Libros de Pintores y escultores, página 3 de 530

Catálogo de la gran exposición sobre Matisse y su legado en CaixaForum, con obrasmaestras del Centre Pompidou.Chez Matisse propone un recorrido sensorial e intelectualpor la obra de uno de los mayores coloristas del siglo XX, a traves de un centenar de piezas suyas y de otros artistas cercanos en estilo, como Picasso, Le Corbusier oLipchitz, en un fructifero dialogo que revela las relaciones e influencias mutuas. Una mirada renovada a su legado en la historia del arte moderno y contemporaneo.

Esta inspiradora colección cubre el trabajo, las vidas y el impacto duradero de cinco impresionistas clave en un volumen que es una introducción y una celebración del género artístico probablemente mas popular de todos los tiempos. Cada uno de estos artistas rompio barreras de diferentes maneras y asombro a la sociedad de finales del siglo XIX con la audacia de su planteamiento y de su tecnica.Edgar Degas exploro el movimiento y la forma humanos con un estilo magistral y composiciones innovadoras, entre las que destacan sus pinturas de bailarinas, caballos de carreras y paisajes urbanos concurridos. Claude Monet fue un maestro de la luz y la atmosfera que capto la fugacidad del momento con sus iconicos nenufares y series de pinturas. Pierre-Auguste Renoir celebro la belleza y la sensualidad, y aporto vitalidad a escenas cotidianas con pinceladas exuberantes y una paleta luminosa. Paul Gauguin busco inspiracion en lo exotico y utilizo colores atrevidos y simbolismos con un efecto a menudo inquietante. Por ultimo, el uso sumamente emotivo del color y las pinceladas vigorosas de Vincent van Gogh transmitieron su agitacion interna y contribuyeron en gran medida a sentar las bases del expresionismo.Juntos, estos cinco maestros redefinieron lo que el arte se atrevia a lograr al hacer hincapie en la expresion personal y en la exploracion de la luz, el color y la perspectiva. Su trabajo marco un cambio fundamental en las libertades y expectativas artisticas modernas. Esta coleccion va mas alla de sus pinturas mas famosas e incluye un extenso texto sobre cada artista, junto con una biografia detallada y mas de 400 ilustraciones en color de alta calidad.

Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado en la ciudad de Nueva York, Rothko rechazaba las etiquetas e insistia en la creacion de una experiencia plena entre el cuadro y el espectador. Tras una etapa figurativa, Rothko desarrollo sus emblematicos lienzos de bloques de vivos colores en rojo, amarillo, ocre, marron, negro o verde. Subrayo que no habia eliminado la figura humana con esos brillantes y vividos espacios de color, sino que la habia sustituido por simbolos o formas que contenian toda la tragedia de la condicion humana. Al mismo tiempo atribuia explicitamente al espectador el poder de interpretar su obra. Segun decia: Un cuadro vive en compañia, expandiendose y cobrando vida ante los ojos del espectador sensible. Desde sus tempranos inicios hasta sus campos de color mas famosos, este libro descubre la inteligencia e influencia de la obra dramatica, intima y revolucionaria de Rothko.

Una de las grandes pintoras gallegas que pasó una parte importante de sus vida en la Argentina, con casi treinta años en America (tambien para ella Buenos Aires fue una segunda patria), es una obra plural de pintura, artes plasticas y ceramica aun no completamente conocida. En este libro se propone un recorrido por series y obras procedentes de su etapa americana, obras que amplian el conocimiento de su trabajo artistico, matizan no pocas valoraciones criticas e incorporan nuevas tematicas no tenidas en cuenta hasta el momento.

Koyama es un pintor global que, entre muchas otras cosas, ha sabido captar la belleza y la esencia de uno de los paisajes más icónicos y representados del mundo: Cadaques y Cap de Creus. Su emblemática obra cautivo a otros grandes artistas, como Dali y Richard Hamilton, y conjuga de forma magistral la influencia de Oriente y Occidente. La vida de Shigeyoshi Koyama es una historia de superacion personal, pintada a base de pinceladas de esfuerzo, de pasion y de discreto dolor. Una trayectoria existencial definida por la lucha constante para conseguir el equilibrio y la paz entre dos mundos, entre dos universos pictoricos y entre dos familias. Este libro repasa por primera vez la vida del hombre que hay detras del artista y ofrece, al mismo tiempo, una muestra generosa de su obra pictorica.

Catalogo de la exposición situada en la Sala Alcalá 31, "Pabellón de género", que reflexiona sobre la posición de la mujer en la sociedad a través de discursos sociales y feministas sobre el mundo que vivimos, cómo lo habitamos y nuestras relaciones humanas. La artista Alicia Framis interrelaciona campos tan diversos como la moda, el diseño o la arquitectura, pero también la manifestación activista, los espacios de encuentro y la creación artística. Partiendo de estos intereses, ha construido junto a Margarita Aizpuru, comisaria de la exposición, el proyecto "Pabellón de género" y lo ha estructurado en dos ejes: un grupo de obras relacionadas con el espacio y su ocupación; arquitecturas y habitaciones que deconstruyen formas de vida y de habitar lo establecido ("One night tent", "Arquitectura secreta" o "Hijas sin hijas"). Y un segundo bloque de obras con tintes performativos que están orientados hacia la moda, el diseño, el videoarte e incluso el activismo callejero. Estos conceptos se pueden ver en obras como "MAMAMEN", una serie de trajes de hombre con portabebés que les permiten trabajar y hacer las labores diarias, o la colección de moda "Anti_dog", antiviolencia de género y antirracismo. Además, la muestra incluirá la nueva performance de la artista titulada "The walking ceiling", un alegato contra el techo de cristal social, laboral y político que aún soportan las mujeres. (de la CAM).

Sofonisba Anguissola fue una pintora muy famosa en su tiempo. Numerosos y prestigiosos autores se ocuparon de ella, los coleccionistas se disputaban sus obras, pintores importantes hicieron copias de sus cuadros, algunas de sus coetáneas más jóvenes la tomaron como ejemplo a seguir y, lo más destacado, trabajó como pintora en la corte europea más poderosa de su época, la de Felipe II.

Lluís Permanyer, cronista ampliament conegut pels seus retrats d?artistes cèlebres, ens presenta tres entrevistes amb Salvador Dalí, que originariament van aparèixer publicades a La Vanguardia i a les revistes Destino i Playboy. Gracies al CD que acompanya aquesta edició, ens podem permetre el privilegi de sentir la veu d?aquest artista genial, enregistrada l?any 1978 durant la conversa que l?autor hi va mantenir sobre la relació entre l?erotisme i el seu art.

La obra del artista holandés M.C. Escher (1898-1972), misteriosa y matemática al tiempo, ha cautivado tanto a científicos y expertos como al público general y ha inspirado portadas de libros y discos, peliculas, posteres y rompecabezas. Este set pone en sus manos los preciosos mosaicos de Escher. Gracias a las 17 plantillas de papel, listas para montar, podra transformar los ricos diseños multidimensionales de Escher en objetos entrelazados que componen una y otra vez increibles patrones florales, de mariposas, lagartijas o caracolas, entre otros motivos. El libro incluye un analisis de los principios geometricos y la invencion artistica subyacente a estas maravillas opticas e instrucciones detalladas para el montaje de los calidociclos.

Ganador de la Convocatoria de Ayudas a la Investigación correspondiente al año 2020 que realiza la Biblioteca de Correos y la Unidad de Documentación y Archivo Histórico - Estudios Históricos. Este libro es, entre otras cosas, un estudio de historia postal en el que hemos analizado la dimension de Goya en cuanto viajero del Grand Tour, en Italia entre 1769 y 1771, para lo que ha sido fundamental el Cuaderno italiano, el testimonio mas valioso de al menos una parte del soggiorno del pintor en este pais. En ninguno de los taccuini empleados durante el periodo formativo en Italia por los artistas españoles mas o menos contemporaneos al aragones hemos hallado, a diferencia de los que sucede en el de Goya, informaciones que nos sirvan para reconstruir de que manera se viajaba.

A través de sus manifiestos y panfletos —la mayoría nunca antes publicados—, su abundante correspondencia, epigramas y hasta varias asombrosas y reveladoras entrevistas, comprendemos su personalidad

Considerado por muchos como el más grande artista de España, Diego Velázquez (1599-1660) fue un maestro del realismo, que sobresale entre todos como retratista. En este nuevo y esclarecedor relato de la vida y obra de Velázquez, Enriqueta Harris reúne los frutos de la investigación más reciente, a la cual ella misma ha contribuido sustancialmente. Después de un largo capítulo sobre la vida del artista, examina cada fase de su carrera, desde sus primeros trabajos en Sevilla hasta sus triunfos como Pintor de Corte del Rey Felipe IV, subrayando la variedad así como la magnitud de sus realizaciones. Se exponen con detalle los pormenores de su vida en la corte, sus relaciones con el Rey y el resto del trasfondo histórico; pero la figura del artista y su obra ocupan en todo momento el primer plano. Dos biografías tempranas que constituyen textos claves como fuente de estudio de la obra y la vida de Velázquez -de Francisco de Pacheco y Antonio Palomino de Castro y Velasco- se publican como Apéndices. Las ilustraciones incluyen casi todas las realizadas autógrafas de Velázquez, con muchos detalles sorprendentes, así como un grupo de obras comparativas perspicazmente escogidas que iluminan las influencias recibidas por Velázquez y la de éste en sus contemporáneos y seguidores.

Publicación conmemorativa del IV centenario del nacimiento del gran pintor del Siglo de Oro Alonso Cano, que reúne toda la documentación conocida sobre su vida y obra.

'¿Que he venido a hacer aquí?', se plantea un joven Miquel Barceló en uno de sus primeros viajes a µfrica. La pregunta, años despues, sigue sin una clara respuesta a pesar de que µfrica se ha convert

Esta nueva publicación de las Colecciones Fundación MAPFRE hace un recorrido por la Suite Vollard, los 100 cobres grabados que Pablo Picasso realizó entre el 13 de septiembre de 1930 y marzo de 1937, por encargo del marchante y editor Ambroise Vollard y que hoy es considerado uno de los testimonios historico-artisticos mas importantes del siglo XX. El conjunto aparecio en 1939 en dos formatos distintos, uno grande (760 x 500 mm) sobre papel avitelado firmados por el artista con lapiz rojo o negro, con 50 ejemplares por plancha; y otro mas pequeño (445 x 340 mm) sobre papel verjurado de Montval con la marca al agua Vollard o Picasso en tirada de 250 ejemplares. Este segundo formato se encuentra hoy disperso como laminas sueltas en diferentes colecciones privadas o publicas y solo algunos de estos conjuntos, como el de FUNDACION MAPFRE, se conservan unidos. El catalogo incluye la reproduccion de todas las planchas que conforman la serie y cuenta con textos de Rocio Robles y Leyre Bozal Chamorro. Ademas, se completa con una cronologia que aborda el periodo en el que Picasso grabo la serie.

«Una biografía épica. Un libro para disfrutar, ameno y plagado de detalles. Fascinante».Kirkus Reviews Basada en años de investigación y entrevistas con decenas de amigos, amantes y detractores de Wa

Sonia Delaunay (Hradyz?k, Ucrania, 1885-París, 1979) es una de las más destacadas artistas de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. A su oficio de pintora añadió el de diseñadora textil, grafica o sus trabajos como muralista, y a su interes por las artes visuales, su pasion por la poesia. En Iremos al sol nos lega unas memorias que nos permiten seguir de cerca sus vaivenes profesionales, sus viajes, sus relaciones con criticos de arte y marchantes, su amistad con algunos de los y las escritoras y artistas mas avanzados del momento, asi como su vida junto a su marido, el tambien pintor vanguardista Robert Delaunay. Estas paginas son un mirador sobre uno de los episodios mas cautivadores de la historia cultural europea del ultimo siglo, el de las vanguardias historicas, contado en primera persona por una de sus protagonistas, con el valor añadido que conlleva el hecho de que la narradora sea una mujer artista.

Famous First Edition: First printing of 6,000 numbered copiesMount Fuji has long been a centerpiece of Japanese cultural imagination, and nothing captures this with more virtuosity than the landmark woodblock print series Thirty-six Views of Mount Fuji by Katsushika Hokusai (17601849). The renowned printmaker documents 19th-century Japan with exceptional artistry and adoration, celebrating its countryside, cities, people, and serene natural beauty. Produced at the peak of Hokusais artistic ambition, the series is a quintessential work of ukiyo-e that earned the artist world-wide recognition as a leading master of his craft.The prints illustrate Hokusais own obsession with Mount Fuji as well as the flourishing domestic tourism of the late Edo period. Just as the mountain was a cherished view for travelers heading to the capital Edo (now Tokyo) along the Tokaido road, Mount Fuji is the infallible backdrop to each of the series unique scenes. Hokusai captures the distinctive landscape and provincial charm of each setting with a vivid palette and exquisite detail. Including the iconic Under the Great Wave off Kanagawa (also The Great Wave), this widely celebrated series is a treasure of international art history.Among only a few complete reprints of the series, this XXL edition pays homage to Hokusais striking colors and compositions with unprecedented care and magnitude. Bound in the Japanese tradition with uncut paper, Thirty-six Views of Mount Fuji presents the original 36 plates plus the additional 10 later added by the artist. The perfect companion piece to TASCHENs One Hundred Views of Edo and The Sixty-Nine Stations along the Kisokaido, this publication paints an enchanting picture of pre-industrial Japan and is itself a stunning monument to the art of woodblock printing.

Junto con J.M.W. Turner, ningún artista se esforzó más que Claude Monet (1840-1926) en capturar en el lienzo la luz. De todos los impresionistas, fue el hombre del que Cézanne decía "solo un ojo, pero ¡Dios mio, que ojo!", el hombre que se mantuvo completamente leal al principio de la fidelidad absoluta a la sensacion visual, pintando directamente a partir del objeto. Se podria decir que Monet reinvento las posibilidades del color y que, ya fuera por su temprano interes en los grabados japoneses, su periodo como recluta bajo la resplandeciente luz de Argelia o su relacion personal con los pintores mas importantes de fines del siglo XIX, lo que creo Monet durante su larga vida cambio para siempre el modo en que percibimos tanto el mundo como sus fenomenos asociados. El punto culminante de sus exploraciones fue la serie tardia de nenufares pintada en su propio jardin de Giverny, la cual, en su giro hacia la ausencia casi total de forma, es realmente el origen del arte abstracto. Esta biografia hace del todo justicia a este artista tan excepcional y profundamente influyente, y ofrece numerosas reproducciones y fotos de archivo junto con comentarios detallados y precisos.