Libros de Teoría y crítica de arte, página 21 de 154

Otros ejemplos recientes no es técnicamente ni un libro de artista, ni un catálogo, ni un libro de ensayo, ni un ejercicio de traducción, y sin embargo es todo eso a la vez. Editado en ocasión de las exhibiciones de Alejandro Cesarco en Artium Museoa (Vitoria) y Lumiar Cite (Lisboa), esta publicacion reune, por un lado, obra que aborda las diferentes funciones, usos y formas de la pedagogia y, por otro, trabajos que reflexionan sobre las relaciones entre la lengua materna, el bilinguismo y el peculiar ecosistema que sustenta esa interrelacion. Otros ejemplos recientes incluye, ademas, un ensayo de Mirene Arsanios, cartelas de obras expandidas y una serie de epigrafes que funcionan como prologo y delatan la influencia de Macedonio Fernandez en la concepcion de la publicacion

Publicado con motivo de la exposición Del lapicero al buril. El dibujo para grabar en tiempos de Goya, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 17 de octubre de 2023 y el 14 de enero de 2024.En la segunda mitad del siglo XVIII España se libero de la dependencia que habia tenido del extranjero en el ambito del grabado. La formacion de dibujantes y grabadores cualificados, encabezados por Manuel Salvador Carmona, permitio acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y cientificos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epilogo sera la publicacion de los Caprichosde Francisco de Goya en 1799. Si las estampas de esa epoca son bien conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto de partida. Su caracter utilitario los ha relegado a un segundo plano en la historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la calidad del grabado; sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa. En Del lapicero al buril dos de los instrumentos mas utilizados por dibujantes y grabadores se muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el proceso de creacion del grabado, desde los que realizaban los artistas que inventaban las imagenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus talleres. La variedad de tecnicas utilizadas asi como su adecuacion a los temas que representan sirven tambien para ofrecer un recorrido sobre el dibujo español en tiempos de Goya

Els moments estel·lars de la vida d’un historiador de l’art català.Les memòries de Daniel Giralt-Miracle (1944), un dels grans crítics d’art catalans de la segona meitat del segle xx, comencen amb la

El arte deteriorado acumula las señales que la experiencia histórica ha añadido sobre la obra original. Son grietas, signos de barbarie o huellas que la naturaleza ha dejado marcadas en la obra del ser humano. El paso de las estaciones, una tras otra, poco a poco, ha ido señalando las horas del derribo físico. Lejos de toda consideración negativa, entendemos las señales del tiempo como un valor estético añadido. Se trata de una carga comunicativa que enriquece la acción creativa inicial.

¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberiamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relacion que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona como conciliar nuestra indignacion y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va mas alla: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es tambien madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran exito de critica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una epoca en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razon de serlo, pero plantea tambien importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepcion misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos mas oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es mas, ¿que ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo victima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.

Este libro contiene tres ensayos escritos (y dictados) entre 1882 y 1889: Lección para estudiantes de arte, Decoración del hogar y Modelos londinenses. Reflejan el interes y profundidad del autor acerca del arte y la belleza: en ellos no solo aborda la composicion, el color y los materiales, sino tambien la universalidad de lo bello en la decoracion, en el vestuario y en el mero existir.

Tras la buena acogida de sus dos libros anteriores, Mierda y catástrofe (2014) y Estética de la crueldad (2019), Fernando Castro Flórez, en este nuevo ensayo, revisita el libro (Pierre Boulle) y la pelicula (Franklin Schaffner) El planeta de los simios (1968), desde los que lee alegoricamente estos tiempos pospandemicos. Sin duda, las paginas de Sin escapatoria del Planeta de los simios estan agitadas por el desasosiego, en un momento de colapso planetario, cuando todos tuvimos que parar.

El dibuix s’ha utilitzat en tots els àmbits de la ciència: la botànica, la zoologia, l’astronomia, la medicina, el mon microscòpic i també l’arqueologia. En la definició dels codis de representació d

Aby Warburg y el pensamiento vivo presenta un coro de voces de filósofos, filólogos e historiadores de la cultura, que aparecen juntos por primera vez como elementos de una misma constelación de pensamiento: Giorgio Pasquali, Mario Praz, Gertrud Bing, Arsenio Frugoni, Giorgio Agamben, Guglielmo Bilancioni, Alessandro Dal Lago, Gianni Carchia, Salvatore Settis, Kurt W. Forster y Maurizio Ghelardi, cuyos ensayos fueron publicados originalmente en revistas o en ediciones ahora inaccesibles, y abarcan un arco cronologico que va desde el inicio de la decada de 1930 hasta los primeros años del siglo XXI. Once aportaciones, todas surgidas en ambito italiano (incluidos Gertrud Bing y Kurt Forster, italianos de eleccion), que representan la linea del pensamiento vivo de Warburg. Asi, vinculados en el nuevo marco interpretativo que propone Monica Centanni, muestran con claridad un trazado que mitiga tantos equivocos y mistificaciones para recuperar y revalorizar la importancia metodologica de Aby Warburg en la historia de la cultura europea. Este libro impulsa el verdadero sentido, inedito hasta el momento, de su metodo y de su herencia; sobre todo, la organizacion revolucionaria de su Biblioteca, trasladada en los años treinta de Alemania a Londres, y el Atlas de la Memoria (Atlas Mnemosyne), la pionera machine a penser, instrumento esencial e inagotable que estimula infinitas conexiones entre forma y contenido.

Arte y naturaleza. Un siglo de biomorfismo”, brinda una oportunidad extraordinaria de reflexionar sobre el pasado y el presente de la relación entre el arte y la naturaleza, entre la cultura y la cie

A lo largo de la historia, el poder del arte ha eclosionado con fuerza en diferentes lugares y a un mismo tiempo. Constelaciones de artistas recibieron el don de la creación y con sus manos ejecutaron obras maestras que han quedado en la memoria de varias generaciones.En Paris, a finales del siglo...

Art i natura. Un segle de biomorfisme, brinda una oportunitat extraordinària de reflexionar sobre el passat i el present de la relació entre l’art i la natura, entre la cultura i la ciència, a partir

El dibujo ha sido utilizado en todos los ámbitos de la ciencia: la botánica, la zoología, la astronomía, la medicina, el mundo microscópico y también la arqueología. En la definición de los códigos de representacion del dibujo cientifico, los dibujos de b

Los cuatro ensayos de este libro recorren la emoción de ser un sujeto al borde de sí mismo; en vísperas, como quien dice, del absoluto. En al apartamento de la noche retirada, se abrirá al goce de ser expueto al contacto con la aparicion. En la pintura de Georges La Tour nos hallamos, por ejemplo, en lo mas profundo de la revelacion. De manera que ese viaje pictorico no es otro que el de la transparencia. La transparencia sola de luz, abriendose paso en el corazon de la noche...

Esta co-publicación de la Serpentine con Ivorypress bebe de la exposición e incluye mucha información adicional como nuevos ensayos de escritores, artistas e investigadores. Entre los textos encontramos los nombres de Graciela Speranza, Maristella Svampa, Marisol de la Cadena, Eduardo Kohn, Arturo Escobar, Yuk Hui y James Bridle y un nuevo texto de Tomas Saranceno.El libro incluye tambien dos ensayos visuales sobre los proyectos Aerocene y el Adivinador de arañas Ngam Du, una seccion intermedia que refleja visualmente los encuentros mencionados previamente, durante y mas alla de exposicion y una mirada mas cercana a los trabajos incluidos dentro y alrededor de la Serpentine.El libro se ha producido con la huella de carbono minima. El formato escogido se ha pensado para generar el menor excedente posible de papel, usando ademas papel reciclado y retractilado compostable. La cubierta se ha producido con papel lleno de semillas aromaticas de cantueso (de manera que el libro sea percibido por otros seres vivos distintos de los humanos). El lector es invitado a cortar trozos de la doble cubierta y plantarlos.

Velázquez y el espacio es un análisis de la concepción, construcción y representación del espacio en la obra velazqueña. En la Historia del Arte, su trayectoria creativa suele acotarse al terreno estrictamente pictorico; pero hay otro Velazquez. Tras los pocos datos que de su vida nos han llegado, podemos descubrir a un creador interdisciplinar, interesado tanto en la pintura como en la arquitectura, la escenografia y la reflexion teorica; labores oscurecidas, tanto por su propia genialidad como pintor, como por la clasificacion academica de las artes, que tienden a encasillar la creacion en cotos cerrados pintura, escultura, arquitectura, artes menores, artes aplicadas. Este es un intento de trascender esas clasificaciones y abordar el trabajo de Velazquez en su conjunto a traves del estudio del espacio en su obra.

El libro, resultado del trabajo del Grupo de Investigación Artífice de la Universidad de Zaragoza y de otros especialistas, desarrolla el tema de la exhibición del lujo en diversos ámbitos de la creacion artistica, musical y literaria, y en un arco cronologico extendido desde la Antiguedad hasta el final de la Edad Moderna. Esta perspectiva amplia y multidisciplinar se orienta ademas hacia un enfoque historiografico renovador: el que se pregunta sobre los usos, las funciones y los significados de las creaciones artisticas, musicales y literarias; desde las que satisfacian las necesidades mas personales a las que magnificaban los grandiosos espectaculos publicos, en la sociedad de cada momento.

La historia del color azul en la cultura occidental es la de una auténtica transformación. Para los griegos y los romanos, este color contaba poco e incluso era desagradable a la vista; se le conside

El rojo fue el primer color que el hombre dominó en la sociedad occidental, tanto en la pintura como en la coloración. Probablemente por eso fue durante mucho tiempo el color «por excelencia», el más