Libros de Artes Escénicas, página 32 de 98

Mi primer libro de danza española es un libro que pretende acercar la danza española a niños y jóvenes. Como no puede ser de otro modo, en este desarrollo se habla de las cuatro formas que la componen, de sus interpretes, coreografos, maestros, compañias de danza y ballets, para que el gran publico, tanto si estudia danza como si solo es un mero espectador, pueda conocer la danza española desde todos sus aspectos y con sus grandes protagonistas.El libro tiene tambien una parte enfocada al niño estudiante de danza española, en la cual se habla de la necesidad del calentamiento, las diferentes posiciones, el vestuario, la castañuelaCon un afan didactico y escrito desde profesionales de la danza (española y clasica), intenta llegar a estas edades con un texto asequible y una gran cantidad de imagenes.En Mi primer libro de danza española las fotografias tienen un gran protagonismo. Se han utilizado alumnos de Enseñanzas Elementales y Profesionales de danza de la Escuela Profesional de Danza de Castilla y Leon (Valladolid) para ilustrar el libro. El Museo de Mariemma ha permitido fotografiarles con los vestidos de esta importante bailarina y maestra de danza española y cuenta con imagenes de diferentes bibliotecas y archivos tanto publicos como privados.Mi primer libro de danza española es una invitacion a adentrarse en ella y conocerla en profundidad para apreciarla tal y como merece.

Pamela Howard, que ha trabajado en más de 200 montajes en el Reino Unido y en todo el mundo, explica en este libro las claves de la creación de un espacio escénico: el juego con el espacio, las pistas visuales que sugiere el texto, la investigacion y documentacion, el color y la composicion, el vestuario, la colaboracion con el director, el interprete y el espectador. Experta en la creacion de espacios escenicos en arquitecturas no teatrales aboga tanto por el recurso a las ultimas tecnologias como por la necesidad de un teatro sostenible. ¿Que es la escenografia? no solo documenta con ilustraciones la variadisima experiencia de la autora sino que rinde tributo a sus maestros e inspiradores: Leon Bakst, Caspar Neher, Robert Planchon

En la sociedad rígidamente estamental y jerarquizada de los siglos XVI y XVII en España, el honor es un ingrediente esencial que aglutina a todos los estratos sociales. El teatro de esa época no podí

Dos tratados "semi-filosóficos, semi-humóristicos" según William James, "Anatomía comparada de los ángeles" (1825) y "Sobre la danza" (1824) son dos textos de juventud escritos por Gustav Fechner bajo el seudonimo de Dr. Mises, editados por primera vez en castellano, que abren una puerta de costado al mundo de conceptos e imagenes del fundador de la psicofisica, cuyos estudios de la sensacion, sintetizados en la Ley de Weber-Fechner, constituyen la fuente de una psicologia emergente, de la que abrevaran tanto el psicoanalisis como la psicologia mas experimental y comportamentalista, pero tambien las llamadas "tecnicas somaticas"."Un pensamiento cuando se pone sensible", texto de Marie Bardet que cierra el libro, traza posibles ecos actuales de las imagenes conceptuales de sensibilidad y danza del mundo fechneriano para la filosofia y las practicas corporales y danzadas de hoy. Un mundo donde cohabitan romanticismo aleman e impulso positivista; donde viven seres extraños, como los angeles, ideales de una sensibilidad visual-tactil desplegada a lo largo de una serie no lineal de umbrales entre mineral, organico, humano; donde una joven adolescente sale a bailar, ignorando los sermones de su madre y del cura, y podra prescindir asi, segun Fechner, de todo medico.

Blanca por fuera y Rosa por dentro, estrenada en el Teatro de la Comedia de Madrid en 1943, fue uno de los grandes éxitos de público de su autor en su momento, aunque curiosamente no se ha representado con excesiva frecuencia desde entonces. Jardiel la consideraba una de sus más logradas producciones. Se trata de una comedia cómica basada en premisas psicológicas —que tan bien se le daban al humorista—, con muchas situaciones anómalas y personajes estrafalarios, llena de chispeantes diálogos y toda suerte de recursos humorísticos de primer orden. Es una de las piezas de madurez del comediógrafo, elaborada cuando se encontraba en uno de sus mejores momentos creativos. La presentamos aquí en una cuidada edición que satisfará a los muchos jardielistas de siempre y que provocará de seguro que los que se acercan por primera vez a la literatura de Jardiel Poncela descubran a uno de los más grandes autores del siglo XX y se conviertan en sus admiradores incondicionales. Enrique Jardiel Poncela (Madrid, 1901-1952) está considerado como el renovador del teatro cómico español. Su producción literaria abarcó todos los géneros, aunque se le conoce más por su labor como comediógrafo. Su humor era vanguardista y cosmopolita y dejó una impronta jardielesca en los humoristas posteriores. Sus piezas teatrales rompieron con la gracia verbal, localista y sainetesca que predominaba en la escena española del primer tercio del siglo XX y pusieron de moda el humor de situación, con un enfoque inteligente y atemporal complementado con elementos de inverosimilitud y absurdo. Hizo un teatro barroco, atrevido y ambicioso, con innovaciones en la estructura, amplio número de personajes, elaboradas escenografías y, sobre todo, un logrado afán de originalidad y renovación temática.

Independizado totalmente, Meyerhold llegó a ser el primer director teatral en un sentido moderno. Su labor renovadora alcanzó todas las facetas teatrales: cambió la disposición de la sala alterando las relaciones actor-público; experimentó en la escenografía, yendo de las más sutiles estilizaciones al constructivismo; fundó estudios y talleres para la formación del actor, intentando sacarlo del anquilosamiento del teatro burgués y aristocrático del siglo XIX y llevarlo a la máxima expresividad requerida por el actor moderno; modificó el espacio escénico, incorporó las enseñanzas del teatro Nô japonés y del teatro chino; intentó la utilización de elementos del music-hall, del circo y del cine (fue precursor del happening); experimentó con el ritmo musical y el movimiento de los actores. Todas sus investigaciones conducían a un solo objetivo: devolver al teatro su teatralidad, su convencionalidad.

"José A. Sánchez comparte sus ideas en torno a una serie de asuntos neurálgicos relativos a los mecanismos con los que se construye hoy la ficción: ¿qué significa representar?, el problema de la sinceridad, la violencia, la memoria, el humor, la fascinacion del mal, o bien, que incomoda mas la poesia o el documento Reflexiones y preocupaciones que el autor va devanando en capitulos quepueden ser leidos en secuencia o en el orden que se prefiera. Nos ofrece la oportunidad de asistir al estallido de propuestas no solo de Iberoamerica, sino tambien de Asia, Europa y paises arabes en una reflexion que ofrece maneras desafiantes y relevantes de examinar o responder a problematicas sociales de las ultimas decadas."

Este libro presenta un sistema de educación corporal aplicado a la pedagogía del movimiento en general y del actor en particular a través de la metodología creativa establecida por Marta Schinca dentro de la disciplina denominada Expresion Corporal o Tecn

Este libro establece amplias relaciones entre el espacio escénico y la representación alegórica de la mansión, destacando una breve historia de la escenografía y del jardín, para abordar un análisis simbolico y un estudio iconografico de los espacios poetizados por los escenografos-coreografos.Eduardo Blazquez Mateos es profesor titular en la Universidad Rey Juan Carlos, de Madrid, donde es docente en el Instituto Universitario de Danza Alicia Alonso. Ha sido profesor en la Universidad Autonoma de Madrid y en la Universidad de Salamanca. Es autor de celebres publicaciones entre las que brillan con luz propia Ofelias en el Cine-Aguas en el espejo, El reino veneciano de Tetis, Divino Escenario, El Velo de Tetis, El Renacimiento en Ciudad Real, Cesare Arbassia y la literatura artistica del Renacimiento o Viajes al Paraiso.

Esta obra, segunda edición de la publicada en 2009, estudia el trabajo de los artistas plásticos en la escenografía y el figurinismo de espectáculos de danza durante la conocida como Edad de Plata española. Este periodo de florecimiento cultural que tuvo lugar en las primeras decadas del siglo XX se manifesto en el ambito dancistico especialmente a partir de la primera visita de los Ballets Russes de Diaghilev a España en 1916. En las siguientes dos decadas, artistas como Pablo Picasso, Joan Miro, Maruja Mallo y Alberto Sanchez, entre otros muchos, colaboraron con coreografos, mºsicos, literatos e interpretes en repertorios de danza clasica, moderna y española de distintas compañias nacionales e internacionales. Esta investigacion, por tanto, trata de poner en valor la red interdisciplinaria tejida alrededor de los escenarios en la que se integraron los creadores e intelectuales de la modernidad y la vanguardia. Aunque el inicio de la Guerra Civil en 1936 dio al traste con numerosos proyectos y trayectorias, el legado de esta brillante etapa se convirtio en un referente cultural desde la posguerra y el exilio hasta el momento presente.

El gran actor de doblaje Javier Dotú, escribe l historia del doblaje desde sus comienzo hasta nuestros días. Un libro imprescidible para los que quieran saber los entresijos del arte de doblar a otro

El trabajo del actor sobre el papel continúa y cierra el ciclo iniciado con los otros dos libros de pedagogía teatral de Stanislavski. Los conceptos y argumentaciones expuestos de forma genérica en los volumenes anteriores se concretan aqui en casos practicos referidos a tres obras que dirigio el autor en el Teatro del Arte de Moscu: La desgracia de ser inteligente de Aleksandr Griboiedov, Otelo de William Shakespeare y El inspector de Nikolai V. Gogol. Puede decirse que, de la trilogia, este es el libro que de manera mas concreta y practica ayuda a los actores en su trabajo.

Llevábamos tiempo con la idea de incorporar el teatro a nuestra colección de libros ilustrados y nos parece que un excelente primer libro sería uno que reuniese los mejores carteles que el ilustrador y diseñador Isidro Ferrer ha ido creando para el CDN en los ultimos años, comentados por dramaturgos, actores, escenografos,etc.: Juan Echanove, Miguel del Arco, Andres Lima, entre otros muchos.En estos maravillosos carteles, Isidro Ferrer mezcla realidad, fotografia, ilustracion y diseño en extraños collages que, dentro de su sencillez, nos proporcionan una potente lectura de la obra. Texturas, tramas, madera,hierro, manchas de color, tipografias y mascaras son los materiales con los que ilustra las obras.

"Shokry Mohamed nació en El Cairo, Egipto, en 1951. Comenzó su carrera en 1963 como bailarín del grupo infantil de Danzas Populares de la TV egipcia. En 1970 entra a formar parte del Teatro Romeo Lahud de Beirut (Libano), como bailarin solista dentro del grupo de Sabad de Danza Popular, participando en giras y festivales por diversos paises del Mediterraneo.Afincado en españa desde 1974, realiza diversas actuaciones como bailarin y coreografo por la Peninsula y las Islas, y en 1981 comienza a impartir clases de danza en diferentes escuelas de Madrid. En 1987 funda el grupo Hispano Arabe de Danza, que actualmente dirige. En 1990 funda una Escuela de Danza Oriental, la primera que se establece en España, el estudio de Danza ""Las Piramides"".Desde entonces conjuga su labor docente como maestro al frente del grupo, con la de bailarin y coreografo, impartiendo seminarios y actuaciones en difentes capitales europeas, y en los ultimos años tambien en America: Chicago (U.S.A.), Santiago de Chile (Chile), Argentina y Brasil.Es autor del primer libro publicado en idioma español sobre la danza oriental : ""La Danza Magica del Vientre"", editado por Mandala ediciones , en Madrid , en el año 1995."

Por primera vez se publica en español, traducido de su original japonés, el tratado básico de la tradición teatral del Nö. El texto, redactado a principios del siglo XV para uso de los actores, sient

El tango: su historia y evolución, peuqeño y un tanto humilde libro de Horacio Ferrer, tiene el valor de marcar un hito en la zarandeada historia de la música empírica, repentista y provocadora del

Escrito con el didactismo que le caracteriza, este texto de auténtica referencia llega por fín al lector español en traducción directa del ruso, tal como el maestro lo concibió.

A través de 15 piezas breves situadas en distintas épocas históricas, el autor ofrece una visión crítica sobre la incompatibilidad entre la destrucción que la actividad bélica conlleva y la creación que el resto de actividades humanas tratan de conseguir. Publicada por primera vez en 2006, traducida al ingles y al frances, analizada en varios festivales europeos de teatro y estrenada en 2008 en Cadiz, se trata de la obra de Ignacio Pajon Leyra que mayor difusion nacional ha alcanzado.