Libros de Teoría y crítica de arte, página 5 de 164

El género del bodegón siempre ha sido el género del que menos se ha teorizado, y cuando las academias que elaboraron los primeros informes teóricos sobre pintura empezaron a mencionarlo, lo hicieron despectivamente: la naturaleza muerta siempre estaba en el nivel mas bajo de la jerarquia. Todavia se piensa en ella como un campo poco adecuado para el estudioso serio y ambicioso. Por tanto, es el genero sobre el que menos se ha generado debate. El autor, Norman Bryson, considera que la naturaleza muerta esta infrainterpretada y con los ensayos que nos presenta en este libro defiende que es un genero digno de analisis, gratificante de analizar como genero, y espera que estimulen al lector para mirar con nuevos y criticos ojos.

Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacio comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parametros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos.El critico britanico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonia y simplicidad de Paul Cezanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.

Tres palabras, mujeres, arte y tecnología, raramente parecen haber ido de la mano en nuestro pasado reciente. Si a esta rara tríada le añadimos la dimensión cultural y abordamos el estudio de esta interseccion desde nuestros referentes hispanos, observamos un espacio falto de documentacion al que este libro contesta dando voz a una genealogia de creadoras que han desarrollado su trabajo en una reflexion constante sobre la tecnologia. Este volumen esta dedicado a mujeres del ambito hispano que han desarrollado su universo creativo en constante dialogo con los medios tecnologicos disponibles, haciendo gala de un talante pionero y critico en relacion con el papel de la tecnologia en nuestras vidas y su potencial artistico, politico y transformador. Su practica artistica cuestiona los roles e identidades determinados por el nuevo orden economico y social que ha traido consigo la era digital y pone de manifiesto las narrativas que subyacen en la evolucion tecnologica. Nuestro interes principal ha consistido en ofrecer un espacio en el que sus voces encendidas, atravesadas por la electricidad, sean escuchadas, pues es en su quehacer artistico y en la reflexion que de el se deriva donde observamos la particular identidad que se gesta cuando se combinan los factores mujer, arte y tecnologia. Esta interseccion, lejos de ser un conjunto vacio, es una fuente de creatividad y conocimiento, un lugar de enunciacion desde el que explorar el potencial que ofrece el uso de la tecnologia para la creacion, asi como las condiciones y dificultades con las que se encuentran las mujeres artistas que abogan por esta exploracion en el contexto actual. Este libro reune las contribuciones de dieciseis autoras provenientes de ambitos muy diversos, como son la critica literaria y artistica, la arquitectura, la danza, la escultura, la plastica, el videoarte, la performance, la poesia con codigo, los videojuegos, el teatro jugable y la literatura electronica. Pertenecientes a distintas generaciones, sus reflexiones y obras son testimonio de una inquietud que las ha hecho escoger territorios poco transitados, tomar caminos inesperados, a veces virgenes, donde confluyen los aparatos, los cuerpos, las relaciones y donde, a menudo, se subsanan los dialogos imposibles y las genealogias inexistentes con busquedas de referentes lejanos. Con el proposito de reparar la carencia de referentes cercanos para generaciones de artistas futuras, esta coleccion de ensayos contribuye a trazar una genealogia de mujeres creadoras que han reflexionado sobre el impacto que ejerce la tecnologia en el terreno de la produccion artistica y literaria e indaga sobre nuestras raices y realidades, no solo desde el estudio historiografico y el ensayo critico, sino, especialmente, desde el relato de la practica artistica en primera persona.

Julia Cameron vuelve con nuevas y revolucionarias herramientas para conectar con tu creatividad: un curso extra de seis semanas para todo aquel que haya leído El camino del artista. En el gran bestseller internacional que ha desbloqueado la creatividad de grandes artistas internacionales durante decadas, El camino del artista, Julia Cameron compartio con sus millones de lectores las tres principales herramientas necesarias para despertar la creatividad. Ahora, en su nuevo y revolucionario libro, Vivir el camino del artista, Cameron revela al fin la cuarta y esencial herramienta de El camino del artista en la que confia a diario para encontrar inspiracion creativa: encontrar tu propia voz. Este libro es un curso de seis semanas en el que encontraras las herramientas para desarrollar tu trabajo creativo y llevarlo al siguiente nivel: como conectar con el poder intuitivo dentro de ti y confiar en las respuestas que recibas. Esta nueva y emocionante guia te ayudara a encontrar mayor felicidad, productividad e inspiracion creativa. ¡El camino del artista ha ayudado a desbloquearse creativamente a grandes artistas como Scorsese, Alicia Keys, Doechii, Natalia Lafourcade o Elizabeth Gilbert!

Vituperio de orbanejas es un comentario filosófico de un texto de El Quijote que reza como sigue: «Ahora digo –dijo Don Quijote– que no ha sido sabio el autor de mi historia, sino algún ignorante hab

La publicación diagrama un campo de investigación donde confluyen las aportaciones de la cultura visual y los estudios culturales, dibujando un territorio epistemológico en el que lo común y lo ecológico aparecen como las variables fundamentales para pensar el tiempo presente. Los ensayos que componen el libro responden a una propuesta metodológica basada en una relación heurística entre texto e imagen. Las "visualidades críticas" se constituyen como punto nodal en torno al cual se despliegan de modo alegórico los relatos de la historia, pero también como entidades singulares que condensan y puntúan esas narraciones, cargándolas de afectos, excesos y desviaciones que les otorgan nuevas significaciones.

Hasta hace pocos años, hablar de arte era sencillo: el pintor pintaba, el escultor esculpía, el músico componía, el cineasta rodaba. Pero hace ya tiempo que echamos en falta palabras nuevas para describir el arte actual, y el asunto se volvera mas y mas urgente hasta resultar indispensable. ¿Que hace un artista que enciende y apaga una luz, que guisa una cena para cien personas, que firma un urinario o dispara a un avion en vuelo, que acuna una liebre muerta o encarga un tiburon en formol? Hace Arte: por ahora tenemos que conformarnos con ese verbo tautologico y decepcionante. No solo productos, no solo gestos: gustos, procesos, humores e ideas se vuelven hoy arte. Quiza el arte contemporaneo sea ya, mas que nada, una actitud compartida por artistas y espectadores, que consistiria en aceptar que ese arte puede esconderse para proporcionar estimulo y placer y reflexion en todas las manifestaciones de la vida: un bote de detergente, una comunidad de vecinos, una idea nunca dicha en voz alta, un no presentarse en la inauguracion de nuestra propia retrospectiva. Pasan por aqui escritores que hacen arte y artistas que escriben; escritores que escriben sobre arte y escritores fundamentales para entender el arte que les es contemporaneo. Hay artistas-dandis y hay artistas raros, que van por libre o se obstinan en rondar los margenes hasta que ese margen resulta ser el lugar central de todo un territorio en el que nadie habia reparado antes. Y estan, para bien o para mal, quienes han modelado la imagen colectiva del artista actual de exito en la era de la hipercomunicacion de masas.El lector no tardara mucho en darse cuenta de que en estas paginas, a lo mejor por pura deformacion profesional, se suele ir dando a parar sin remedio a esos sitios donde se encuentran el arte y el lenguaje. Quiza el libro mismo resulta de un intento sostenido en el tiempo por satisfacer la necesidad de nuevos verbos y nuevas palabras para describir nuevas formas de creacion. Y para darles cuerpo, incluso.

.

No es la mano la que se acerca a la llama de la vela. Ese fuego minúsculo y modesto ha elegido tu mano. Para que lo recuerdes ahora que lo ves y vuelvas a recordarlo cuando lo hayas perdido. No es el ojo el que ve el color. Esa mezcla vibratil busca tu ojo. Tu ojo como una catapulta, una ballesta, que disparara esa mezcla en tus organos. Ya estuviste pintado. El color fue mordido, saqueado, lavado por las lagrimas. Ahora regresa y reconoce su antigua casa. Durara tan poco, apenas hara hueco, como el roce de un ala. Miradas hacia dentro y se habra ido. No es el cuerpo el que se adentra en el bosque. El tacto de los arboles y el rumor del agua, el paso de los animales escondidos, han venido a buscarte. Asedian un ramo invisible de tus nervios. Estuvieron aqui, mientras dormias, mientras rompias la ley. No se sabe en que noche ni en que escuela.Solo esto sabemos: el pasado sobrevive, como una imagen. Imagen de una vela, un bosque o un color. No se sabe a que hora irrumpira, no sabe concertar una cita. Solo esto tenemos: un cuaderno en el que anotar epifanias, gestos y trazos vistos al pasar, cosas apenas percibidas desde un tren, apuntes de lo que aparecio para volver a ser tesoro desaparecido.Como este cuaderno personal de Georges Didi-Huberman, que reune todo lo que ama; que mira lo bajo y lo pequeño; lo lejano y lo cercano, a la vez; la ruina y el esplendor, al mismo tiempo.

Visions dels Pirineus inicia la col lecció Quaderns d Art i Natura amb un recorregut que arrela en la Renaixença i creix durant el Modernisme, moment en què s origina un determinat relat sobre el territori que té ingredients de descoberta, d estudi científic i valoració patrimonial, però sobretot de ruta excursionista. Els camins inspiradors que poetes, artistes, excursionistes i científics van recórrer componen una espècie de retaule format per impressions, dibuixos, imatges, fragments literaris, pensaments... En aquestes pagines l eix vertebrador són les visions, que tant poden venir del camp de les ciències i les lletres com de les arts, de manera que la selecció discorre per diverses formes de veure i interpretar el paisatge.

La mordaz crítica de Roger Fry a los académicos del siglo XIX forma parte de su intento de abrir los ojos de toda una generación a las características formales específicas del arte. El alcance de su intento es enorme: los veinticinco ensayos presentados bajo el titulo comun de Vision y diseño abarcan temas que van desde el arte negro hasta Giotto y desde William Balke hasta la arquitectura domestica contemporanea. Entre los temas tratados por Fry son de vital importancia las relaciones entre el arte antiguo y el arte moderno, asi como entre el arte y la vida. Afirma que las pinturas de los bosquimanos se diferencian del arte mas primitivo -el de los niños, por ejemplo- en su predileccion por la imagen retinal en detrimento de la conceptual. Tambien cree que los postimpresionistas no intentaban imitar formas, sino crearlas; no imitar la vida, sino encontrarle un equivalente. Fry fue amigo y mentor de los miembros del grupo de Bloomsbury (el unico hombre cuya biografia fue escrita por Virgina Woolf) y Vision y diseño constituyo una gran contribucion a su concepto de la estetica, aunque el amplio alcance de su influencia tambien ha llegado hasta nosotros.

Desde su primera publicación en Inglaterra, Visión y diferencia.Feminismo, feminidad e historias del arte ha sido continuamente citadocomo un ensayo pionero en la articulación del análisis eruditode obras artisticas con la intensa problematizacion de esas obrasdesde una perspectiva teorica marxista y feminista. En estos textosfascinantes, Griselda Pollock ensaya inteligentes respuestas a laspreguntas surgidas de la confrontacion de materiales ya transitadospor la historia del arte con las herramientas teoricas forjadas por losestudios culturales, el psicoanalisis lacaniano en su reformulacionfeminista y la obra de Michel Foucault.La vigencia de sus reflexiones sobre la apariencia, la feminidad,el poder de la mirada y la funcion de las imagenes de mujeresen la sociedad moderna, sin perder de vista su especificidadhistorica, social y material, hacen de su lectura un punto de inflexionpara la contemplacion de obras artisticas. Publicado por primeravez por Routledge en 1988 y reimpreso continuamente desdeentonces, el libro se traduce por primera vez al español en formaintegral en esta edicion, acompañado por una introduccion originalde Laura Malosetti Costa.

Puesto que el pintor expresa sus esperanzas y deseos, su visión del hombre o la sociedad a través de un medio visual, la parte visual del cerebro es la que debe destilar las funciones atribuidas a las obras de arte, cualesquiera que sean. Al afrontar el problema del arte visual y la estetica desde un punto de vista neurobiologico, es necesario plantear una definicion amplia de las funciones del arte, definicion que abarque todas, o al menos la mayoria, de las diferentes funciones que se atribuyen al arte. Creo que esta aproximacion tendra como resultado una definicion de la funcion del arte muy similar a la funcion del cerebro: representar los elementos constantes, eternos y duraderos de objetos, superficies, rostros, situaciones, etc. y, por tanto, permitir que adquiramos conocimiento, no solo del objeto concreto, del rostro o la condicion representada en el lienzo, sino que tambien lo generalicemos a muchos otros objetos y, por tanto, adquiramos conocimiento de una amplia categoria de cosas, objetos o rostros.

Margarita Schultz nos entrega aqui un trabajo acerca de la teoría critica del conocimiento aplicada al arte, en particular de las artes visuales, cuyo objetivo principal es orientar un acercamiento critico a la propia labor asi como al resultado de la produccion histografica.

Desde el comienzo de la humanidad, el arte siempre ha acompañado al hombre. El arte es un fenómeno complejísimo, y de una manera o de otra, se ha tratado de comprenderlo, aunque reconociendo, expresa o tacitamente, que por su caracter enigmatico escapa, en definitiva, a todo intento de inteleccion, quedando este reducido a una aproximacion.El pensamiento contemporaneo no ha podido permanecer indiferente a la exigencia de saber a que atenerse sobre el arte, entre otras razones porque este, mas que nunca, esta presente en todas las dimensiones de la vida humana. Y uno de los enfoques provisto de mayor eficacia es el filosofico. Son bastantes los filosofos que en nuestro tiempo se han ocupado del arte. El autor de este libro ha elegido a tres: Ortega, Heidegger y Adorno. La eleccion es acertadisima, porque estos tres pensadores ocupan un lugar relevante en el mundo cultural, sobrepasando los reducidos limites del campo filosofico. Hace un estudio detallado de sus respectivas concepciones del arte, que son tan diferentes, por lo que no solo expone la peculiaridad de cada uno, sino que tambien hace comparaciones, iluminando asi el alcance de cada posicion. Y no se limita a exponer exclusivamente lo que esos filosofos dijeron sobre el arte, algo que por si mismo seria ya una contribucion importante. Situa las ideas artisticas de cada uno en el contexto de sus concepciones filosoficas fundamentales, mostrando como surgen desde estas, quedando asi filosoficamente fundamentadas.

Virginia Perez-Ratton es una de las figuras clave para la reformulación de discursos culturales a escala internacional. En su labor como crítica, curadora y gestora introdujo exposiciones, argumentos, obras y experiencias sensibles construidas desde Centroamerica. Sus propuestas transformaron las maneras de leer y escribir sobre la region, en dialogo con los debates y las realidades globales. Este libro supone una revision de la contribucion que Perez-Ratton hace a partir de su obra artistica, sus proyectos como curadora independiente e institucional, y su complicidad constante con mujeres involucradas en el mundo del arte.

«He aquí un lúcido y oportuno recordatorio sobre aquellas cosas que tan a menudo parecen haber sido olvidadas en las consideraciones artísticas, como la importancia de la belleza, el misterio o la pr