Libros de Formación del actor, página 2 de 7

En este texto, fruto de más de cuarenta años dedicados a la formación de actores, Uta Hagen define los objetivos que debe perseguir un actor y proporciona las tecnicas específicas para lograrlos. Ofrece un sinnumero de ayudas practicas que han hecho de ella una de las pedagogas mas influyentes de Estados Unidos.

La Fura dels Baus es un colectivo teatral único en el mundo.Un libro de referencia sobre su trayectoria desde sus inicios hasta la actualidad.La dilatada biografía grupal de la Fura dels Baus -liderada por Jungen Muller, Alex Olle, Miki Espuma, Pera Tantiña, Carlus Padrissa y Pep Gatell- nos descubre como han transformado sus impactantes propuestas de los inicios en una marca internacional reconocida y con una agenda envidiable para los proximos años, tanto en teatro como en operaLa compañia a menudo combina multiples producciones de forma simultanea, y su trayectoria en el siglo xxi puede definirse como una correlacion simbiotica entre el cuerpo humano, cuerpos virtuales y una maquinaria escenica hipertecnologica.Con el deseo de informar al lector, de analizar las multiples facetas de La Fura dels Baus, en este libro conviven texto e imagenes, estas ultimas en forma de fotografias y enlaces para visionar secuencias audiovisuales de sus producciones. Tambien se analiza el interes academico internacional que despierta, como objeto de estudio, al ser un caso insolito de compañia liderada por varios directores y por su probada competencia en diversos generos escenicos, desde ceremonias olimpicas a propuestas de escena en linea.

Este libro es una exposición de las bases teóricas y prácticas de algunas de esas técnicas que vienen haciendo factible la existencia de actores y actrices. Una reflexión sobre sus fundamentos y sobre su sentido. Las relaciones que ideologia y tecnica expresan y como una determinada tecnica acaba al servicio de una ideologia especifica.Alguien podria suponer que son disquisiciones alrededor de la filosofia de la tecnica, yo pretendo que sean lugares de articulacion de la tecnica con el individuo, en torno a los cuales se realiza un analisis y una reflexion especificas. Esta distincion y separacion metodologica, si bien tiene fundamento en la practica, no puede tomarse como una realidad ontologica. La interpretacion es un todo, el actor es un todo, el personaje es un todo. El arte es un todo.Jorge Eines

La difusión del revolucionario sistema con que Stanislavsky enriqueció el teatro del s. XX, ha sufrido una serie de oscurecimientos que han dificultado su recta apreciación. Sólo pudo supervisar en vida la primera parte de su libro. El trabajo del actor sobre si mismo. La vision de su trabajo es incompleta sino se la considera conjuntamente con El trabajo del actor sobre su papel. La aproximacion norteamericana tiene su fuente en un encuentro de pocas semanas entre el mismo Stanislavsky y Stella Adler en un momento en que las investigaciones del director ruso no habian alcanzado el contraste a que las sometio mas tarde. La mayor parte del conocimiento que tenemos de Stanislavsky llega a España y Latinoamerica a traves de la version estadounidense que soslaya la enorme importancia del habla escenica reduciendola a la mera interioridad. La prueba a que fue sometido el sistema por E. Vajtangov, V. Meyerhold y M. Chejov hizo revisar al gran maestro sus aproximaciones; y asi surge al final de su vida el sistema de las acciones fisicas donde la aceleracion del proceso de construccion del personaje se halla en la elucidacion fisica de la accion, mucho mas potente que la elucidacion psiquica a la que hasta entonces se habia dado preeminencia. Maria Osipovna Knebel fue discipula directa de Stanislavsky, compañera y amiga de E. Vajtangov y M. Chejov, de quien edito su legado fundamental, El arte del actor. El Ultimo Stanislavsky el analisis activo es una extraordinaria herramienta empleada por muchos directores de todo el mundo, que ya da sus frutos en los trabajos de la Abadia y que en la practica se convierte en una guia esencial para el actor, un mapa para orientarse en el oceano de palabras que es el texto teatral.

El arte dramático es un arte de síntesis; las ideas y pensamientos se expresan a traves de medios complejos, pero la palabra sigue siendo la principal forma de influir en el espectador. El dominio de la palabra en la creacion actoral implica un estadio superior de la evolucion artistica del actor. Este libro constituye un utilisimo inventario y reportaje de los hallazgos hechos en un proceso unico: el de la busqueda de la palabra escenica de forma que la frase no sea conducida racionalmente en el momento de su emision, sino que sea soltada, liberada al encuentro del interlocutor, revelando toda la calidad formal que le ha conferido el autor mientras surge impregnada de los deseos, antecedentes y quehaceres del personaje. La palabra en la creacion actoral es una herramienta extraordinariamente operativa para cualquier actor; en el caso presente, providencial para los actores hispanos. Maria Osipovna Knebel, destacada actriz, directora y pedagoga rusa, nos brinda las claves para que nuestras palabras se entrañen, las cante el corazon. Asistimos con ella a las lecciones magistrales de Stanislavski y quiza con la ayuda de ambos podamos conseguir que el contacto verbal, la palabra en escena, sea siempre racional, productivo, energico y volitivo, que sea siempre accion. De la misma

Texto imprescindible para todo el que quiera dedicarse al teatro; un soberbio manual para actores." Marcos Ordóñez, El País "Una lectura apasionante, tan perspicaz sobre la psicología del mentir como

En este libro, el lector encontrará numerosas técnicas, recursos, reflexiones y consejos que le serán de gran utilidad para iniciarse en la maravillosa práctica de la Narración Oral y así ser capaz de contar todo tipo de relatos, cuentos y narraciones a u

Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causa de su empeño en desarrollar una concepcion teatral basada en la adecuada ambientacion de cada obra y en la preparacion psicotecnica del actor. LA CONSTRUCCION DEL PERSONAJE, su ultimo libro, fue publicado postumamente, y el tratamiento de los temas que en el se abordan la caracterizacion fisica de los autores, el vestuario, la expresion corporal, la plasticidad del movimiento, la contencion y el control, la diccion y el canto, la acentuacion y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la etica teatral, etc. da fe de la riqueza de experiencias, el talento didactico y el sentido dramatico del gran actor y director de escena.

Publicado en 1998 por primera vez, Verdadero y falso se ha convertido en un título de referencia para el actor y el creador actual que, a menudo, se ve confrontado con su propio trabajo frente al negocio del espectaculo.Verdadero y falso, herejia y sentido comun para el actor, apela al actor de una forma tan sincera como irreverente arremetiendo contra las vacas sagradas de la interpretacion, especialmente contra los valedores del Metodo Stanislavski y los agentes del negocio teatral, para proponerle nuevas formas de valorar y acercarse a un personaje, de trabajar con el texto, de aprovechar los ensayos y las audiciones y de sobrevivir, con la maxima cordura, en el negocio de la interpretacion conservando y protegiendo tanto la dignidad personal como el compromiso actoral.

El principal objetivo de este manual es crear un método de trabajo con el texto, desde su primera lectura hasta conseguir su encarnación, su oralización más humana, sólida y profunda posible. Está dirigido, fundamentalmente, a actrices y actores que quieran ahondar en el trabajo del decir, de la palabra hablada, de la palabra artistica en su comprension fisico-organica, en el dominio de su musicalidad y de sus posibilidades expresivas y comunicativas. Entender el texto como partitura y el cuerpo como el instrumento que la interpreta. Un cuerpo que, para la consecucion de la belleza sonoro-expresiva, se ha de construir de manera consciente, consecuente y adecuada. La voz del texto. Biomecanica de la palabra hablada muestra como desde el texto se principian y mantienen todas las posibilidades constructivas del personaje, independientemente de la deriva individual que adopte cualquier interprete en su desarrollo creativo. Señala como la actividad basica que el texto nos propone, ya conforma los fundamentos biomecanicos y organicos del personaje que vayamos a construir, independientemente de la dramaturgia, de la direccion, del estilo, etc., que hayamos elegido.

"No he permitido nunca la presencia de extraños al equipo en el proceso de preparación de ese acto de amor que es el teatro. Durante los ensayos los actores deben desnudarse, relajarse para sentirse libres y crear sin temor al ridiculo, sin miedo a equivocarse. Por eso el ambiente debe ser protector, sin miradas ajenas [...]. Eso de 'la catarsis' que los antiguos griegos dijeron que era una purificacion".Jose Carlos Plaza, el director de escena mas galardonado de su generacion, abre las puertas de su conocimiento en este libro, un tesoro para profesionales y un testimonio unico para todo interesado en el proceso de creacion y en el oficio de contar historias, para dejar que el lector entre en lo que considera mas secreto: el ensayo de una obra de teatro. Ese momento medio magico, medio cientifico, en que un texto escrito pasa a hacerse carne se nos desvela aqui de la mano de un hombre que ha pasado su vida dirigiendo espectaculos. Con juegos, anecdotas y analisis de texto ineditos, el libro revela tanto el laborioso entrenamiento de actores y actrices como el placer que significa vivir una situacion imaginaria, y abandonar un yo mas pequeño para revelar su inmenso yo creador. El objetivo: conseguir que el espectador salga transformado de una funcion teatral.

Un texto de referencia ineludible, tanto en el ámbito de la creación teatral como en el del activismo político, la psicoterapia, el arte y la educación social.

Cuerpos en escena se adentra en distintas formas de expresión que se materializan a través del lenguaje del cuerpo. La intención de todo artista es trascender, más allá de la forma plástica o de una tecnica u otra, trasmitiendo aquello que mueve, conmueve y estimula el imaginario del espectador. Desde ahi se configura una tematica comun, que se refiere al estudio del lenguaje escenico cuyo soporte es el cuerpo. Para poder dar forma visible a sus vivencias, el actor se vale de ciertas herramientas que le permiten afrontar el lenguaje corporal a partir de su propia identidad. Cuerpos en escena no trata el cuerpo como instrumento, sino que analiza las herramientas con las que el actor corporal puede dar forma y contenido a sus movimientos. La Interpretacion en el Teatro del Gesto; la Expresion Corporal; el Mimo y la Pantomima; la Comedia del Arte; la Danza; la Esgrima; la Acrobacia y el Clown son algunos de los ambitos abordados en este trabajo. El camino es delicado para no caer en lo excesivamente tecnico, ni en lo excesivamente espontaneo y superficial. Encontrar el justo equilibrio entre la practica y la teoria, conocer distintos aspectos creativos desde donde surge el lenguaje corporal y a los que puede conducir marcan los objetivos de este volumen.

El objetivo de este libro es que el lector adquiera las habilidades tecnológicas digitales que promuevan, faciliten y mejoren la empleabilidad y el desarrollo de negocios, en particular promovidos por mujeres conciliando su vida familiar y profesional, de acuerdo con el Marco de Competencias Digitales para la Ciudadania de la Union Europea.

Las ideas de Gordon Craig estaban muy por delante de su tiempo. Creía en el director escénico como el creador definitivo, que debía dar unidad a las puestas en escena. Propuso un arte del teatro en el que la realidad, en lugar de ser reproducida mimeticamente, seria revelada y desentrañada por las alegorias. Creo el concepto del actor como supermarioneta, cuyas acciones no tendrian que estar motivadas psicologicamente, sino que deberian ser simbolicas. El actor debe ser como una mascara para que el publico termine de dilucidar. La supermarioneta propuesta por Gordon Craig es un concepto teorico, una figura ideal que sirve como modelo de sugerencia estetica que permite una nueva mirada sobre el trabajo del actor. Y las reflexiones que sirven de base para la formulacion de dicha figura abren, todavia hoy en dia, un enorme y riquisimo campo de experimentacion en el arte del teatro que no deberia ser desaprovechado por los creadores. Las ideas de Gordon Craig respecto del culto de la personalidad del actor y su critica radical del realismo tienen enorme significacion hoy, cuando el arte del teatro muchas veces esta contaminado con las formas provenientes de los medios de comunicacion masiva, que solo ofrecen modos de expresion uniformes y condicionados. La indagacion sobre u

Estamos ante una serie de extraordinarias clases magistrales que incluye numerosos ejercicios, que Chejov ofreció en su estudio en Nueva York en 1941 para el entrenamiento de actores profesionales en su tecnica y filosofia de la interpretacion que, si inicialmente se derivaron de su trabajo con Stanislavski, mas adelante adquiririan un distintivo muy personal. A lo largo de catorce capitulos, que se corresponden con las catorce historicas lecciones que tuvieron lugar en Nueva York, Chejov va revelando los aspectos mas desconocidos de su tecnica actoral a partir del trabajo con diferentes escenas. Este libro abre las puertas a un fascinante campo de exploracion personal a traves del cuestionamiento de las leyes basicas de la interpretacion. Lecciones para el actor profesional es un texto unico que nos permite adentrarnos profundamente en la tecnica y la filosofia de trabajo de Michael Chejov.

2ª Edición revisada y completadaAgrupa los 2 tomos en que se dividía anteriormente. Recoge todas la conferencias correspondientess al GA282. “Doce años de trabajo intensivo han pasado desde que Rud

¿Por qué se pretende que la actuación sea una mera copia de lo real? ¿Podemos concebir la técnica como construcción de algo que no es ni calco, ni forma preconcebida, ni algo existente antes de que el actor lo construya? Los encuadres teoricos que se pr

Sete ensaios que ofrecen unha visión pormenorizada de aspectos importantes no proceso creativo da montaxe teatral. A partir da súa propia experiencia como profesora de teatro e como directora de escena, Anne Bogart ofrece unha vision pormenorizada de aspectos substantivos do proceso creativo na montaxe teatral. Prestaselles especial atencion aos aspectos mais relacionados coas ferramentas e actitudes necesarias para afondar nun proceso creador que sempre e diferente e no que non caben receitas. Unha viaxe arredor dos grandes desafios que debe enfrontar calquera persoa que queira crear unha arte escenica chea de vida e presenza.