Libros de Teoría y crítica de arte, página 4 de 166

Athanasius Kircher (1601-1680) es uno de los últimos grandes ejemplos del sabio universal que domina todas las ciencias de su época y, sin duda, el más característico del siglo XVII. Barroco como su tiempo, en sus obras abarca tematicas tan diversas como la egiptologia, la sinologia, el magnetismo, la vulcanologia, la optica, la mecanica, la acustica, la logica combinatoria y la scientia universalis. En su Arca de Noe y en su Torre de Babel, Kircher reconstruye arqueologicamente, con una minuciosidad plena de desbordante fantasia, los primeros pasos de la humanidad. En su Latium, confecciona una preciosa y erudita guia turistica de los parajes y monumentos que rodean a Roma. En su Museo del Colegio Romano de los jesuitas dio cita, a lo largo de una buena parte del siglo XVII, a eruditos, principes y artistas llegados de toda Europa. Su Musurgia universalis fue el tratado de musica mas completo de su epoca y el que gozo de mayor difusion. Otro tanto puede decirse de su China ilustrada, autentica suma de sinologia, o de ;dipus Aegyptiacus, en el que intento descifrar los jeroglificos egipcios.Admirada en toda Europa, la colosal obra de Kircher se desglosa en una impresionante sucesion de representaciones visuales del saber. Esta nueva edicion con 520 ilustraciones, a cargo de Ignacio Gomez de Liaño, recoge e...

L'art contemporani gaudeix d'actualitat. Es pot dir que no hi ha ciutat que no hi dedique un centre. Hi ha múltiples càtedres i projectes d'investigació destinats a estudiar-lo. Però, què significa e

Tras vender más de cinco millones de ejemplares de El camino del artista, Julia Cameron vuelve con El arte de escuchar, un viaje transformador hacia una escucha y una creatividad más profundas. Deja que este libro te brinde claridad, conexion y rumbo. Descubre una creatividad mas profunda y plena. EL ARTE DE ESCUCHAR es tu guia para la transformacion personal y creativa. Con el exito sin precedentes de El camino del artista, Julia Cameron cambio la vida de millones de lectores. Ahora ofrece un nuevo metodo de transformacion personal y creativa para escuchar mejor nuestro entorno, a los demas y a nosotros mismos. En seis semanas, a medida que cultivas la capacidad de escuchar el entorno y el silencio que te rodea, tu atencion sera mas acusada y ello redundara en tu sanacion, sabiduria y claridad. Por encima de todo, El arte de escuchar te ayudara a abrirte a un nuevo mundo de conexion y a una creatividad que se reflejara en todos los aspectos de tu vida. En unos tiempos de ruido innecesario, escuchar es avanzar en el camino del artista. La reina del cambio.The New York TimesReseñas de El camino del artista:Sin El camino del artista no existiria Come, reza, ama.Elizabeth Gilbert El camino del artista descubre y fomenta el artista que llevamos dentro... Si siempre has deseado perseguir un sueño creativo, jugar y crear con palabras o pinturas, esta obra te ayudara a iniciarte y aprender poco a poco todo tipo de tecnicas para prestar atencion; y en eso, al fin y al cabo, consiste ser un artista. Se trata de aprender a prestar atencion.Anne LamottEste es un libro que aborda un tema delicado y complejo. Quienes lo utilicen encontraran una valiosa herramienta para conectar con su creatividad.Martin Scorsese

42 pinturas de Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko y otros artistas para observar y entender. ¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostracion,todo se vuelve luminoso y accesible.El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras:Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko...Y el arte se torna limpido.42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDERAnalisis de la obra paso a pasoDetalles puestos de relieve42 PAGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AUN MASContexto historico y culturalCuadros complementarios

¿Cuál es el poder de los colores? ¿Cómo actúan sobre nuestra conciencia profunda? ¿Cuál es la situación creativa del hombre en nuestra sociedad actual? Kandinsky contempla la vida espiritual de la humanidad como una piramide, y el artista debe conducir al profano hasta la cima de esta piramide a traves del ejercicio conmovedor del arte. De lo espiritual en el arte es, ante todo, la respuesta personal de un gran artista ante las dificultades de su oficio y la necesidad de perfilar un esquema teorico en el cual apoyarse. Escrito en el año 1910, cuando Kandinsky justo acababa de pintar su primer cuadro abstracto, este libro es uno de los textos teoricos imprescindibles que cambiaron el curso del arte moderno. Wasili Vasilievich Kandinski (1866-1944) fue un pintor ruso, teorico del arte y precursor del arte abstracto. Estudio Derecho y Economia, y a partir de los 30 años se dedico en exclusiva a su pasion: la pintura. Estudio en Academia de Bellas Artes de Munich. Enseño en la escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde el año 1922 hasta que el regimen nazi la clausuro. Entonces se traslado a Francia, donde creo algunas de sus mejores obras.ECUERDA:a obra fundamental de uno de los grandes genios de la pintura

Pensar la imagen es el primer libro de una serie que recoge ensayos de autores provenientes de distintos países y tradiciones, dedicados a problematizar la visualidad en sus diversas modalidades. Átomos, celulas, galaxias, fosiles, afiches, memes, billetes, formulas matematicas, compuestos quimicos y un largo etcetera se estudian (se piensan) hoy junto a pinturas, peliculas, fotografias, performances, bocetos y otro largo etcetera. Este fenomeno atraviesa "Pensar la imagen", libro que seguramente se transformara en una herramienta ineludible no solo para quienes se preocupan por el lugar de la imagen, sino para cualquiera que se interese por la cultura contemporanea. Si el llamado giro visual (o iconico) es tal, subsumiendo, no anulando, el giro linguistico, ello se debe a que no esta, en principio, relacionado tanto con la proliferacion de imagenes ni con la sociedad del espectaculo, sino con el hecho de que las imagenes en si estan obligando a diversas disciplinas y campos de investigacion a preguntarse por ellas. La heterogeneidad de los objetos y miradas que aqui han sido seleccionados solo puede llega

Como en el cuadro de Hans Baldung, emblema y tema de este libro, la serpiente tentadora simboliza, en la finísima lectura que Mario Praz hace de nuestra imbricada tradición, la región más oscura del alma humana de la que surgen la melancolia, las perversiones, la neurosis, las fantasias aberrantes y los monstruos. A partirdel Romanticismo, todos estos motivos hermanan a una legion de artistas, desde Fussli y Poe, los prerrafaelitas, John Ruskin y Walter Pater, hasta J. A. Symonds, Vernon Lee, Walter de la Mare, DAnnunzio, Rodin y Proust. El apabullanteconocimiento de la literatura y la iconografia que posee Praz le permite desvelarnos las sutiles afinidades entre todos estos creadores e iluminar esa zona de la psique que los hermano y que no por oscura nos resulta mas ajena. Una obra monumental que completa la labor critica e historiografica iniciada en el clasico La carne, la muerte y el diablo en la literatura romantica, tambien publicado en esta editorial.

El contenido del libro se presenta en dos grandes periodos, una primera etapa desde los comienzos de la historia hasta mediados del siglo xx, un largo tiempo que se traduce en el lento despertar de la conciencia valorativa de los Bienes heredados. La segunda etapa, que se ocupa de la vision del Patrimonio desde la segunda mitad del siglo pasado hasta nuestros dias, se caracteriza por el amplio abanico de Bienes y con ellos los problemas derivados de su preservacion.

Con una indisimulada voluntad especulativa y ensayística, Imágenes sin mundo quisiera ser una propuesta hermeneutica orientada hacia ciertas zonas del arte moderno eclipsadas por los excesos formalistas. Donde se encuentran en perpleja disonancia la conciencia del mundo y las imagenes suplantandolo.

En muchas ocasiones manifestó Leonardo la voluntad de ordenar sus materiales y escribir un libro del agua, algo que nunca realizó. La presente edición de Patxi Lanceros y Juan Barja no pretende tanto restaurar dicho libro como dar cuenta de un trabajo que se prolongo durante toda la vida de Leonardo. Para ello, rescata y ordena multitud de fragmentos, tramando asi una diversidad de argumentos con los que recorre todos los registrosfisico, geografico, geometrico, literario. Al mismo tiempo, acompañando a su escritura torrencial, encontrara el lector en estas paginas la obra grafica (bocetos, esquemas, dibujos) relativa al liquido elemento: 79 ilustraciones a todo color donde Da Vinci muestra su genio artistico.

Existe la creencia, casi unánime, de que los artistas tienen una personalidad distintiva y de que siempre son y han sido egocéntricos, caprichosos, románticos, rebeldes, informales, licenciosos, estrafalarios, obsesionados por su trabajo y de dificil convivencia. Los historiadores del arte han contribuido poco a este tema, pues no consideran que el psicoanalisis sea util para las investigaciones historicas, lo que en cierto modo les ha privado de un conocimiento mas profundo, tanto del comportamiento de los artistas antiguos y modernos como de sus obras.Se trata, pues, de investigar cuando, donde y por que se creo una imagen tipica del artista en la mente del publico en general y cuales han sido sus rasgos distintivos y fortuna critica. La respuesta se ha buscado en el maremagnum de fuentes historicas: biografias, cartas y documentos, es decir, que la investigacion esta enfocada rigurosamente hacia la documentacion historica.

Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzo en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la linea que separa el arte y la artesania fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII.Tambien muestra como el sistema moderno sostiene su hegemonia asimilando a los artistas y a los musicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distincion entre artistas y artesanos, arte culto y artesania.

“Paul Valéry va anar més enllà de la filosofia literària encunyada per Edgar Allan Poe en la Philosophy of Composition i, més enllà d’analogies i comparacions, va insinuar, en aquest diàleg i en d’al

Erwin Panofsky se refirió en una ocasión a los criterios, ampliamente modificados a lo largo de la historia, por los que se consideraba "arte" a un cuadro barroco o se tendía a incluir también en el concepto a una blusa rumana del siglo xv. Este libro, en ultimo analisis, podria ser descrito simplemente como una deriva sobre los vinculos entre el "arte" y la "vida". A lo largo de la historia, la evolucion de las relaciones entre ambas ha llevado a veces a colocadas conjuntamente. De otra manera no podemos comprender la asimilacion de cualquier "arte" y cualquier "artesania", tal como la entendia la Edad Media. Tambien los medios de masas modernos situan a la par el arte y la vida, especialmente la television. En otras ocasiones el "arte" se ha segregado netamente de la vida; es notoriamente el caso de la cultura quizas todavia predominante. El proceso empezo socialmente: los pintores, los escultores, los musicos, los autores de teatro, reivindicaron para si mismos un estatuto diferente al de los encaladores, picapedreros, albañiles y carpinteros. "Nosotros somos intelectuales", "la materia que utilizamos es simplemente un vehiculo para expresar nuestras ideas", La pittura e cosa mentale -dijo directamente Leonardo da Vinci-. Finalmente la sociedad reconocio sus aspiraciones, porque antes habia reconocido su arte como cosa excelsa entre las demas cosas.

Desde Rodney, el cangrejo ermitaño que habita en una bola de cristal, hasta el Palacio de Cristal de la era victoriana, Celeste Olalquiaga nos ofrece una reflexión sobre el kitsch, sus orígenes y el modo como afronta los conflictos entre lo real y lo artificial, la tradicion y la modernidad, o sobre la nostalgia y la melancolia. La autora rastrea el kitsch en sus inicios, a mediados de 1800, y lo define como una sensibilidad ante la perdida. Se trata de un anhelo por objetos que ayuden a capturar de nuevo el pasado y resalta el hecho de que dichos objetos responden a una necesidad humana profundamente arraigada: la busqueda de un significado y una conexion con la naturaleza. El reino artificial esclarece de manera fascinante este aspecto de nuestra cultura, en un intento de recuperar todo aquello que la industrializacion se llevo para siempre.

Por primera vez se presenta en lengua española una obra clave en la historiografía artística, que se encuentra en la raíz de algunas de las principales corrientes que han marcado el desarrollo de la disciplina en el último siglo, de la iconología de Panofsky a los modernos Estudios Visuales. "Mnemosyne" es el gran proyecto al que Aby Warburg dedicó los últimos años de su vida y que debía resumir y coronar toda su obra. Para ello, recopiló unas 2.000 imágenes articuladas en 60 tablas en un magno atlas que quedó sin terminar a su muerte. A pesar del interés que había despertado entre sus contemporáneos y de los intentos llevados a cabo por los colaboradores de la Biblioteca Warburg después de su traslado a Londres, el material no vio la luz hasta la edición de la Akademie Verlag llevada a cabo por Martin Warnke, uno de los más prestigiosos historiadores del arte de las últimas décadas. Dicha edición, que respeta escrupulosamente la obra tal como la dejó Warburg, es la que se recoge en el libro que el lector tiene ahora entre sus manos. Además, la versión española, bajo la supervisión de Fernando Checa Cremades, recoge, junto a nuevos textos escritos para la ocasión por el mencionado autor y por Karin Hellwig, varias conferencias inéditas de Warburg relacionadas directamente con su obra póstuma, que ponen de manifiesto la complejidad y grandeza de un pensamiento que no sólo no ha perdido un ápice de su interés, sino que se muestra más vigente que nunca.

Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pe

Catlogo del proyecto especfico realizado por lvaro Perdices en el EACC entre el 13 de enero y el 27 de marzo de 2011.La institucin como organizacin, ente cultural o continente es el sujeto material que el artista usa en sus diferentes operaciones, que comprenden desde la intervencin escultural en el edificio del EACC al rol expositivo del centro mismo, su labor gestora y la direccin de sus proyectos o el uso del espacio por el espectador. lvaro Perdices propone sentar la institucin al divn desde diferentes lados o posiciones. Este acto o intervencin comporta una lectura cercana en el mundo de la psicoanlisis.La publicacin incluye textos de los crticos Astrid Mania y Juan Vicente Aliaga, del propio artista y un ensayo de Allan Kaprow. Incluye adems una amplia documentacin fotogrfica del proyecto in situ.

Que lo efímero se haya convertido en uns dimensión de la existencia humana en la época de la globalización, tal es el punto de partida de esta estética que tomó el arte como síntoma y revelador de una tiempo transito y devenir. Pues, despues de las Vanitas del siglo XVII hasta la modernidad de un manet o de un Monet, lo efimero es como la caraa oculta del arte. Una cara oculta que hay que interpretar, que se hace explicita con la aparicion de un arte efiero (instalacion, in situ) en los años 60.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.