Libros de Pintores y escultores, página 22 de 441

Esta publicación presenta la obra de Teresa Solar Abboud (Madrid 1985)

Con casi 700 imágenes, Tattoo you: A New Generation of artists muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres mas importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle. Cada artista va acompañado de una seleccion de imagenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y como estan transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta practicas culturales e indigenas, Tattoo you abarca todos los estilos y tecnicas, ofreciendo una mirada interna a como trabajan los artistas de todo el mundo hoy en dia, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje. como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.

Cuatro grandes pintoras. Ramón Gómez de la Serna glosa aquí las figuras de cuatro destacadas pintoras del siglo XX. La santanderina María Blanchard (1881-1932) y su arte magnífico, hecho a la miste

Soledad Sevilla. Ritmos, tramas, variables acompaña la exposición homónima en la que se repasa cronológicamente la trayectoria de la artista, con especial atención a ciertos patrones que se repiten como el modulo, la linea o la trama. Las obras reunidas en la publicacion dan cuenta de la coherencia y circularidad en la evolucion de Sevilla, desde sus inicios en el Centro de Calculo de la Universidad de Madrid hasta su obra mas reciente, como la serie en la que homenajea a Eusebio Sempere, referente y amigo.Los ensayos reflexionan sobre el trabajo de la artista desde distintos puntos de vista: situan su abstraccion geometrica en el contexto artistico nacional e internacional de las decadas de 1960 y 1970; o inciden en la mutacion continua de su universo creativo y en el caracter poetico y emocional de su obra. Isabel Tejeda, comisaria de la exposicion, pone enfasis en el peso de la belleza y la intuicion en su trabajo, reivindicando la capacidad de sus instalaciones de confrontarnos con la liminalidad y lo inaprehensible.La artista se expresa con voz propia a traves de fragmentos de un texto publicado originalmente en 1995, y el arquitecto Antonio Cayuelas escribe sobre el estudio que ha construido para Sevilla en la Vega de Granada, un espacio que preserva la memoria de las arquitecturas agricolas de la zona y homenajea su obra a traves de la luz, sus variaciones y movimiento.

Ignacio Fortún. Cinco capítulos es un reflejo del tiempo cambiante y la sociedad actual. A través de paisajes urbanos y naturales, Fortún explora la relación entre el individuo y la comunidad, utilizando arquitecturas calladas como metaforas de identidad en un mundo en transformacion. El pintor actua como arquitectoguia, proyectando el discurso hacia un futuro incierto pero lleno de posibilidades. Una atmosfera argumental que se potencia a traves de los soportes metalicos en los que se desarrolla habitualmente la obra de Fortun, a los que ha añadido en esta ocasion tecnicas mas tradicionales como la pintura sobre tela y papel, que le permite trabajar con las calidades y cualidades luminicas de cada uno de los materiales. Organizada en cinco capitulos, la exposicion revela, obra a obra, la maestria tecnica y la profundidad conceptual del pintor que, a modo de relato, fragmenta y a la vez cohesiona aquellos temas que transitan por su ultima obra, en los que reflexiona, con armonia y lucidez, sobre la sociedad que nos rodea

Antonio Saura decía que asociaba el arte más a la intensidad que a la belleza. No nos debe extrañar esta afirmación puesto que él fue, sin duda, un pintor de órdagos, exageraciones y exabruptos, un artista radical que en ningun caso podia dejar indiferent

Francisco de Goya and Edvard Munch revolutionised art through their groundbreaking pairing of raw realism and unique imaginative power. Exploring inner worlds and existential questions, they had a fo

Las dos treinta y seis vistas de la serie del Monte Fuji de Utagawa Hiroshige, 1852 y 1858, son a la vez un acto de copia y, en sí mismas, esfuerzos artísticos innovadores. Katsushika Hokusai publico su famosa serie Treinta y seis vistas del monte Fuji en 1830-1832 e influyo enormemente en Hiroshige para hacer su propia serie Treinta y seis vistas del monte Fuji serie 1852 y 1858, que tratamos aqui. Hiroshige cambio al formato de retrato vertical con resultados novedosos e interesantes. Tiene el mismo formato vertical para paisajes que Hiroshige uso en su innovadora serie Cien famosas vistas de Edo, creada con Eisen en 1835-1842. Es posible viajar para ver los mismos sitios hoy y disfrutar de las vistas del Monte Fuji, que todavia son muy importantes para los japoneses.

Les persones sempre han fugit, des dels primers compassos de la humanitat. Marcat per les experiències personals més doloroses de l’exili, Ai Weiwei sempre s’ha sentit un estranger, i és a partir de

La belleza del arte es necesaria para la felicidad. En la vida cotidiana las artes dan esa dimensión extra a la vida que la convierte en una gran aventura. El arte y el diseño en edificios, urbanismo, jardines y parques, carreteras, puentes: todo lo que utilizamos a diario contribuye a una vida feliz y plena. Los edificios antiesteticos, el diseño descuidado, la mano de obra de mala calidad, la basura y las destrucciones contribuyen a una vida miserable. ¿Por que querrias una vida miserable? ¿Por que querrias imponer una vida miserable a los demas? Hokusai no solo fue un gran artista, sino que tambien hizo posible que la gente comun pudiera permitirse el lujo de comprar sus impresiones gracias a su precio asequible. Transmitio la belleza de la majestuosidad del Monte Fujijama. Traslado la belleza del paisaje comunicando a la gente que mirara a su alrededor, observara y disfrutara de la belleza del paisaje. Quiso reflejar la belleza de una buena vida humana: la artesania en la fabricacion de la madera, la construccion del barco, la pesca, el cultivo del te, el disfrute del te admirando el paisaje. Las treinta y seis vistas del Monte Fuji son grabados religiosos. Pero a diferencia del tipico motivo religioso cristiano, los humanos no se muestran enfocados en la deidad todo el tiempo, ni siquiera cuando se muestra el Monte Fuji teniendo una influencia penetrante en sus vidas. La admiracion y la adoracion por el Monte Fuji aparecen, a menudo, como incidentales. Un solo viajero del grupo echa un vistazo a la majestuosa montaña mientras los demas estan ocupados con muchas otras tareas. En otras palabras, una interpretacion muy realista de como lo divino participa en la vida cotidiana

La belleza del arte es necesaria para la felicidad. En la vida cotidiana las artes dan esa dimensión extra a la vida que la convierte en una gran aventura. El arte y el diseño en edificios, urbanismo, jardines y parques, carreteras, puentes: todo lo que utilizamos a diario contribuye a una vida feliz y plena. Los edificios antiesteticos, el diseño descuidado, la mano de obra de mala calidad, la basura y las destrucciones contribuyen a una vida miserable. ¿Por que querrias una vida miserable? ¿Por que querrias imponer una vida miserable a los demas? Hokusai no solo fue un gran artista, sino que tambien hizo posible que la gente comun pudiera permitirse el lujo de comprar sus impresiones gracias a su precio asequible. Transmitio la belleza de la majestuosidad del Monte Fujijama. Traslado la belleza del paisaje comunicando a la gente que mirara a su alrededor, observara y disfrutara de la belleza del paisaje. Quiso reflejar la belleza de una buena vida humana: la artesania en la fabricacion de la madera, la construccion del barco, la pesca, el cultivo del te, el disfrute del te admirando el paisaje. Las treinta y seis vistas del Monte Fuji son grabados religiosos. Pero a diferencia del tipico motivo religioso cristiano, los humanos no se muestran enfocados en la deidad todo el tiempo, ni siquiera cuando se muestra el Monte Fuji teniendo una influencia penetrante en sus vidas. La admiracion y la adoracion por el Monte Fuji aparecen, a menudo, como incidentales. Un solo viajero del grupo echa un vistazo a la majestuosa montaña mientras los demas estan ocupados con muchas otras tareas. En otras palabras, una interpretacion muy realista de como lo divino participa en la vida cotidiana.

La obra escrita de Remedios Varo, con excepción del paródico tratado De Homo Rodans (1960), permaneció prácticamente oculta durante muchos años o fue publicada de forma fragmentaria y dispersa. Sin embargo, supuso para ella una prolongada oportunidad para dar rienda suelta a sus pensamientos mas intimos. En los cuadernos aparecidos tras su muerte se encontraron cartas, relatos, proyectos y sueños que reflejan nitidamente su compleja personalidad. Angustiosos o humoristicos, espontaneos siempre, los escritos de Remedios Varo completan la imagen de una artista total, que logro expresarse por igual a traves de la pagina y del lienzo. Editar este material, en principio no concebido para su publicacion, supone asomarse al taller de una artesana solitaria, que anteponia el proceso creador al exito y que, a la vez, se relaciono intensamente con destacadas figuras de su epoca como Benjamin Peret, Leonora Carrington, Kati Horna, Wolfgang Paalen, Esteban Frances, Gerardo Lizarraga o Cesar Moro. Viajar a traves de la obra, escrita y pictorica, de Remedios Varo nos permite revivir la agridulce aventura del exilio y reconstruir un panorama colectivo de creacion, amistad, libertad y resistencia. Remedios combina maquinas, poesia, misterio, imagenes oniricas de un laboratorio, aparatos cientificos, instrumentos musicales, creacion, alquimia y magia. Irene Vallejo El surrealismo reivindica su obra por entero. Andre Breton Primera recopilacion completa de la obra escrita de Remedios Varo. Reune cartas, sueños, relatos, recetas humoristicas, ejemplos de escritura automatica y proyectos inacabados. Incluye textos ineditos. Remedios Varo (Angles, Gerona, 1908-Mexico, 1963) es una de las mas interesantes figuras del exilio republicano español. Inicio sus estudios en 1924 en la Academia de San Fernando de Madrid y posteriormente se traslado a Barcelona, donde se impregno del espiritu vanguardista de la epoca. Al estallar la Guerra Civil, viajo a Paris y se integro en el grupo surrealista. En 1942, se traslado a Mexico, pais en el que residio hasta su muerte. Su obra pictorica, profundamente personal y a la vez resultado de diferentes influencias que van desde el surrealismo hasta la pintura flamenca o la alquimia, es actualmente reconocida y reclamada en los mas importantes museos del mundo. Ademas de su extensa produccion pictorica, Remedios Varo se dedico a otras actividades como la creacion de objetos, esculturas y figurines para el teatro, y, muy especialmente, a la escritura. A traves de la palabra, Remedios Varo recrea el mismo ambiente onirico que se despliega en su pintura y nos conduce a un mundo de prodigios habitado por criaturas singulares, en un tiempo y un espacio diluidos por el humor y la poesia. Isabel Castells Molina (1965) es profesora titular de Literatura Española en la Universidad de La Laguna. Estudiosa del surrealismo y del exilio republicano español, ha editado la obra literaria de Eugenio F. Granell. Ha editado tambien a autores de la vanguardia canaria como Antonio Dorta, Julio Antonio de la Rosa y Emeterio Gutierrez Albelo. Es responsable de la primera recopilacion de la obra escrita de Remedios Varo (Mexico, Era, 1997). La edicion que presentamos ahora reune de nuevo todo ese material, actualiza la bibliografia que ha generado el creciente interes hacia su obra e incluye documentos ineditos.

Utagawa Hiroshiges zwei Sechsunddreiig Ansichten des Berges Fuji Serien, 1852 und 1858, sind sowohl eine Kopie als auch an sich innovative kunstlerische Bestrebungen. Katsushika Hokusai veroffentlichte 1830-1832 seine beruhmte Serie Sechsunddreiig Ansichten des Fuji und beeinflusste Hiroshige enorm zu seiner eigenen Serie Sechsunddreiig Ansichten des Fuji 1852, mit der wir uns hier befassen. Die 1852 Serie hat das gleiche horizontale Format fur Landschaften wie Hokusai benutzt. In einer nachfolgenden Serie von sechsunddreiig Ansichten des Fuji, die 1858, wechselte Hiroshige mit neuartigen und interessanten Ergebnissen zum vertikalen Portratformat. Wir behandeln dies in einem separaten Band. Es ist heute moglich, dieselben Sehenswurdigkeiten zu besichtigen und die Aussicht auf den Fujisan zu genieen, der fur die Japaner immer noch sehr wichtig ist.

Las dos series de las treinta y seis vistas del Monte Fuji de Utagawa Hiroshige, 1852 y 1858, son un acto de copia pero al mismo tiempo, en sí mismas, repesentan un esfuerzo artístico innovador. Katsushika Hokusai publico su famosa serie Treinta y seis vistas del monte Fuji en 1830-1832 y ejercio una enorme influencia en la serie de Hiroshige, Treinta y seis vistas del monte Fuji de 1852, de la que tratamos aqui. Utiliza el mismo formato horizontal para paisajes que Hokusai. En una serie posterior, Treinta y seis Vistas del Monte Fuji publicada en 1858, Hiroshige cambio al formato de retrato vertical con resultados novedosos e interesantes. Nos ocupamos de este tema en otro libro. Hoy es posible viajar para ver los mismos sitios y disfrutar de las vistas del Monte Fuji, que todavia es muy importante para los japoneses.

La baronesa von Freytag-Loringhoven dio cuerpo a la vanguardia neoyorquina de principios del siglo XX: creó piezas con objetos encontrados; fue modelo lejos de la figura de una musa y performer en acciones de denuncia contra los postulados artisticos de s

La venerada tradición de la ilustración botánica se remonta al Renacimiento. Surgió del deseo de catalogar la naturaleza en su esplendor impredecible, y la tarea necesitó de la participación de artistas de talento.Con su extraordinaria habilidad para capturar los temas mas intrincados de la naturaleza, Pierre-Joseph Redoute esta considerado el mejor pintor y grabador de motivos botanicos. Trabajar con plantas vivas en lugar de los especimenes de herbario proporciono a sus acuarelas una sutileza y frescura inusuales. Tambien fue un innovador en los metodos de impresion, e introdujo en Francia la tecnica de grabado del punteado en busca de una mayor exactitud en su arte. Redoute logro por casualidad el apoyo de algunos de los mecenas mas influyentes de la epoca, incluidas Maria Antonieta y la emperatriz Josefina Bonaparte, lo que le aseguro una buena financiacion y exposicion de su trabajo.Su impresionante coleccion comprende mas de 2.000 pinturas de plantas realizadas con estricta fidelidad a las formas naturales. En esta exquisita edicion de Les Roses, Redoute dirige su atencion a la flor mas romantica, deseable y evocadora. Publicada originalmente en tres volumenes entre 1817 y 1824, sigue siendo su obra mas famosa y celebrada.

"Martínez Mengual ha construido un universo estético y conceptual plenamente actual que, sin embargo, no se ha subordinado a ninguna de las grandes corrientes que protagonizaron el ""retorno de

La chiquita piconera y sus paradojas aborda la inmortal obra de Julio Romero de Torres desde sus antecedentes pictóricos hasta el uso que de él hicieron ideologías progresistas y reaccionarias. Tras la muerte de Julio Romero de Torres en 1930, La chiquita piconera se convertiria en una entidad mas alla de la realidad de su propia modelo y un mito divulgado a traves del cante, la zarzuela, la poesia o el teatro apuntalado en la libidinosa fabula entre esta y el pintor. Pero este inconfundible icono parece encontrar su acomodo en la pintura dedicada a la prostitucion una vez se aborda su simbologia y la relacion del pintor con otros artistas que dedicaron sus obras a esta tematica. Paradojicamente, su evolucion a traves de las decadas la ha llevado a ser tomada por la sociedad actual como la representacion de la mujer empoderada.

Este libro ofrece un amplio y variado conjunto de estudios que iluminan la singularidad del artista Mariano Fortuny y Madrazo (Granada,1871 Venecia,1949). Su obra, universalmente conocida y difícilmente clasificable engloba pinturas, esculturas, fotografias, invenciones y diseños de estructuras escenograficas, de vestuario y de modernos sistemas de iluminacion, restauracion, museografia y cine. Dividido en tres bloques, este libro propone, desde reflexiones generales y contextualizadas sobre la recepcion y posterior fortuna critica e historiografica de su obra, especialmente en España, a sus vinculos con ciertas tendencias artisticas de finales del XIX y con el wagnerianismo y sus puestas en escena; desde sus aportaciones revolucionarias al mundo del teatro hasta el papel que jugaron en su produccion la memoria familiar sobre sus primeros años de vida y sus viajes posteriores a Granada, dedicandose el ultimo bloque a su extraordinaria contribucion al mundo de los tejidos y la moda. Durante toda su vida, Fortuny se mantuvo en una eclectica modernidad que miraba al exotismo oriental y al mundo grecoromano, con especial atencion al periodo arcaico , pero fue un artista de su tiempo pese a que la aventura creativa que emprendio, su vocabulario y su sintaxis, no coincidieran siempre con los de las vanguardias historicas. Lo que consiguieron las obras de Mariano Fortuny y Madrazo, como las de los grandes creadores, es ser atemporales porque continuan manteniendo su eficacia estetica en pleno siglo XXI, especialmente algunos de sus exquisitos y sencillos diseños de trajes, que continuan luciendose en pasarelas y alfombras rojas; y lo que consiguen asimismo algunas de sus lamparas, que hoy decoran las mas modernas y sofisticadas residencias.