Rosa Barba es una artista residente en Berlín cuyo trabajo ofrece una deconstrucción crucial del cine y la escultura, y su relación entre ambos. Si bien sus instalaciones e intervenciones in situ desafian y reconstruyen las nociones del espectador sobre el cine y su puesta en escena en relacion con el gesto, el genero, los documentos y la informacion, sus peliculas se situan en un punto ambiguo entre el documental experimental y la narrativa de ficcion, prosperando en un momento contemporaneo a la vez que se basan en la memoria fugaz y la incertidumbre creciente. Basado en un extenso estudio en diversos lugares, y en ocasiones enriquecido con performances en vivo concebidas para activar sus piezas, el arte de Barba ofrece una experiencia que devuelve al publico a la realidad desconcertante y compleja que nos rodea a diario. Ampliamente ilustrada con mas de 150 fotografias, esta primera monografia sobre la innovadora artista incluye ensayos y textos de luminarias del mundo del arte (Stuart Comer, Shanay Jhaveri, Elisabeth Lebovici, Julie Ault), una nueva y esclarecedora entrevista con Barba, fotografias de estudio y mas. Rosa Barba es una artista visual y cineasta residente en Berlin. Ha recibido diversos premios, entre ellos el Premio de Arte de Zurich (2025), el Premio Cald

Una biografia d'Antoni Gaudí rigorosa i documentada que, en la millor tradició del gènere, desvela, desmitifica i sorprèn a parts iguals. "Sobre Gaudí encara no tenim el llibre complet que necessitar

Cuentan que cuando Marco Polo regresó de China su familia no lo reconoció. Como este gran viajero veneciano de antaño, Fabienne Verdier también regresó totalmente cambiada tras haber dejado su Francia natal a los veintidos años para adentrarse en lo mas profundo de la China comunista en busca de los secretos olvidados de la pintura tradicional de ese pais. Al principio de la decada de los ochenta, esta brillante estudiante de Bellas Artes ingreso en una escuela de la provincia de Sichuan y se enfrento a todo tipo de obstaculos, tanto en la vida cotidiana como en los derivados de prohibiciones de orden politico. Dejando atras todo cuanto habia aprendido del arte occidental, se convirtio en alumna de grandes maestros despreciados y marginados por la Revolucion Cultural que la iniciaron en los codigos de un arte milenario. Su extraordinaria interaccion con las tradiciones esteticas chinas amplio radicalmente su vision de lo que puede ser el arte y, al volver despues de casi diez años, no supo en que cultura se sentia mas en casa. 'Pasajera del silencio' es el testimonio del intento de Verdier de tender puentes entre dos mundos muy dispares y del origen del lenguaje propio que desarrollo para transitar entre uno y otro. Su experiencia ofrece una detallada vision de un capitulo de la historia cultural china poco conocido en Occidente, asi como un vivido documento biografico de una artista tan dotada para el conocimiento racional como para el intuitivo: la joven que emprendio ese viaje hace mas cuarenta años y que hoy es una figura preeminente del arte contemporaneo.Fabienne Verdier (1962) es pintora. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones publicas, entre ellas las del Musee Cernuschi, la Pinault Collection y el MNAM-Centre Pompidou en Paris, el Musee Barbier-Mueller en Ginebra, a Pinakothek der Moderne en Munich, el Museo Nacional de Oslo y el Kunsthaus en Zurich. En la obra de Verdier la pintura se convierte en un lugar para experimentar con la gravedad, el flujo, la vibracion y las ondas electromagneticas, de luz y sonoras. Esta se articula a partir de un lenguaje pictorico fruto de una hibridacion de conocimientos e inventos tecnicos unicos: pinceles de pendulo, herramientas gravitacionales, aleaciones de esmaltes y bocetos filmicos. Verdier no solo ha inventado un lenguaje enteramente nuevo, sino que sus investigaciones han abierto caminos visionarios en el terreno de la convergencia entre la energia terrestre y la imaginacion en el arte contemporaneo.

« La singularité de Berthe Morisot (1841-1895) fut de vivre sa peinture et de peindre sa vie. Elle prenait, laissait, reprenait le pinceau, comme nous prend, s’efface et nous revient une pensée. C’es

El arte de Ramón Núñez es un recorrido por la trayectoria creativa y personal de un artista que entiende el trabajo como una forma de exploración constante. A través de la experiencia directa, el ensayo y el error, Ramon Nuñez construye un lenguaje propio basado en la honestidad, la curiosidad y la implicacion total con cada proyecto. El libro muestra su evolucion a lo largo de distintas etapas, tanto artisticas como vitales, y pone en valor el esfuerzo, la disciplina y la valentia de asumir riesgos sin buscar la aprobacion externa. Mas que un simple compendio de obra, esta publicacion invita a reflexionar sobre el proceso creativo, la importancia de vivir intensamente y la necesidad de encontrar una voz autentica dentro del arte contemporaneo.

Francisco de Zurbarán tuvo un papel decisivo en la renovación del arte sevillano de la primera mitad del siglo XVII. Su interés por la expresión naturalista de las emociones humanas en la pintura religiosa constituye uno de los aspectos pioneros mas interesantes de su arte. Pero curiosamente, en la iconografia de las santas y virgenes, este pintor tan moderno mantuvo en la produccion considerable de su obrador, modelos de santas convencionales caracterizados por un rostro inexpresivo y la descripcion pormenorizada del ropaje de gran riqueza. De dicho obrador salieron varias series de santas que se han venido considerando como lo mas grato de su produccion. Estas figuras femeninas elegantisimas, con escasos atributos misticos, son un modelo de gracia autenticamente sevillana. Otras veces, en cambio, las santas aparecen con unos rasgos muy personales, lo que ha hecho suponer que se trataba de retratos a lo divino.

Esta breve monografía que ahora se presenta tiene principalmente un carácter general, si bien se han introducido aspectos específicos que pueden ser vías de acceso a futuras investigaciones. En términos generales se ha empleado el catalogo mas actualizado de Lopez Rey como punto de referencia, aunque tambien se han incluido obras que no son aceptadas por toda la critica pero cuyo debate y existencia el lector debe conocer. Durante las ultimas decadas las investigaciones y escritos sobre Velazquez se han multiplicado exponencialmente y su arte ha sido admirado y parafraseado por lo mas grandes maestros del siglo XX, entre ellos Picasso y Francis Bacon. El pintor y su obra siguen siendo tema de debate entre los especialistas empeñados en aprehender el sentido ultimo de sus imagenes que se nos muestran siempre abiertas en sus significados, dinamicas en su silencio secular. Admirados por la tecnica modernisima, el colorido elegante, el realismo trascendente, las composiciones meditadas, la espiritualidad tangible, se descubre que las obras de Velazquez -retratos, paisajes, bodegones, escenas sacras, de historia y mitologia son ademas fuentes inagotables de inspiracion en todas las artes.

El alto grado de asimilación de las novedades del renacimiento italiano por parte de los pintores Fernando Llanos y Fernando Yáñez, también conocidos desde un principio por las fuentes documentales e historiografía como los Hernandos, favoreció la gestación de testimonios pictóricos de primer orden a su regreso a la península tras su etapa italiana, logrando el encargo de las puertas del retablo mayor de la catedral de Valencia que marcan por sí solas un hito artístico sin precedentes en los albores del Renacimiento en España. Las novedosas pinturas de estos postigos del retablo mayor marcaron un punto de inflexión importante en el devenir de la pintura valenciana con ecos leonardescos y de otros pintores italianos contemporáneos suyos que asimilaron los Hernandos en Florencia y Roma. La actividad profesional de ambos pintores en Valencia, que compartieron en ocasiones proyectos al alimón, se alargó algunos años hasta el regreso de Llanos a Murcia y de Yáñez a Almedina y Cuenca donde dejaron otras muestras de su quehacer pictórico.

Narciso Tomé es una de las cimas del barroco nacional y europeo y, sin embargo, es uno de nuestros artistas más desconocidos. El conocimiento de su obra se ha relegado a la fama del Transparente de la catedral de Toledo y poco mas. ¿A que se debe este desconocimiento? En primer lugar, a la falta de una obra que de a conocer toda, o al menos, la mayor parte de su produccion, y, en segundo lugar, a que su obra se realiza inmediatamente antes de la llegada del neoclasicismo, cuyos tratadistas le atacaron de un modo tan feroz e injustificado que muchos de sus insostenibles prejuicios llegan casi hasta nuestros dias. Su obra, aun enigmatica en muchos aspectos, alcanza una de las grandes cimas del barroco de todos los tiempos y sera necesario conocer sus fuentes para poder valorar la verdadera y enigmatica personalidad de este artista, algo que todavia no se ha logrado plenamente.

punto de cumplirse los trescientos años del nacimiento de Francisco Salzillo Alcaraz y tras los muchos estudios que se le han ido dedicando desde el día de su muerte en 1783, este prodigioso y completo artista ha salido siempre airoso de los juicios que se le hayan podido hacer a lo largo del tiempo y de los cambios del gusto estetico. Al principio del Neoclasicismo estaba ya bien impuesto en España, pero el artista fue admirado por la equilibrada contencion y el delicado idealismo con que supo teñir el fuerte naturalismo de sus figuras y composiciones. Esa ultima cualidad le hizo luego ser admirado por romanticos y realistas de mediados del siglo XIX, a la vez que se ponia en justo valor el profundo sentimiento religioso que supo imbuir a sus creaciones, que era muy capaz de conmover a los espiritus sensibles. Desde la segunda mitad del siglo XX, los estudios positivistas, basados en documentacion estricta y miradas objetivas, le han despojado del aura romantica que alguna vez pudo haber ayudado a su mitificacion, pero es muy cierto que estos no han podido quitar un apice a su intrinseco valor artistico y, antes bien, han servido para reforzar su importancia en el panorama de los otros artistas contemporaneos, haciendo de el una figura reconocida y aclamada como uno de los artistas de alcance universal que dio el prolifico e irregular siglo XVIII.

En la trayectoria artística de Mena, como se valoró ya muy positivamente desde Palomino o Ceán, la presencia de Cano marca un antes y un después. No obstante, una vez en Málaga, irá depurando las lecciones aprendidas hasta configurar su propio estilo, mucho mas realista, naturalista, profundamente expresivo y, todo ello, dentro de un singular virtuosismo tecnico. De ahi que, en ultima instancia, Mena haya de ser considerado como figura unica y señera del patrimonio cultural malagueño, mas sin olvidar que, en sus obras firmadas, casi siempre hizo constar su origen granatensis, donde nacio en 1628, y donde habito hasta los 30 años en que se avecindo en Malaga. Estas dos grandes etapas de su vida granadina y malagueña, ambas con la misma duracion temporal de treinta años seran las bases articuladoras de este trabajo.

ÍNDICEIntroducción-Estado de la cuestiónI. Primeros años en Madrid-Periodo de aprendizaje-Pintores en Madrid a finales del siglo XVII y primer tercio del XVIIIII. Primeros retratos reales. La imagen de la nueva dinastia-1700. Resumen historico. El cambio de dinastia y la llegada de Felipe de Borbon-De la magestad del retrato el mundo a de conocer que el augusto original ensierra sangre real.-1701-1714. Retratos españoles de Felipe V y Maria Luisa Gabriela de Saboya.-Felipe el Animoso-Los primeros retratos de los reyes pintados por Miguel Melendez-1704. Miguel, cabeza de familia-1708. Retratos de la coleccion del Duque del Infantado-La difusion de la imagen de los reyes. Retratos anteriores a 1712-Los primeros retratos de Luis, Principe de Asturias-1710. El archiduque Carlos de Austria en Madrid. La Anunciacion del Museo de San FranciscoIII. Acercandose a la corte. Las estampas como instrumento de propaganda-Estampa alegorica dedicada a Luis, principe de Asturias-La vision de fray Luis de GranadaIV. Miguel Melendez, pintor del rey-1712. Los retratos del Museo Cerralbo-Otros retratos de los reyes pintados hacia 1712-1714. Los ultimos retratos de Maria Gabriela de SaboyaV. Un pintor acomodado-1716. Inventario de los bienes de MelendezLas pinturasLos dibujosLas estampasLos libros-Segundo matrimonio de Melendez. ¿Retratos de familia?VI. La nueva reina, Isabel de Farnesio-Los retratos del Palacio de Viana-1717. Francisco Antonio Melendez vuelve de Napoles-Retratos de Isabel de Farnesio anteriores a 1723-El Principe de Asturias, caballero de las Ordenes del Saint-Esprit y del Toison de Oro.-Alegoria de AsiaVII. Cuadros religiosos: 1718-1722-Las grandes Anunciaciones-El Cantico de Simeon-Los Desposorios de la Virgen-Las Virgenes de San Placido-La Virgen de la Caridad del Campo del Rey-La Sagrada Familia de Puente la ReinaVIII. Nuevos retratos reales tras la llegada de Jean Ranc: 1723-1726-El retrato de la princesa Maria Ana Victoria.-1722. Llega Ranc a España-Retratos de Melendez de la Familia real fechables entre 1723 y 1727.-Los retratos del Museo del Prado y la Academia de la Historia-1724. La abdicacion de Felipe V y los retratos del nuevo rey de España,Luis IIX. La consolidacion de los Melendez en el panorama artistico de Madrid. 1724-1727-Los retratos para la Biblioteca Real Publica y sus replicas-Los retratos de la Catedral de Burgo de Osma-Retratos de personajes ilustresX. Cuadros religiosos de la ultima etapa de su vida-Pequeños cuadros de devocion de la Virgen y San Antonio con el Niño-Exaltacion del Santisimo Sacramento-La presentacion de los atributos de la Pasion al Niño Jesus-Las Inmaculadas-San Jose y el Niño-Santos matamoros: San Raimundo Fitero y San Isidoro de Leon.-Dos apariciones de la Virgen.-El problema del San Simon de Rojas difunto-Otros dibujos religiososXI. 1734. El ultimo encargo que no pudo terminar. Los bocetos para San Felipe el Real-San Agustin conjurando la plaga de la langosta-El entierro del Conde de OrgazXII. La muerte de Miguel Jacinto MelendezBibliografiaAdenda

El llibre que teniu a les mans pretén recordar i posar en valor la figura i l’obra d’un artista que mereix ser conegut. Bartomeu Carrió ens apropa a la història de Gabriel Comas Roca (1892-1978), un

"Afortunadamente extraviado, Egon Schiele caminaba con premura zigzagueante, saltando entre trincheras, tocado por el Zeitgeist de su época y a la vez al margen. Privado de las esclavitudes de Franz Marc, Schiele partio de Klimt para luego quebrarle. Su arte aspero terminara de desarrollar un nuevo concepto formal, paradigma del descenso a las profundidades del ser buscando la muerte en la vida y lo feo en la belleza..."

«Tàpies es uno de los escasos artistas que responden, al igual que su trabajo, a la exigencia que formulaba Wittgenstein: absolutamente nuevo y completamente antiguo. Mencionemos también a Picasso o

–«El surrealismo ha fracasado, ¡oh, demonios inquisidores de lo abstracto!» Así de contundente se muestra el señor Dalí, protagonista indiscutible, en una de las numerosas canalizaciones que dan cuer

* Una combinación de la fuerza visual de Frida Kahlo con un diseño práctico y elegante. * La portada, inspirada en la obra El marco (autorretrato), aporta color, estilo y un toque artístico que conv