Libros de Teoría y crítica de arte, página 35 de 166

Arte y postfordismo. Notas desde la Fábrica Transparente es un ensayo que propone una reflexión sobre el arte a través de su relación con las formas del trabajo surgidas del orden económico contemporaneo. Partiendo de un ejemplo que es a la vez metafora de los desplazamientos aparecidos en esa relacion -una teatralizada fabrica con paredes de cristal y suelos de parquet que la marca Volkswagen inauguro en Dresde en 2001-, el autor esboza un escenario de mutaciones e interrogantes con los que lidia simultaneamente el espacio artistico y el pensamiento politico. Un trayecto que viene trazado aqui desde la imagen, como produccion y como critica de la imagen que nuestra epoca produce de si misma.

En el libro Recuerdos y Bellezas de España, ideología y estética, se dan la mano la literatura y el arte, la historia y el costumbrismo. Tres décadas del siglo XIX están reflejadas en doce volúmenes y en más de quinientas litografías, dibujadas del natural por el artista barcelonés Francisco Javier Parcerisa. Todo un hito para una época difícil y controvertida. El libro es sólo un modesto acercamiento a esta serie documental redactada por Pablo Piferrer, José María Quadrado, Francisco Pi i Margall y Pedro de Madrazo. Estos escritores románticos y realistas intentan rescatar del pasado y de las consecuencias de los conflictos - guerra carlista y desamortización de Mendizábal - los monumentos artísticos de España más representativos de las épocas medieval y renacentista.

Da Vinci busca la caída ligera de un pie que se posa, el esqueleto silencioso de la carne, las coincidencias al caminar, todo el juego superficial del calor, y la frescura rozando la desnudez..., fundidos sobre un mecanismo. Y la cara, luminosa e iluminada, la mas particular de las cosas visibles, la mas magnetica, la mas dificil de mirar sin querer leerla, lo posee. En la memoria de cada uno, existen vagamente centenares de rostros y sus variaciones. En la de Leonardo estaban ordenados y las fisonomias se siguen unas a otras; de una ironia a la otra, de una sabiduria a otra menor, de una bondad a una divinidad, por simetria. Da Vinci hace decirlo todo, la mascara en la que se confunde una compleja arquitectura con distintos motores, debajo de una piel uniforme.

Los autores reflexionan aquí sobre el enigma del artista, el misterio y la magia que siempre le han acompañado, y lo hacen desde una perspectiva no psicológica sino sociológica, sin duda más novedosa y atrayente por su estrecha relación con las investigaciones y los testimonios históricos. En diversas épocas se han creado leyendas y perjuicios que tienen un origen común y condicionan las biografías que de ellos han llegado hasta nosotros. Los temas básicos tratados son la conversión del artista en héroe en esas biografías, el artista como mago y la posición especial del artista en la biografía.

Esta obra inaugura un nuevo campo de la historia de la pintura: el detalle, visto inopinadamente o poco a poco descubierto, identificado, aislado, separado de su conjunto, pone en cuestión las categorias de la historia del arte que parecen haber sido establecidas de antiguo. Estudiando los diferentes estatus del detalle, Arasse propone otra historia de la pintura: una historia mucho mas cercana a las practicas del pincel y a la mirada.

En la actualidad, el arte puede liberar al hombre de su confusión devolviéndole lo que ha perdido: éste fue el mensaje de Kandinsky, fundador de la pintura abstracta. No se trata de representar el mundo de los objetos, sino nuestra vida interior. ¿Como pintar y hacer ver las emociones ocultas de nuestras almas, como mostrar lo invisible? Considerada dificil, la pintura abstracta abre paradojicamente el camino hacia una cultura verdaderamente popular y confluye con el arte preocupado por lo sobrenatural, con el arte sagrado, como nos explica Michel Henry.

En 1929 la revista Varietes publicaba un insólito "Mapa del mundo en la epoca de los surrealistas", cuya cartografía dislocada, de fronteras sorprendentes, anunciaba otras futuras puestas en cuestión de las practicas narrativas consensuadas en nuestra cultura. Y es que transgredir el mapa equivale a revisar el mundo, porque el mapa no es sino el producto de cierto diseño "a la carta" que se propone e impone desde el poder. El cartografo no es el ser ausente y omnisciente que ha tratado de presentar la tradicion: la geografia es combativa. Siguiendo el rastro de las cartografias codificadas, el presente libro plantea el uso de los mapas entre los artistas actuales como un arma arrojadiza contra las narrativas impuestas y sus trampas, implicitas y heredadas. Se trata de abordar el analisis de las metaforas espaciales, mostrando la imposibilidad de que puedan presentarse como formulaciones neutrales, apoliticas.

En los escritos, surgidos un tanto al albur de la ocasión, van apareciendo personajes y lugares tan variados como Manet, Velazquez, Breton, Carlos Franco, Baudelaire, Picasso, Bonnard, Gutiérrez Solana, Freud, Giacometti, Jaime Lorente, Marquet, Juan Navarro Baldeweg, Matisse, Blinky Palermo, Seurat, Gomez de la Serna o Kandinsky, entre otros cientos, ocupando territorios tan ajenos como el Museo del Prado y Liliput, el Rastro y la Bauhaus. Entre todos ellos, sin embargo, se teje una trama comun que reivindica la naturaleza esencialmente carnal de la experiencia artistica.

Warhol ha marcado la escena artística y social de los últimos treinta años. Nombre señero del Pop-Art en los sesenta, impulsor de aventuras vanguardistas en su célebre Factory –desde bandas de rock c

Desde Rodney, el cangrejo ermitaño que habita en una bola de cristal, hasta el Palacio de Cristal de la era victoriana, Celeste Olalquiaga nos ofrece una reflexión sobre el kitsch, sus orígenes y el modo como afronta los conflictos entre lo real y lo artificial, la tradicion y la modernidad, o sobre la nostalgia y la melancolia. La autora rastrea el kitsch en sus inicios, a mediados de 1800, y lo define como una sensibilidad ante la perdida. Se trata de un anhelo por objetos que ayuden a capturar de nuevo el pasado y resalta el hecho de que dichos objetos responden a una necesidad humana profundamente arraigada: la busqueda de un significado y una conexion con la naturaleza. El reino artificial esclarece de manera fascinante este aspecto de nuestra cultura, en un intento de recuperar todo aquello que la industrializacion se llevo para siempre.

Premio Internacional de Ensayo 2008 Circulo de las Artes. Presenta las preguntas clave de novelistas, poetas, filósofos y artistas acerca del lugar de la imagen y la imaginación en un mundo convulso.

La colección de vidas de santos que conocemos por el nombre de La leyenda dorada es en su mayor parte -hay añadidos de épocas posteriores- obra de Santiago de la Vorágine (h. 1228-1298), dominico italiano que llego a ser arzobispo de Genova. De intencion edificante, constituye una de las mas claras expresiones de una literatura cristiana que, situandose muy lejos del discurso teologico e incorporando narraciones piadosas que en ocasiones se remontan a los siglos IV, V y VI, conectaba con el alma popular mediante la sabia fusion de historia y leyenda y de espiritualidad y materialidad. El gusto por el detalle visible y palpable que impregna estos relatos recorre asimismo la serie de xilografias que ilustra esta edicion, procedente de la traduccion italiana de la Leyenda que en Venecia publico Capcasa en 1494. La inclusion de La leyenda Dorada en Alianza Forma apenas precisa de justificacion. Ofrecer al lector español, y por primera vez, uno de los repertorios iconograficos mas utilizados por el arte occidental desde el periodo tardomedieval hasta el siglo XIX tiene un indudable interes tambien para los estudiosos de la iconografia y del arte en general. La Leyenda, termino que no conlleva aqui significacion alguna de fantasia o ficcion, sino la etimologia de lo que se debe leer, ha sido traducida directamente del latin por fray Jose Manuel Macias, O.P.