Libros de Pintores y escultores, página 13 de 440

Es una obra de Anna Pou van den Bossche que explora la relación entre Salvador Dalí y la tecnología, especialmente en la última etapa de su vida. El libro, resultado de la tesis doctoral de la autora, revela la fascinacion del artista por la cibernetica, la informatica y la ciencia, aspectos menos conocidos de su trayectoria.

Per a Dalí l''ordinador va ser la màximaexpressió de la genialitat i, per tant, el seualter ego. Es va definir com una “màquina depensar” en al·lusió a l''Ars Magna de RamonLlull, la lògica combinatò

La investigación artística de Jorge Satorre surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta practica ha estado cada vez mas vinculada a una vertiente escultorica desde la que establece dialogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformacion y subversion derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo intimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anecdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.

Hacia 1656 el tratadista Lázaro Díaz del Valle se refirió a Luis Tristán (c. 1585- 1624) como «excelente pintor de historias». Nacido en Toledo y formado bajo la influencia del Greco, con el que coin

Rafael Canogar es, sin duda alguna, uno de los pintores contemporáneos másimportantes del arte español. En 1957 Canogar funda junto con varios pintores —Luis Feito, Antonio Saura, Manolo Millares, Ma

A pesar del éxito del que disfrutó en vida y que ha llegado intacto hasta nuestro días, Claude Lorrain (Claudio de Lorena) no fue un genio. Fue más bien un trabajador modesto que se empleó con dedicacion a pintar el esplendor de la naturaleza, consiguiendo reflejarlo con los mejores efectos atmosfericos y luminosos en sus cuadros, en los cuales el paisaje va a ser el gran protagonista.Por imposicion de los comitentes, casi todos los cuadros pintados por Laude Lorrain representan algun tema pastoril, historico o heroico, pero aquellos clientes no estuvieron interesados por las figuras que aparecen en esas obras sino por los amaneceres y las puestas de sol que tiñen de un color dorado y homogeneo idilicas campiñas y ensenadas, ya que en el segundo tercio del siglo SVII en Roma se estaba desarrollando un gusto por la contemplacion de imagenes bellas, sin que en las pinturas fuera necesaria la aparicion de alambicados discursos morales.La belleza ideal que desprende su obra no responde a un canon metrico, como lo puede hacer una escultura de Policleto, sino que emana de la serenidad y la perfeccion de una naturaleza esplendorosa que se muestra bajo la suave luz de un sol que ilumina un mundo acogedor y placentero.

En este libro se recorre la trayectoria Choi Ok Yeung, prolíficoartista coreano, quien interpreta el paisaje de forma espiritualpara traspasar los límites del arte convencional y de los espaciosartísticos tradicionales. Para Choi, el paisaje es su taller en el quereinterpreta la naturaleza para, finalmente, volver a ella. Un cicloregenerativo permanente que expande los limites y difumina losbordes del arte mas ortodoxo. Las series que contiene este libroabarcan escultura, pintura, dibujo, obra publica y Land Ar t, todasatravesadas de intensidad y espiritualidad.

First publication about the widely discussed films of Rinus Van de Velde Rinus Van de Velde (b. 1983) is one of the most talked-about contemporary artists. Since 2019, this artistic all-rounder has added the medium of film to his wide-ranging oeuvre of drawings, installations and ceramics. This publication provides insight into how his amazing films and the beautiful handmade sets are created. In The Villagers the viewer enters Van de Veldes world. An important role is played by the seventeen life-size cardboard sets on which he worked for two years. Narrative evolved into a more abstract form of expression in La Ruta Natural. For this second film, which follows a surreal road trip, Van de Velde had a mask made resembling his face. His most recent film, A Life in a Day, is introspective and shows the inner workings of the artist. The result is an intimate and pure voyage of discovery in which Van de Velde analyses himself from a distance. Through impersonations, constructed lies, and appropriations, he comes closer to uncovering the truth about his own identity and artistry. Numerous stills, drawings, sculptures, props, studio and exhibition views bring Van de Veldes films to life in this impressive book, for which author Timon Karl Kaleyta wrote the texts. Films will be published together with a vinyl pressing of Joachim Badenhorsts films'' soundtracks.

Agustí Domingo va viure els primers anys de la seva vida a Tarragona, on va formar part d'un grup d'artistes i amants de l& x02019;art que van ser uns grans impulsors de la cultura de la Tarragon

La fusión de oriente y occidente se consuma sobre el muro que Antoni Ta& 768;pies pinta desde dentro, "a tientas". Desde la opacidad se puede vislumbrar la luz. De ahi& 769; que sea interesan

Josefina Plá fue, sin duda, una mujer singular. Una intelectual poliédrica, dedicada hasta el final de su vida a múltiples trabajos relacionados con la escritura, el arte, el periodismo, la enseñanza, la historia y la ceramica. Superdotada para las letras, tuvo muy claro desde muy joven que su vocacion seria escribir poesia. Mas adelante, otros caminos la llevarian a desarrollarse como artista: grabado y ceramica, primero en Asuncion, ciudad que eligio para vivir definitivamente desde su regreso en 1938 hasta su muerte, y despues en Manises (1930-1932 y 1934-1938).Llego el 2 de febrero de 1926 a Paraguay para reunirse con su marido, el artista Andres Campos Cervera (Asuncion, 1888-Manises, 1937), quien, dos años despues, adoptaria el seudonimo de Julian de la Herreria. Se conocieron en Villajoyosa (Alicante) en el verano de 1923. A partir de entonces, su destino estaria irremediablemente unido al pais de nacimiento de su esposo, creando en 1957 un museo que llevaria su nombre, hoy propiedad de la AECID, el Museo Julian de la Herreria.Su marido le dio la bienvenida regalandole un pequeño mate (calabaza) con decoracion payagua, nombre de una etnia en ese momento al borde de la extincion. Su rol no fue otro que la recuperacion de un arte popular autoctono, buscando aportar mode

Conozca al artista cuyo majestuoso influjo se difundió por todo el mundo. Hokusai (1760-1849) no es sólo uno de los gigantes del arte japonés y una leyenda del periodo Edo, sino también uno de los fundadores de la modernidad occidental. Su prolifica gama de grabados, ilustraciones y pinturas conforma una de las expresiones mas completas del genero artistico ukiyo-e, y es una de las referencias fundamentales del japonismo. Su influencia alcanzo al impresionismo, el Art Nouveau y el Jugendstil, entre otros, y cautivo a autores de la talla de Claude Monet (que compro 23 de sus grabados), Berthe Morisot, Edgar Degas, Mary Cassatt y Vincent van Gogh. Hokusai fue siempre un hombre activo. A lo largo de su vida cambio de domicilio mas de 90 veces y sustituyo su propio nombre por al menos siete seudonimos profesionales. En su arte mostro la misma inquietud, cubriendo el espectro completo del ukiyo-e japones (la pinturas del mundo flotante), que es un genero pictorico y de grabados realizados mediante xilografia en el que se encuadran desde estampas sueltas con paisajes y actores hasta libros eroticos, albumes de grabados e ilustraciones para antologias poeticas y novelas historicas. Hokusai tambien realizo surimono, estampas de caracter privado que se imprimian en ocasiones especiales. La serie de grabados de Hokusai Treinta y seis vistas del monte Fuji, publicados entre 1830 y 1834, es la obra mas famosa del artista. Muestra el pico del monte elevandose en diferentes estaciones y desde diferentes puntos de vista, y supone la cima del grabado paisajista japones. La serie La gran ola de Kanagawa, tambien conocida simplemente como La gran ola, muestra algunas de las imagenes del arte japones mas conocidas en todo el mundo. Este libro de TASCHEN abarca la carrera completa de Hokusai y presenta las obras clave de su amplio porfolio. A traves de estas piezas y series, tan majestuosas como meticulosas, recorre la variedad de tematica tratada por el artista, desde libros eroticos hasta novelas historicas, asi como la evolucion de su vivido formalismo y su peculiar organizacion del espacio por medio del color y de la linea, que liberaria el arte occidental de las limitaciones de la perspectiva unica y daria rienda suelta al impulso modernista.

El artista japonés Shimabuku (Kobe, 1969), reconocidointernacionalmente por su obra, afectiva y sugerente, realizadaen diversos medios como la escultura, el cine y la fotografía,posee un estilo lleno de sentimiento poetico y humor, inspirandoa publicos diversos a traves de lo metaforico.Desde principios de la decada de 1990, Shimabuku ha viajado pordiversos lugares de Japon y del mundo creando obras yperformances que reflexionan sobre la vida cotidiana y lasculturas de las personas con las que se encuentra, asi como sobrelas nuevas formas de comunicacion entre nosotros y con losseres no humanos

El amor de Ai Weiwei por la literatura y su pasión por la libertad de expresión define su trayectoria. Que esta exposición lleve el título de Don Quixote no es casual. Ai Weiwei's love of literature and passion for freedom of expression have defined his path through life. His choice of title for this exhibition was quite intentional.

La exposición Reflejos. Picasso/Koons surge de la iniciativa del Museo Picasso Málaga de ampliar sus actividades a las más relevantes instituciones culturales de Andalucía. El emplazamiento elegido es, en esta ocasion, el Museo de Bellas Artes de Granada,

Sam Gilliam, artista afroamericano que vivió en la capital de Estados Unidos durante el auge del movimiento por los derechos civiles, abrió un camino con su singular visión artística. Gilliam surgió de la escena artistica de Washington, DC, a mediados de los años 60 con obras que trastocaron las normas y estilos artisticos establecidos.Las abstracciones liricas de Gilliam, incansablemente experimentales e inspiradas por el espiritu improvisado del jazz, adoptaron una variedad cada vez mayor de formas, estados de animo y materiales.Este libro, realizado en estrecha colaboracion con la Fundacion Sam Gilliam, es el primero en examinar exhaustivamente la amplitud de su extraordinaria carrera y presenta materiales de archivo nunca antes vistos y textos esclarecedores encargados recientemente que arrojan luz sobre el artista, su vida y su obra, junto con ejemplos del trabajo de Gilliam que abarca cinco decadas. Sam Gilliam (1933-2022) fue uno de los grandes innovadores de la pintura estadounidense de posguerra. Surgio en la escena de Washington DC a mediados de la decada de 1960 con obras que profundizaron y trastocaron el espiritu de la pintura de la Color School of painting.

Paul Cadmus entró en la escena del arte en la década de 1930 con pinturas de semi-mundos urbanos de ensueño: cuadros turbulentos de beatniks, marineros y prostitutas. La base de su trabajo siempre ha sido la maestria en dibujo del artista, que se ve en cientos de dibujos de modelos masculinos desnudos, entre ellos su amante y musa de toda la vida, Jon Anderson. Paul Cadmus: 49 Drawings recopila estos dibujos nunca antes vistos por primera vez, presentando un cuerpo de trabajo singular que ejemplifica el dominio clasico de Cadmus, canalizado hacia un enfasis obsesivo en las zonas eroticas de su modelo. Presentada en un sobre estampado, esta es una coleccion historica de arte queer de un maestro del siglo XX, cuyas imagenes se complementan con una introduccion de Graham Steele que detalla la importancia de Paul Cadmus en su carrera en el mundo del arte, ademas de un ensayo de Richard Meyer, destacado estudioso del arte queer, asi como un debate trascendental con los pintores Nash Glynn, Doron Langdon y Oscar yi Hou, moderado por el curador y critico Jarrett Earnest. Una rara exposicion de un importante conjunto de obras desconocidas de un importante artista del siglo XX y una contribucion sustancial a el estudio y legado del arte queer.

Allo que singularitza l'extermini perpetrat pels nazis es la planificació exhaustiva tant del crim massiu com de la seua invisibilitat. Els botxins, a partir d'un moment concret, van matar en llocs apartats. A mes, van destruir les victimes, en van disseminar les restes i van intentar dissipar les proves de la seua existencia. No contents de cremar els cadavers, tambe van llançar els arxius al foc. Es per aixo que tota investigacio sobre el tema, inclosa l'artistica, ha de consistir a unir trossos dispersos de documentacio que l'atzar ens ha llegat, peces salvades: vestigis, rastres. Pero, abans que Alemanya promulgara el decret 'Nit i boira' -que es el nom amb que eufemisticament es coneix la disposicio de 1941 que emparava les practiques de desaparicio forçada de persones-, ja els feixistes espanyols, alçats en armes contra el govern legitim de la Segona Republica, havien iniciat la seua propia guerra d'extermini sembrant el territori ocupat de cadavers inhumats en fosses comunes. Sense noms ni dates. Sense causes ni processos. Setanta-nou anys despres de l'"alliberament" d'Auschwitz, entes el nom no sols en la seua especificitat espacial, sino com a eponim d'un vast sistema d'extermini sense precedents, esdevingut al nucli mateix de la vella i culta Europa, son molts els p

El pintor estadounidense Roy Lichtenstein (1923-1997) impulsó una renovación artística en su país cuando irrumpió, en Nueva York a finales de la década de 1950, en una escena dominada por el expresionismo abstracto y definio un nuevo lenguaje creativo para una nueva era. Con su innovadora utilizacion de tecnicas de produccion industrial e imagenes cotidianas y triviales, como dibujos animados, tiras comicas y publicidad, Lichtenstein se sumo a artistas contemporaneos como Andy Warhol y James Rosenquist para retratar y satirizar a los medios de comunicacion y la cultura consumista de Estados Unidos. En obras como Look, Mickey! (1961), Drowning Girl (1963) y Whaam! (1963) aplico metodos de produccion a gran escala, en concreto la tecnica de puntos de Ben Day, para crear un efecto reverberacion y su inconfundible estilo de puntos pixelados. Este libro ofrece una aproximacion esencial a la carrera de Lichtenstein, desde sus primeras creaciones pop hasta las pinceladas de la serie Brushstrokes, pasando por el expresionismo abstracto y la reinterpretacion de obras maestras contemporaneos. Descubriremos su gran influencia en el arte moderno de mediados del siglo XX y veremos como su obra representa a la vez una critica y una cronica de los Estados Unidos de aquel tiempo.

"Eclecticism, accumulation, superimposition, relations, celebration these are just some of the words that can be used to describe this publication, Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus (Jordi Colomer. Facade Photo Fiesta Future Noodles), which looks at the artistic universe and life of Jordi Colomer (Barcelona, 1962), epitomised in sixty or so works sculptures, collages, photographs, installations, videos and live actions from the late 1980s to the present day. The book includes a selection of articles and essays by Elvira Dyangani Ose, Marti Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares and Nuria Gomez Gabriel that shed light on various aspects of Colomers practice, as well as extensive graphic documentation about his work. The overall intention is to set the chronological order of the narrative in disarray and to blend the accounts that help us to understand the artists universe. This book is published in three separate editions in Catalan, English and Spanish."