Libros de Teatro, página 15 de 63

El objetivo fundamental de este libro es demostrar que el significado del tetaro de García Lorca se encuentra abierto a los receptores de cualquier época y debe ser considerado como el resultado de la suma de sus ''concreciones'' a lo largo de la historia.

Recuerdo la cantidad de escuelas donde el títere, la dramatización y el teatro tienen un lugar muy pequeño y en el gran número de maestras y maestros animosos, dispuestos a introducir una pizca de locura en las aulas que precisan un empujon para hacerlo. Tambien a los grupos de jovenes que necesitan recursos para dar rienda suelta a todo ese potencial creativo que tal vez lo tienen medio dormido. Y a los padres y madres que tienen muy presente la alimentacion intelectual, espiritual y artistica de sus hijos. A todos ellos va dirigido este libro.

Nos encontramos ante un libro que pretende ser marco de análisis para la lectura de un repertorio variado de textos teatrales cuya característica común es la de contener partituras teatrales. La necesidad de este analisis como paso previo a la puesta en escena implica a directores de escena, directores musicales, actores cantantes y a todo aquel que quiera profundizar en el texto teatral como un continuo de fragmentos hablados, musicados o no, cantados o bailados. Destacar la union de la musica y el texto en diferentes niveles de relacion y a traves de diferentes elementos para una puesta en escena constituye uno de los objetivos fundamentales del libro, para lo que se subraya la necesidad de un trabajo conjunto entre director de escena y director musical.

Las obras de este Teatro del compromiso responden a dos concepciones de la escritura escénica y un único estilo. Dos concepciones, porque si Los silencios de la historia se adentra en el complejo campo del juego de perspectivas, Derecho a morir parte de un concepto dramaturgico mas lineal. La primera plantea una dificil gramatica escenica, muy cercana a formulas innovadoras; la segunda, se enmarca dentro de lo que se podria calificar como teatro de desarrollo tradicional. La primera anda pendiente de estreno; la segunda vio los escenarios con merecido aplauso. Ambas van unidas por un mismo cordon umbilical: el estilo depurado, elegante y al tiempo rebelde de dos textos hermanados por el deseo de reprobar. Reprobar situaciones dignas de critica, merecedoras de la mirada acusadora del teatro, como siempre lo ha sido desde Esquilo a Arthur Miller, desde Aristofanes a Brecht, y aun despues. Jose Luis Ramos Escobar se nos presenta como un autor comprometido, hijo de su tiempo y de sus circunstancias, hermanado con toda America Latina y, por supuesto, con España, en donde ha sido conocido, premiado e interpretado. De ahi que su presencia en EDITUM, ademas de celebrarla como merece todo estreno, abra nuevas puertas a la dramaturgia del otro lado del Atlantico, tan cercana, pero tambien tan lejana.

Los documentos escritos y gráficos son en este caso mucho más traicioneros e insuficientes que los referidos a otros aspectos de la producción teatral. Ante dichas circunstancias no resulta extraño que la vida de cualquier gran actor del pasado este rodeada de un halo glorificador y de la imprecision caracteristica a toda literatura memorialistica. Y no hay literatura mas mentirosa que esta porque con frecuencia se presenta como verdadera, haciendo caso omiso de los procesos deformadores y niveladores de la memoria y del olvido. El caso de Julian Romea y Yanguas (1813-1868) es un ejemplo paradigmatico: uno de los mas notables actores españoles del siglo XIX, alcanzo la maxima consideracion en su tiempo y se convirtio en una celebridad. La finalidad de esta edicion es poner al alcance de los lectores sus reflexiones sobre el arte del actor tal como el las explicaba a sus alumnos del Real Conservatorio de Madrid. Se han tomado como base la ultima edicion publicada en vida del actor de su Manual de declamacion (1865) y la unica edicion realizada de Los heroes en el teatro (1866). Ambos textos aunan en sus paginas tanto la narracion autobiografica como la exposicion sumaria de una serie de conceptos literarios generales y referentes a la declamacion. Romea y Yanguas ejercio una notable influencia sobre varias generaciones de actores, aquellos que se identifican con la manera realista de representar, cuyo horizonte y limitaciones quedan expuestos con gran claridad en estos ensayos

Editado por Judith FarréAborda distintas cuestiones que giran en torno al teatro en España y América, desde temas, motivos y formas del teatro del Siglo de Oro, hasta cuestiones de escenografía.

Edición, introducción y notas de Luigi Giuliani. La Alejandra y la Isabela de Lupercio Leonardo de Argensola son dos testimonios excepcionales de la tragedia del horror de derivación senequista que distinguio los inicios del teatro comercial en España. Ambas se publicaron solo dos veces, en 1772 y 1889. Este volumen presenta la primera edicion critica de los obras, reconstruidas a partir de un total de diez manuscritos, con una abundante anotacion y un extenso estudio en que se analizan los problemas textuales, las fuentes latinas e italianas y los puntos de contacto con otras obras del autor, y se colocan estas dos tragedias en el contexto del teatro renacentista español y europeo.

Aborda el teatro como texto, su vida al albur de cada representación de la obra y los cambios y modelizaciones que cada una de las puestas en escena provocan en un grupo de señeras obras del Siglo de

Marcos Rosenzvaig va desplegando las relaciones entre teatro y enfermedad a lo largo de la historia. Toma la religión como pretexto, pero son lo sagrado y la separación entre lo puro y lo impuro los argumentos que articulan el fundamento teórico de esta obra. Se trata de una auténtica arqueología ávida por establecer la relación que existe entre el teatro y la enfermedad. Para ello, basta citar el nombre de algunos capítulos en los que el lector advertirá más que capítulos verdaderos tópicos: ?La comedia de la enfermedad?, ?La enfermedad y el poder?, ?La enfermedad de lo monstruoso?, ?El pecado y el glamour de la enfermedad".

Florencia Calvo Las representaciones teatrales en el siglo de oro español constituían una de las formas de entretenimiento con más presencia en la época. Tanto los corrales (nombre que recibían las salas comerciales) como los salones de los palacios eran sitios de asistencia constante de un variado y multitudinario publico riguroso en la busqueda de espectaculos que satisficieran sus exigencias. Las mas diversas materias fueron objeto de dramatizacion durante el barroco y figuras emblematicas como Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderon de la Barca se nutrieron tanto de relatos historicos, mitologicos y legendarios como de creaciones ficcionales propias para edificar un corpus inagotable pero siempre sometido a canones precisos y reconocibles. ¿Cuales son, dentro de estas reglas de dramatizacion y representacion, los modos de contar la historia? ¿De que forma se recuperan para la escena los episodios consagrados para la construccion del gran relato del Imperio? ¿Es materia privativa de la tragedia o pueden elegirse los moldes de la comedia? Y, en definitiva ¿como se articulan lo dramatico, lo historico y lo ideologico en un sistema de enorme recepcion como fue la Comedia aurea que permite la aplicacion de la famosa maxima horaciana del deleitar aprovechando? Con gran solvencia intelectual pero con enorme sencillez expositiva, Florencia Calvo trabaja sobre estas preguntas y acerca al lector los resultados de las indagaciones que años de investigacion en el teatro del siglo de oro le han permitido alcanzar.

PREMIO NOBEL DE LITERATURA AÑO 2000 La selección de textos publicada en esta edición presenta una cara de Gao que no es la menor, ya que una importante parte de su labor se concentra en el escenario. Hemos aqui pues sus obras de teatro escritas en lengua francesa: Al borde de la vida, El hombre en busca de la muerte, Cuatro cuartetos para un fin de semana, El sonambulo y Balada nocturna (libreto para un espectaculo de danza). A estos textos se añaden una opera, La nieve en agosto, y la obra La otra orilla, escritas originalmente en lengua china, el poema El deambular del pajaro, escrito para el guion de su pelicula La silueta cuando no la sombra, y otros dos textos: los ensayos A proposito de La silueta cuando no la sombra y El potencial del teatro. El presente volumen tiene el enorme merito de destacar el caracter polivalente de la obra de Gao, que es la de un artista completo: pintor, novelista, poeta, hombre de teatro, cineasta Su concepcion del arte abarca sus distintos componentes fusionandolos sin cesar y generando a su vez un arte nuevo que se entrega como lo que Adorno llama un enigma: Todas las obras de arte, y el arte en general, son enigmas. [] La obra dramatica de Gao Xingjian pareciera contestar con la mas genuina naturalidad a todos aquellos que vaticinan o vaticinaron un dia la muerte del teatro, dandoles la replica: ¿El arte ha muerto? ¡Pues que viva el arte!

Este libro está escrito al amparo de tres grandes disciplinas: Semiótica, Teoría de la Literatura y Musicología. La elección de este triángulo epistemológico sitúa al lector ante el objetivo principal del estudio: el analisis de los textos de cuatro comedias de Calderon de la Barca insertas en el marco de la Fiesta Teatral barroca (Celos aun del aire matan, La purpura de la rosa, El laurel de Apolo, y el golfo de las sirenas). Todas ellas son manifestaciones del primer teatro musical hispano, de calidad incontestable debido al quehacer conjunto de Juan Hidalgo y Calderon. Todas ellas son manifestaciones del primer teatro musical hispano, de calidad incontestable debido al quehacer conjunto de Juan Hidalgo y Calderon

En este volumen se recogen las reflexiones de las XXXII Jornadas de teatro clásico de Almagro, 7, 8, y 9 de julio de 2009.

Recoge las sesiones plenarias, impartidas por destacados dramaturgos y críticos, así como las comunicaciones expuestas (tras previa selección) en el XX Seminario Internacional de Semiótica Literaria, Teatral y Nuevas Tecnologías de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, celebrado en Madrid.

Enrique Jardiel Poncela está reputado sin discusión como el gran renovador del teatro cómico del siglo XX. A él se debe una escuela de seguidores y un modo de hacer. Sin embargo, es más famoso que conocido y faltaban en sus estudios aspectos principales. Se ha tratado de su pertenencia a las vanguardias y a la generacion del 27, de la inverosimilitud de su estetica e incluso de su teoria del humor. Pero se echaban en falta varios aspectos: una revision de su contribucion a la escenografia y a la puesta en escena; un analisis detallado de sus tecnicas de dialogo y todas sus permutaciones en el empleo del idioma; su lenguaje escenico y sus recursos humoristicos. Su teatro se ha estudiado como si de obras dramaticas se tratase. Se nos ha asegurado que su teatro es gracioso, pero no se nos ha dicho por que, cuales son las fuentes de su humor ni con que teorias filosoficas entronca.Este ensayo describe la aportacion de Jardiel a la comedia de humor, centrandose especialmente en sus innovaciones o aportaciones especificas. Ademas de su obra, estudia su labor como teorico del teatro, su actividad como director de escena y productor, y su contribucion al arte escenografico mediante la invencion de un teatro de escenografias moviles.ENRIQUE GALLUD JARDIEL (Valencia 1958-) es Doctor en Filologia Hispanica y se ha especi...

Federico García Lorca, poeta popular y una de las cimas del teatro español del siglo XX, fue un hombre de teatro completo, un "artista total" con una vida corta y plena que fue una aventura de principio a fin. De su dramaturgia destaca Yerma como obra realista del siglo XX, aunque sus personajes encaran sus problemas con tal arrebato que la convierten en tragedia. Además de esta obra del autor granadino, el presente volumen nos brinda la inteligente lectura que Luisa Josefina Hernández realiza de ella.

Recoge cuatro piezas de este peculiar y carnavalesco subgénero dramático: "El Mariscal de Virón", "No hay vida como la honra", "El robo de Elena" y "El muerto resucitado", precedidas de un exhaustivo