Libros de Teatro contemporáneo extranjero del XIX al XXI, página 4 de 33

La importancia de llamarse Ernesto (comedia de enredo, enlazamiento de absurdos, de donde nace el mejor Mihura) es una red compleja de divertimento, disparate y polisemia. Pero, además de lo referido, ahonda en una dualidad: Sin el lado oculto a la sociedad del Bien no hay Vida. La vida perfecta seria la totalidad de Ernesto y Jack juntos. Pero la sociedad burguesa aun la sociedad de hoy, piensese en los Estados Unidos nos exige ser Jack (ser formales, ser como es debido, como la sociedad quiere) pero llamarnos Ernesto para sobrevivir, ir a una segunda vida (que debiera estar abrazada con la primera) en la que brota nuestro manantial oscuro, la fuerza terrenal del deseo, la transgresion, el eros, el profundo corazon de la materia. Hay que ser Jack dice Wilde, pero sin llamarse Ernesto el lo sabia perfectamente no hay mas que represion o supervivencia. En tono de comedia de salon, de alta comedia burguesa la que nace en Inglaterra con Sheridan y su Escuela del escandalo La importancia de llamarse Ernesto es un alegato en pro de la libertad de la vida, en pro del bienestar de la conciencia, en pro de que seamos todos como somos.

Blanche DuBois, filla d’una família de rics terratinents d’un poble del sud dels Estats Units, arriba a un dels barris mes degradats de Nova Orleans, on la seva germana petita viu miseriosament amb S

Migrants a mercè de traficants, salons futuristes on s'anuncien seductors avanços en filats, malvats que s'aprofiten de la misèria i fragilitat dels més desvalguts: Matei Visniec en aquesta obra ens

Antón Paulovich Chejov es el gran analista de la vida social y política rusa en las últimas décadas del siglo XIX. Por sus más conocidas comedias: El tío Vaina, La Gaviota y El jardín de los Cerezos, constantemente representadas en los teatros del mundo, no es exagerado asegurar que puede clasificarsele como creador del teatro contemporaneo.

Acostumbrados a las farsas, cuadros festivos o dramas sentimentales habitualmente representados en la época, crítica y público no pudieron sino recibir con desconcierto e incomprensión los dramas sutiles e impregnados de lirismo de Anton Chejov (1860-1904), en que, bajo la quieta superficie de lo cotidiano, se ocultan angustias, penas, esperanzas e ilusiones frustradas que, vistas desde fuera, se nos antojan meros achaques de la vida comun y corriente, la carga impuesta al ser humano por el hecho de serlo. Estrenada en enero de 1901, "Las tres hermanas" tiene por protagonistas a tres huerfanas atrapadas en el ambiente anodino de una ciudad de provincias y dominadas por la figura de una mujer tiranica. "El huerto de los cerezos", por su parte, se centra en el conflicto entre la nostalgia del pasado y la esperanza de un futuro mejor.Traduccion de Juan Lopez-Morillas

Cuando Arthur Miller escribe y estrena en 1955 «Panorama desde el puente» es, sin duda, un autor ya consagrado tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. Una vez más, el dramaturgo norteamer

Cuarenta años después de que Barthes vaticinara que "la obra de Brecht sería cada vez más importante", cabe preguntarse si tal profecía se ha cumplido sin matices. La aparición de un copioso volumen con su teatro completo quiza sea buen momento para averiguarlo.Repasando sus treinta y tantas obras, advertimos algunas constantes de su teatro. Por ejemplo, el clasico "primum vivere, deinde philosophari", que el tradujo en La opera... como "primero comer, despues moralizar", ya figuraba en "La Biblia", una pieza breve escrita a los quince años, que aparece aqui por vez primera en español. Y han pervivido sin tambalearse secuencias y personajes inolvidables: esa eficacia teatral para transmitir el "terror" y la "miseria" en algunas escenas de "Terror y miseria..."; el grito desgarrador de Shen Te que ya torturaba a Job: "¿Por que la maldad tiene su premio y por que aguardan a los buenos tan duras penas?"; o Azdak, el cinico juez de El circulo, que acaso podria ser un alter ego de Brecht.En cambio ha envejecido mal el didactismo. Incluso cabria preguntarse que ha quedado del famoso "distanciamiento". En "Dafne y ensueños" escribia Torrente Ballester: "No se me oculta que, a pesar de Bertolt Brecht, los lectores siguen haciendo suya la vida de los personajes y sintiendo lo que ellos sienten, por mucho que se les advierta que son solo ficciones...; figuras imaginarias de talante humano a las que el lector gusta acercarse como a personas reales, alegrarse o padecer con ellas y hacer juicios de valor", etc. Tambien con las de Brecht.Sin embargo, Brecht sigue siendo Brecht. A la solidez de los bastidores, que con frecuencia le preparaban sus colaboradoras, añadia esa indiscutible "marca" Brecht, que consistia esencialmente en la habilidad para la respuesta ironica o desvergonzada, la narracion "epica", los poemas y canciones intercalados... La poesia.

A pesar de su brevísima existencia, da idea de la talla de Georg Büchner (1813-1837) el que sea referente en las letras alemanas para autores contemporáneos como Christa Wolf o Günter Grass. El prese

Creditors (1888) forma, amb El pare (1887) i La senyoreta Júlia (1888), una trilogia que és el croquis punyent d'un naufragi personal. Strindberg hi reflecta, d'una manera palpitant, la peripècia del seu primer divorci, l'aberració a què la conjugalitat redueix l'individu. Tres personatges, dos homes i una dona, es passen comptes de dos en dos. Cada un és el creditor inexorable que, a l'exigència despietada del deute, hi afegeix l'interès usurer d'anihilar l'altre. I com que cada personatge és, alhora, creditor i deutor, cada un acaba essent botxí i víctima. En aquesta pugna, els dos homes es perden escometent-se per la dona que diuen que estimen, però que, en veritat, únicament desitgen. Dissecada així per Strindberg, la relació conjugal es revela com una mera expressió de poder i de lubricitat, sota el control d'una dona que domina, si no l'escena, la situació. De retruc, l'autor ens serveix impulsivament una imatge, real i especular, de si mateix.

La argentina Griselda Gambaro se encuentra entre los más relevantes dramaturgos latinoamericanos. Sus obras dramáticas han sido estrenadas en distintos países de América Latina, Estados Unidos y Europa. Ha recibido premios nacionales e internacionales y sus obras han sido traducidas a una decena de lenguas. "Decir si" y "La malasangre" se estrenaron durante la ultima dictadura; la primera en 1981 dentro del ciclo Teatro Abierto, que pretendia romper el silencio impuesto por los militares, y la segunda en agosto de 1982, cuando acababa de terminar la Guerra de las Malvinas. Ambas piezas obtuvieron un gran exito por parte del publico y de los criticos, y desde entonces han sido representadas con frecuencia en los escenarios nacionales e internacionales. En "Decir si" encontramos un patron frecuente en algunas de las obras de la autora: un hombre inocente llega a un lugar aparentemente inofensivo, una peluqueria. Un acto absolutamente rutinario sirve para hablar de represion y violencia, de sumision y servilismo, de victimizacion y su resultado. Tras la sencilla historia de "La malasangre" (una pareja de enamorados se fuga ante la oposicion del padre de la joven a la relacion amorosa) se esconde una denuncia del ejercicio arbitrario del poder, tanto en el espacio privado de la familia como en el socio-politico del Estado.

“Sea la publicación de este volumen la ocasión para descubrir a un autor singular y sus fascinantes aproximaciones al misterio del entusiasmo amoroso; la invitación también a incursionar en espacios

Teatro clásico

Las numerosas referencias que pueden encontrarse en los ensayos de Albert Camus (1913-1960) a personajes de “Los demonios” revelan con claridad que sintió siempre especial fascinación y aprecio por e

Diablo y Dios (1951), el personaje central Goetz, encarna magistralmente el mal.

Si Dante pren Virgili com a guia per a la seva travessia poètica, Pinter s'endinsa en el particular descens als inferns contemporanis que es "Terra de Ningú".

Un cuadrado amoroso divisible en triángulos es la base sobre la que Joyce, pone en conflicto la cuestión de la libertad humana. Exiliados es su única pieza teatral.

Drama estrenado en 1949, “Los justos” desarrolla, en el ámbito histórico de la Rusia zarista, algunos de los temas que obsesionaron a Albert Camus (1913-1960) a lo largo de su vida y que atraviesan c

H. C. Andersen transformó por su cuenta toda la prosa nórdica. No en sus novelas ni en sus piezas dramáticas. Lo hizo en sus cuentos. Ese estilo a sacudidas, rítmico, lógicamente irracional, peligroso, extraordinariamente vivo, nacido de la lengua hablada, rompio toda la gran tradicion de la prosa nordica Andersen fue el genial pionero que abrio el camino a una nueva prosa. Tendria muchos discipulos. August Strindberg aprendio a escribir su prosa en Hans Christian Andersen: muchas veces lo ha testimoniado y es facil comprobarlo si se observa con atencion. El a su vez creo nuestra prosa sueca moderna. Habia elegido el mejor modelo posible. El señor Andersen tenia dos idiomas. Uno sacado del pueblo, de su propia vida, de la lengua hablada, y de su inimitable sentido del ritmo. Ese idioma lo convirtio, para su asombro, en una celebridad mundial. El creia que los cuentos no eran literatura de verdad. No eran arte. El otro idioma, el del buen gusto, el elegante, era el que utilizaba en sus tozudos intentos de ser mundialmente conocido. Un idioma, si, eso es, completamente muerto.. Fragmento de "De la vida de las lombrices"