no són les g

Primer tomo de la nueva colección de Calambur. Un clásico indispensable. El Abanico de lady Windermere, estrenada en el Teatro St. James de Londres en 1892, es una comedia de cuatro actos con la que Oscar Wilde inicio su produccion teatral. Ambientada en los salones londinenses de la epoca victoriana, esta obra denuncia la hipocresia, el puritanismo y la doble moral de la sociedad de la epoca. El espiritu critico del autor se concentra en asuntos como la fidelidad conyugal, el adulterio, la reputacion o los sacrificios del amor maternal. Un tono de comedia en la que nada es lo que parece sirve al dramaturgo para desplegar con lucidez su fina ironia, caracteristica que permanecera en toda la obra posterior del autor irlandes.

"En una migración se despoja al sujeto del idioma natal; el nómada no solo deja atrás un territorio geográfico y sentimental, sino que está desahuciado de recursos para fundar un nuevo espacio-tiempo-amor; porque es a traves del lenguaje como se piensa el mundo, en toda migracion una identidad anterior es aniquilada, y el esqueje trasplantado debe horadar el sustrato extranjero para hallar una gramatica propia sobre la que cimentar una identidad hibrida y en continua adaptacion.Esta es la historia de una familia china oprimida por el regimen comunista que ha buscado en España abrir una via de fuga, albergando la esperanza de que los injertos se agarren con fuerza inaudita y revitalizar asi las ramificaciones de un apellido en alegre decadencia; pero no es tarea facil y son numerosos los obstaculos a superar hasta que sus miembros logren establecerse en tierra extraña y, gracias a la simbiogenesis, conformar un ser transgenerico que de continuidad a la linea de sangre."

Se nos presenta un episodio en la vida de Mirjana, personaje central de la obra. Todo comienza el día que la protagonista recibe la visita de su madre. Esta visita opera como la lente de aumento que le permitirá a Mirjana revisar todas las circunstancias que atraviesan su vida. Circunstancias encarnadas en una cantidad de seres que la rodean y marcan su actual condición. Presa de aquellos que la determinan, debe afrontar las decisiones que la vida le impele a tomar. Se transporta al lector a un mundo de deseo, frustraciones, soledad y esperanza. Ivor Martini? explora en el universo femenino cotidiano y sus diversos papeles dentro de la sociedad; de este modo encontramos a Mirjana en el papel de madre, hija, empleada, amante y esposa. Mirjana se relaciona desde todas esas posiciones con el mundo hostil, que a diario le pone obstáculos. Sobre Mirjana y los que la rodean nos habla de la familia, de los vínculos que tenemos con nuestros seres queridos y del mundo íntimo y personal que cada uno tenemos. Observamos a estos seres, cómo piensan para después acoplar ese pensamiento a las obligaciones diarias, las afectivas y las laborales, manteniendo el delgado equilibrio al que la vida nos somete. La estructura de la obra nos ofrece una exactitud conceptual de la mujer en el cosmos masculino; a los varones se los ve cerrados en sus pensamientos y siempre sacando su propio beneficio; las mujeres son sufridas, algunas queriendo salir de ese estado, otras, estancadas. Texto de juventud de Ivor Martini? es real y sincero, mostrando la realidad tal como es, no como debería ser.

Iannis es un padre de familia inválido y despreciado por su mujer, Maritza. Desde su silla de ruedas es testigo de lo que sucede en su casa, y a menudo lo comenta con el público: Maritza, con el afán de proteger al hijo de ambos, Stazis, tiene a éste en un puño, valiéndose de la hipocresía y del chantaje sentimental. El chico, por evitar disgustos, va cediendo a todo: deja a una novia realmente inconveniente, y se casa con Tzaneta, una mujer "decente" como su madre, que ella misma le ha propuesto. El único desahogo de Stazis consiste en hablar con su padre, a escondidas de Maritza. Pero cuando Tzaneta se queda embarazada, el chico se siente atrapado en una trampa de la que trata de evadirse bebiendo y dándose a la mala vida, hasta que al final estalla y provoca una fuerte discusión familiar en la que nos enteramos del motivo de la invalidez de Iannis. El título, El partido, se debe a que la obra se desarrolla como un enfrentamiento entre personas (Iannis contra Maritza, Maritza contra Stazis, Stazis contra Tzaneta…) y de dos formas de enfrentarse a la vida: la de los que intentan tenerlo todo bajo control, como Maritza, y la de los que intentan escapar de ese control, incluso a costa de perderlo todo, como Iannis o Stazis. Como ingenioso remate, la obra culmina en la retransmisión de un partido real. La obra fue publicada y subida por primera vez al escenario en Atenas, en 1978, lo que nos lleva unos cuantos años atrás, a una época en la que no existían los móviles y el colmo de la tecnología musical era el tocadiscos. Desde entonces se ha representado y se sigue representando con gran éxito dentro y fuera de Grecia. Yorgos Maniotis, uno de los principales dramaturgos griegos contemporáneos, ha sido traducido al francés, italiano, inglés, alemán, etc, y figura en todos los estudios sobre teatro moderno mundial. Ésta es la primera traducción al español que se hace de El partido.

Basquiat nació de una mezcla de dos etnias tradicionalmente discriminadas en Estados Unidos: la puertorriqueña, por parte de madre; y la haitiana, por parte de padre. Siendo adolescente, ya se dedicaba a la musica y a intervenir edificios y paredes del Soho Manhattan bajo la firma SAMO (SAMe Old shit). Una dura critica al pais donde nacio y al lugar, minimo, reservado a los negros (como el mismo se denominaba) y a la alteridad. En este tributo, que el escritor y ensayista Koffi Kwahule traza a base de tags y de voces que se suceden y se pisan freneticamente, la musica y la danza constituyen una parte fundamental de un texto que puede leerse como una partitura polifonica, al tiempo que es un testimonio sobre lo artistico entendido como critica social del sistema de exclusion.

Conocido sobre todo por su novela distópica de 1921 Nosotros, Zamiatin (1884-1937) fue también autor de relatos y de obras de teatro; caso de esta comedia, estrenada en 1925, en la que juega con la fanfarroneria y la presuncion de la sociedad rusa y, por extension, sovietica.Por su inconformismo y su sentido de la satira, pronto quedara censurado y relegado en su pais del que, no obstante, podra salir en 1932. Zamiatin puede considerarse uno de los primeros disidentes sovieticos.

En 1917, un an après sa blessure, un an avant sa mort, dans son uniforme bleu horizon qu’il continuait de porter, le front entouré d’un bandeau, Guillaume Apollinaire était devenu un personnage qui a

Quienes saben, ahora, que Moliére murió haciendo esta obra (pero él no sabía, al escribirla, que eso iba a ocurrirle) le han cambiado su sentido cómico y han probado a representarla como tragedia, y la obra lo ha soportado; tambien en otras piezas del mismo autor los grandes astros de la Comedia Francesa y de otras buenas compañias, con exito variable, han intentado personales interpretaciones de ciertos personajes, y las obras lo han resistido. Se ha representado a Moliere con trajes distintos de los correspondientes a las epocas en que situo sus comedias, que son su propio tiempo, el Gran Siglo, y la Grecia de los dioses; con trajes modernos, con vestidos de trabajo, con ropa de etiqueta, con fantasias carnavalescas, con decorados abstractos, sin decorados, y todo lo ha tolerado y digerido. Son algunas de esas comedias inatacables fortalezas, edificios eternos del teatro y de la lengua, cumbres no igualadas del genero comico. La temporada de estreno de esas obras, cuyas fechas de iniciacion hemos aqui recordado, no termina todavia; siguen en cartel muchas de ellas, casi todas, mas de tres siglos despues de que fueron escritas y por primera vez representadas; y cuando en el todavia existente teatro del Palais Royal se han bajado las luces, y hemos escuchado los golpes del baston que anuncia que la funcion comienza, por un momento hemos creido que le ibamos a ver aparecer a el.

Esta obra de Pirandello es un hábil drama, a la vez teórico y empírico, que trata sobre los elementos de la moderna dramaturgia enfocados desde nuevas perspectivas.: el autor, el director de la compañía, la construcción del texto escrito y su concordancia con el texto escénico, la actitud de los autores, la manera de llevar los ensayos, la representación, el tinglado escénico, en fin, lo limites del teatro. La realidad, libertad e individualismo de los personajes, que reivindican su autonomía como trasunto de la agonía vital de los seres humanos, son vistos como un juego teatral pero sin dejar de ser, trágicamente, metafísico.

Obra de teatre que ens porta a un fet de la historia recent d'Ucraina que ha transcendit, per les seues repercussions, les fronteres: l'accident nuclear de la central de Txernobil de 1986. L'obra se centra en els esdeveniments viscuts per diversos personatges que continuen habitant 'la zona', com s'anomena l'entorn d'aquesta central, altament contaminat despres de l'accident nuclear, el mes greu que ha patit el nostre planeta en temps de pau. Les seues vides s'han vist afectades directament o indirectament per l'experiencia d'aquell horror i es debaten entre l'esperança i la desesperacio. En aquesta sorprenent comunitat, es desencadenen uns fets inesperats quan irromp un nou personatge: sobre la fina linia que separa la realitat de la fantasia, les vides de cadascun d'ells prendran el seu rumb. Pero l'obra te tambe una altra dimensio: al fil dels esdeveniments, aquests personatges reflexionen sobre el que ha viscut, el que viu i el que viura, tal vegada, el seu pais. La veu de l'autora se suma aixi a la reflexio col·lectiva sobre la historia passada i present del poble ucraines i les seues expectatives de futur, posades hui a prova per la invasio russa.

La acción se desarrolla en una ciudad universidad. Sala de estar de un secretario de actas. Apenas amueblada y decorada. Paredes claras, sin tapizar.

“El malentendido” es una de las más célebres piezas teatrales de Albert Camus (1913-1960), cuyo talento literario y sensibilidad se centraron siempre en la complejidad, la ambigüedad y la riqueza de

Él y Ella están solos en escena, en penumbra. No saben muy bien qué ha pasado fuera, pero todo apunta a una catástrofe de cariz apocalíptico. ¿Los rescatarán? ¿Dónde están los medios que las autoridades ya tendrian que haber desplegado? La angustia de estos momentos de aislamiento se traduce en una tensa serenidad que los hace mirar atras y fijarse en las señales que habian advertido durante tanto tiempo. Rememoran todo lo que se ha ido perdiendo con el paso de los años, desde la salud democratica, la fauna y la flora, hasta las cosas mas sencillas del dia a dia. Sin olvidar el sorprendente Principe de Miguasha... Pero, incluso en estas condiciones, la vida continua y afloran tensiones y desencuentros intimos. En esta obra, Serge Lamothe, con una extrema sobriedad de medios, nos invita a mirarnos por dentro y por fuera y a reflexionar sobre el riesgo de que una historia como esta nos pueda atrapar algun dia. A todos, pero tambien a cada uno de nosotros con nuestras vivencias personales, como les pasa a El y a Ella en escena. Una obra sobrecogedora mediante la que, sorprendentemente, llegamos a comprender que, de tanto desamparo, pueden nacer nuevas energias.

Reflexión sobre los problemas y obsesiones que nutrieron su creación literaria y teórica, "Calígula", obra gestada entre 1938 y 1942 y representada por vez primera en 1945, es una de las grandes piezas dramáticas de Albert Camus (1913-1960). En ella, los temas recurrentes del absurdo existencial, la enajenación metafísica, el sufrimiento del hombre y la lógica del poder reciben un despliegue dramático que discurre en paralelo a las novelas y ensayos de un autor cuyo talento y sensibilidad ética se centraron siempre en una indagación sobre la complejidad, la ambigüedad y la riqueza de la condición humana.

Ambientada en los años ochenta, apenas una década después de la caída de la Dictadura de los Coroneles, Vacaciones en Uranópoli es una comedia negra o de suspense, según la define su propio autor, Yorgos Maniotis. Los personajes de la obra viven con desencanto unos tiempos de los que esperaban mas o quizas algo distinto y que, para su desgracia, les han defraudado, tal vez porque sus expectativas eran de algun modo irrazonables. El paralelismo que cabe trazar con los sentimientos de muchos de quienes efectivamente vivieron la transicion española, y que tambien ha recibido forma literaria y cinematografica, es a todas luces innegable. Sin embargo, en la obra de Maniotis el desengaño politico se plasma acompañado de un componente existencial que nos hace preguntarnos si no es el tiempo, el inevitable paso del tiempo, el que en verdad nos hunde en la melancolia.