Libros de Arte contemporáneo, página 43 de 167

Traducción María Luz Rodríguez

Este volumen trata del período que comprende desde el neoclasicismo al impresionismo, abarcando todas las manifestaciones artísticas que se incluyen habitualmente en los currículos de Historia del Arte (Arquitectura, Pintura y Escultura).

Catálogo de la exposición "2Move. Video Art" dirigida por Mieke Bal y Miguel Ángel HernándezNavarro, presentado en Murcia, Holanda, Irlanda y Noruega.

Per què, malgrat l'extraordinari auge que va tenir la pintura a Espanya des de 1948, no va arribar a crear-se un «art franquista»? Per què els joves artistes espanyols van poder fer carrera a la Pení

Galería de autores es una pequeña enciclopedia de los protagonistas que crearon el Modernismo barcelonés. Arquitectos, pintores, escultores, escritores, ebanistas, grafistas, y también promotores, mecenas, financieros... Todas las personas que, con su esfuerzo y su pasion por crear un arte nuevo, hicieron posible que hoy Barcelona sea considerada la capital mundial del Modernismo. Este libro es el complemento ideal de la guia de la Ruta del Modernismo de Barcelona, una herramienta indispensable para conocer y comprender el movimiento cultural y artistico que caracteriza a la Cataluña de finales del siglo XIX y principios del XX.

Las obras de los expresionistas, futuristas, constructivistas, dadaístas, surrealistas, las obras de los artistas neoplásticos y de los puristas, informalistas, expresionistas abstractos, realistas, pop y conceptuales, todas ellas "hablan" de asuntos diversos, del sexo, la crueldad, la violencia, la explotacion, las diferencias de genero, la alienacion, la guerra, los prejuicios, el consumo, la banalidad, las maquinas y la velocidad, los valores sublimes, la sociedad mas justa, y la mas injusta, etc. "Hablan", igualmente, de la belleza y de los modos de mirar, de la ironia y de la belleza, de la indiferencia y del compromiso, de la distancia y el entusiasmo, es decir, de un conjunto de valores y actitudes que en todos esos Otemas" tienen mucho que ver con el lenguaje, pero tambien con la vida cotidiana.

Desde el romanticismo, el bufón, el saltimbanqui y el payaso han sido imágenes hiperbólicas y a propósito deformantes con las que los artistas han querido mostrarse a sí mismos y exponer la propia naturaleza del arte. Se trata de un auto­rretrato encubierto, cuya intención no se limita a la caricatura sarcástica o dolorosa. Una actitud tantas veces repetida, que se reinventa de forma tan obstinada a lo largo de tres o cuatro genera­ciones, no debe pasar desapercibida a nuestra atención. El juego irónico se emplea como inter­pretación de uno mismo por sí mismo: es una epifanía ridícula del arte y del artista. La crítica a la honorabilidad burguesa tiene, así, su equiva­lente en la autocrítica dirigida contra la propia vocación «estética», uno de los componentes que se debe reconocer como característico de la «modernidad», desde hace algo más de cien años.

Británico de origen irlandés, Francis Bacon fue uno de los pintores más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Sus cuadros perturbadores y su carácter incisivo le rodearon siempre de polémicas. A sus 82 años y desoyendo la opinion de su medico, viajo una vez mas a Madrid para visitar a su amante. Alli fallecio de forma imprevista, el 28 de abril de 1992. Este libro es el monologo hipnotizante de una voz, la de FB, que en esos momentos finales, repasa su pasado y se asombra de su presente. Consciente de su egoismo y de su genialidad, habla del supremo esfuerzo de pintar contra la muerte, de los bares elegantes y de los antros donde busco el placer y el dolor. Ficcion literaria y no verdad historica, nos arrastrara un flujo de palabras que se concreta, se repite y se emborrona como su propia pintura

En Las técnicas del observador, Jonathan Crary proporciona una perspectiva completamente nueva sobre la cultura visual del siglo diecinueve, reevaluando los problemas del modernismo visual y la modernidad social. Invirtiendo el enfoque convencional, que suele considerar el problema de la visualidad a traves del estudio de obras de arte e imagenes, este texto se concentra en el analisis de la construccion historica del observador. Crary insiste en que el problema de la vision esta ligado al funcionamiento del poder social y examina como, desde la decada de 1820, el observador se convierte en la sede de nuevos discursos y practicas que situan la vision dentro del cuerpo, como un acontecimiento fisiologico. El autor señala que junto a la repentina aparicion de la optica fisiologica, se desarrollaron teorias y modelos de "vision subjetiva" que dotaron al observador de una nueva autonomia y productividad, abriendo tambien el paso a nuevas formas de control y estandarizacion de la vision. Crary examina en detalle toda una serie de obras provenientes de la filosofia, de las ciencias empiricas y de una cultura visual emergente, ofreciendo ademas un extenso comentario sobre la importancia especifica de aparatos opticos e instrumentos pre-cinematograficos como el estereoscopio. Crary demuestra que estas formas de cultura de masas, que normalmente se etiquetan de "realistas" se basaban en modelos abstractos de vision, sugiriendo que las nociones de la vision y la representacion mimeticas o perspectivistas, fueron abandonadas en la primera mitad del siglo diecinueve, mucho antes de la aparicion de la pintura modernista en las decadas de 1870 y 1880.

Juan Alfonso Contreras abarca la escena plástica andaluza del siglo XXI mediante una poética elaborada a partir de la obra de 73 artistas a los que ha entrevistado entre los años 2020 y 2023. A través de la charla sosegada, de preguntas oportunas y respuestas meditadas, se da cuenta de sus trayectorias y se pone en claro los retos a los que se enfrentan, al tiempo que asoman sus reflexiones sobre el mundo contemporaneo. Adicionalmente, el libro incluye obras de todos los artistas que ellos mismos han seleccionado.Los artistas son la esencia de este libro. A lo largo de las 470 paginas de este volumen, el autor agrupa a creadores vivos, andaluces o estrechamente vinculados a Andalucia, de diferentes generaciones y disciplinas. Algunos poseen los mas importantes galardones de las artes plasticas y todos cuentan con dilatadas trayectorias profesionales y con un amplio reconocimiento, estando sus obras en muchos casos en importantes museos y colecciones. Se trata de nombres conocidos que abarcan un espectro generacional desde Luis Gordillo o Miguel Rodriguez-Acosta hasta el joven Manuel M. Romero.Tambien la Academia de España en Roma tiene un hueco en esta publicacion, dado que han sido muchos los artistas andaluces que han pasado por esta importante institucion cultural; Juan Al

Cinco meses después del triunfo de la Revolución rusa, los nuevos gobernantes nombraron a artistas como Malévich, Kandinski, Tatlin o Chagall para ocupar importantes puestos en el recién creado Comisariado del Pueblo para la Instruccion Publica. Estos vanguardistas pretendian transformar calles y plazas, la educacion y, en ultima instancia, a las propias personas. Sin embargo, su intento de llevar el arte a la vida no acababa de cuadrar con la interpretacion bolchevique de una cultura revolucionaria, lo que hizo que no tardase mucho en resquebrajarse la confianza entre ambos.Primera obra que aborda la asombrosa historia de la vanguardia rusa en su conjunto. De la mano de un numero sin precedentes de cartas, diarios y recuerdos, muchos de ellos ineditos, ofrece un vibrante y conmovedor retrato de estos excepcionales artistas y de una epoca irrepetible.

¿Qué es normal en la vida y en el arte? ¿Qué es normal en la sexualidad, en la academia, en el museo? El arte, con su potencia de ruptura y extrañamiento, ha sido siempre un espacio privilegiado para poner en tension las reglas sociales de la normalidad. Para revelar en imagenes la complejidad de un mundo vasto y diverso. Y, sin embargo, ¿es capaz de cuestionar sus propias normas, sus vias de consagracion, sus instituciones, sus publicos? Diversidad y arte latinoamericano se detiene justamente alli, para recorrer la obra de artistas que, de distintas maneras, rompieron el techo de cristal, quebraron las limitaciones que dificultaban su visibilidad, transgredieron el canon.

El punctum de Roland Barthes es un texto imprescindible para todos aquellos interesados en la fotografía contemporánea, en la obra de Barthes y la teoría del arte más fecunda del siglo XX. En este arriesgado ensayo, Michael Fried realiza una lectura de La camara lucida de Roland Barthes, descubriendo afinidades entre esta y algunos motivos centrales de su propio pensamiento (principalmente, los formulados en su celebre Arte y objetualidad, de 1967). Cuestionando la recepcion mas extendida del texto barthesiano, que se ha centrado casi siempre en el punctum como catalizador de una respuesta subjetiva en el espectador, Fried reenmarca este concepto en una tradicion de antiteatralidad que se remonta hasta Diderot y de la que el mismo es su principal exponente contemporaneo. De hecho, segun Fried argumenta en estas paginas, el punctum funcionaria como una garantia ontologica de la anti-teatralidad de la fotografia. Partiendo de este punto, Fried arriba a algunas conclusiones ultimas de La camara lucida que el propio Barthes no se aventuro a formular.

Carl Einstein fue el primero en escribir sobre las claves formales del arte negro? ?y sobre el alcance revolucionario del cubismo. Las obras y los planteamientos estéticos de Picasso, Braque, Gris, Klee, Leger, Kisling, Schlichter, Dix, Grosz, Beckmann, Masson, Arp o Miro son analizados en estos textos con extraordinaria lucidez desde la siempre espinosa contemporaneidad. Los escritos que recoge este volumen constituyen un documento clave de primera mano para ahondar en la epoca vertiginosa de las vanguardias, en la que el arte tambien era una revolucion.

Una mirada al mundo del muralismo y el grafitti a través de la obra de más de 85 de los mejores artistas de Grafitti del mundo.

Entre 1890 y el comienzo de la Primera Guerra Mundial se desarrolló un nuevo estilo internacional en arquitectura y diseño. Siguiendo el ejemplo del movimiento Arts and Crafts inglés, los representantes del Art Nouveau se volvieron contra los excesos eclecticos del historicismo y les opusieron formas organicas, ornamentacion vegetal y construcciones funcionales. Este volumen muestra lo mas destacado del Art Nouveau en Alemania, Austria, Bohemia, Hungria, Italia y Suiza.----"Zwischen 1890 und dem Beginn des Ersten Weltkriegs entwickelte sich in Architektur und Design ein neuer internationaler Stil. Nach dem Vorbild der englischen Arts-and-Crafts-Bewegung wandten sich die Vertreter des Jugendstils gegen die eklektischen Auswuchse des Historismus und setzten ihnen organische Formen, Pflanzenornamente und funktionale Konstruktionen entgegen. Der Band zeigt die Hohepunkte des Jugendstils in Deutschland, Osterreich, Bohmen, Ungarn, Italien und der Schweiz."----Between 1890 and the beginning of the First World War, a new international style developed in architecture and design. Following the example of the English Arts and Crafts movement, the representatives of Art Nouveau turned against the eclectic excesses of historicism and opposed them with organic forms, plant ornamentation and functional constructions. This volume shows the highlights of Art Nouveau in Germany, Austria, Bohemia, Hungary, Italy and Switzerland.

En este libro se defiende la idea de que las transformaciones artísticas de la modernidad nos ayudan a comprender en qué consistió el sistema que se ponía en cuestión, y a la inversa, pues es en el marco de la tradición donde adquieren sentido las revoluciones creativas de los últimos cien años. El (des)orden del arte moderno se evidencia así en unos pocos asuntos nucleares: emergencia y expansión del modo «panóptico» de visión; aparición del movimiento real superando al movimiento congelado o ilusorio; atención a los distintos primitivismos como alternativas al prestigio paralizante del canon occidental; autonomía creciente del objeto real frente al ficticio, con la irrupción, más reciente, de los entes virtuales; apropiación del suelo como territorio horizontal de la creación; y finalmente, reevaluación de la noción benjaminiana del aura, que no se perdió en las sociedades actuales sino que se habría extendido a cada reproducción o a cada gesto creativo. Juan Antonio Ramírez sostiene que si la modernidad ha producido algo comparable al orden visual renacentista, vigente durante varios siglos, no parece lógico aceptar su clausura a las pocas décadas de su nacimiento. El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo en la perspectiva histórica de «la larga duración», superando al «tiempo corto» de los acontecimientos privilegiado por la crítica de arte habitual.

Marcia Tucker murió demasiado joven. A los sesenta y seis años tenía detrás más de cuarenta dedicados al arte. Comisaria del Whitney Museum, y fundadora en 1977 del New Museum, para desarrollar las ideas, tendencias y lineas de trabajo que no encontraban cabida en las instituciones tradicionales. Critica, conferenciante, agitadora cultural y descubridora de talentos como el de Bruce Nauman (una de cuyas obras adorna la cubierta de este libro). La muerte le llego con una hija adolescente, un marido diecisiete años mas joven y muchas ganas de seguir escribiendo, organizando exposiciones, llevando la contraria y hablando de arte hasta el amanecer. Marcia Tucker murio demasiado joven, a pocas paginas de acabar este libro donde cuenta su vida corta y complicada, que tambien es divertida y conmovedora. Un testimonio impagable, y de primera mano, sobre el arte del ultimo medio siglo.

New Humans traza una historia diagonal de los siglos XX y XXI a través de la obra de más de 150 artistas, escritores, científicos, arquitectos y cineastas, destacando momentos clave en los que los dramaticos cambios tecnologicos y sociales impulsaron nuevas concepciones de la humanidad y nuevas visiones de su posible futuro. El libro, y la exposicion que lo acompaña, que inaugurara el edificio ampliado del Nuevo Museo, diseñado por OMA/Rem Koolhaas y Shohei Shigematsu, conecta la era de los automatas con la floreciente era de la IA generativa y reune una procesion de humanos que se convierten en maquinas y maquinas que se convierten en humanos. Presenta obras nuevas y recientes de: Sophia Al-Maria, Lucy Beech, Cyprien Gaillard, Pierre Huyghe, Tau Lewis, Daria Martin, Wangechi Mutu, Precious Okoyomon, Berenice Olmedo, Philippe Parreno, Hito Steyerl, Jamian Juliano-Villani y Anicka Yi en el contexto de obras de artistas y figuras culturales del siglo XX, incluidos Francis Bacon, Constant Nieuwenhuys, Salvador Dali, Ibrahim El-Salahi, H.R. Giger, Kiki Kogelnik, Hannah Hch, Tatsuo Ikeda, Gyula Kosice, El Lissitzky, Lennart Nilsson, Eduardo Paolozzi, Carlo Rambaldi, Germaine Richier y Elsa von Freytag-Loringhoven Ensayos de: Aaron Betsky, Gary Carrion-Murayari, Erin Christovale,