eBooks de Historia del arte, página 19 de 384

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de caracter historico sino filosofico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relacion con la filosofia taoista a partir de la nocion de vacio que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepcion china del universo y su comprension del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica tambien al lector occidental la adscripcion de este arte a la concepcion taoista, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictorica.

Descubra las obras de arte que se atrevieron a ser diferentes, que arriesgaron reputaciones y que pusieron en peligro carreras profesionales. Las fascinantes historias que hay detrás de la creación, la recepcion y el legado de 50 obras transgresoras. Desde Las bañistas (1853), de Gustave Courbet, hasta la Fuente (1917), de Marcel Duchamp, Antropometria sin titulo (1960), de Yves Klein, La cena (1974-1979), de Judy Chicago, pasando por el Cristo del pis (1987), de Andres Serrano, y El amor esta en la papelera (2018), de Banksy, en estas paginas hallara egos enormes, feministas ortodoxas, reclusos superdotados, espiritistas, anticonsumistas, activistas, satiricos y mucho mas. Al contar la historia del arte contemporaneo a traves de obras que fueron verdaderamente disruptivas y explicar el contexto en el que se creo cada una, este libro pone de relieve la esencia del arte contemporaneo, cuestiona y desafia las expectativas de forma constante."Todo acto de creacion es, ante todo, un acto de destruccion". Pablo Picasso

Elias Rogent i Amat (1821-1897) fue una destacada figura de la vida académica, política y cultural barcelonesa de la segunda mitad del siglo XIX, alcanzando gran prestigio nacional e internacional con trabajos como la direccion de la restauracion del monasterio de Ripoll, de gran simbolismo politico, o la direccion de la Exposicion Universal de 1888. Catedratico y director de la Escuela de Arquitectura, sera pionero en el estudio de los edificios medievales como metodo para encontrar una arquitectura nacional propia de gran influencia en la siguiente generacion de arquitectos como Gaudi, Domenech i Montaner o Puig i Cadafalch, entre otros.De entre las obras de Rogent destaca el edificio de la Universidad de Barcelona, diseñado y construido a lo largo de mas de 20 años (1861-74) siendo uno de los mejores ejemplos del paso del academicismo imperante en la primera mitad del siglo XIX al naciente regionalismo de la segunda mitad del mismo siglo, en la frontera temporal de lo que hoy llamamos, de forma abusiva, modernismo.El presente libro nos introduce en el momento historico en que se cruzan autor y edificio con el retorno de la Universidad a Barcelona, el desarrollo de nuevas teorias en arquitectura y la construccion de edificios representativos en el naciente Ensanche barcelones. Siguiendo una metodologia similar a una guia para un visitante imaginario, y apoyado por dos centenares de fotografias e ilustraciones, el libro nos permite admirar en un viaje descriptivo por sus paginas el delicado trabajo de los artesanos y artistas que participaron en el proceso constructivo y decorativo de la Universidad, dirigidos por un Rogent que consigue la creacion de una obra integral.Elias Rogent y el edificio de la Universidad de Barcelona es el segundo numero de una coleccion de autor que quiere dar visibilidad a los grandes arquitectos que han quedado oscurecidos, y muchas veces olvidados, por la toda poderosa Barcelona de Gaudi. Sirva, pues, este trabajo de divulgacion para dar a conocer el edificio de la Universidad de Barcelona y a uno de Los Otros arquitectos, en este caso de Elias Rogent i Amat.

En el momento crítico previo a su expulsión de España, la Compañía de Jesús desplegó un consciente y meditado uso de la imagen con fin adoctrinador y mnemotécnico. De acuerdo con esta estrategia y con el objetivo de obtener su beatificacion, se construyo la personalidad del padre Santiago mediante palabras e imagenes retratos o, en sus honras funebres, jeroglificos que lo representaban equiparandolo a santos jesuitas que se multiplicaron a su muerte, junto con episodios milagrosos narrados en su biografia. Se publico entonces la que habria sido su obra postuma, Las empresas de la eternidad, que Santiago habria utilizado en las predicas de los ejercicios espirituales que dirigio para tratar del concepto de eternidad y del peligro de afrontarla tras morir en pecado. Asi mismo, se estudia a los grabadores protagonistas de este despliegue iconico en la Cordoba del setecientos.

En su ensayo Der psychologische und biologische Untergrund expressionistischer Bilder (1920) –traducido aquí por primera vez al español–, el psicoanalista Oskar Pfister se propuso penetrar en las raí

La obra El banano: investigación, cultivo y experiencias tiene como fin compartir el conocimiento adquirido por el autor al trabajar durante más de 20 años en distintas áreas relacionadas con el desarrollo, la produccion y el control de calidad del cultivo del banano. Por lo tanto, esta dirigido a todas las personas que desean conocer detalles de investigacion de campo, con el fin de mejorar su produccion del cultivo de esta fruta. Ademas, se relatan vivencias del entorno en el cual se desarrolla este monocultivo, para concientizar al publico lector sobre las variables inhospitas de dicho medio, con presencia de altas temperaturas y elevadas precipitaciones que acosan a los trabajadores de las plantaciones.Este libro profundiza en estudios de campo sobre la nutricion del cultivo, se analizan los efectos de los diferentes nutrientes, como se relacionan entre ellos luego de ser aplicados, la concentracion de estos en el suelo a lo largo del tiempo y a diferentes profundidades. Asimismo, se muestra la relacion entre los nutrientes aplicados al suelo y su relacion con su concentracion foliar, tema que en muchos casos suscita controversia, al no correlacionarse entre si completamente.

Una ecología de los signos recoge siete ensayos dedicados a interrogar las relaciones entre las configuraciones de los modos de experiencia (artística, vital, corporal) y los modos en los que podemos captar su diferenciacion y sus declinaciones. Apoyados por la tradiccion que convoca Deleuze, y del lado de nombres como los de Simondon, Guattari o Ruyer, entre otros. Sauvagnargues pareciera construir un trayecto que atraviesa campos, ejes tematicos y problemas, para advertir distintos mundos que coexisten y que son como burbujas de signos que llaman a detenerse sobre ellos y que, forzando a pensar, nos abren de par en par a una comunicacion experimental donde se individua lo que somos o llegamos a ser. El punto de partida es la influencia motriz que adquiere el arte en la filosofia deleuziana. Desde la publicacion en 1964 de un primer ensayo sobre Proust, donde Deleuze empieza a explorar la literatura, hasta su interes posterior en las artes no discursivas como la pintura, la musica o el cine, el filosofo frances traza una trayectoria que se desplaza, asi, desde el lenguaje hacia la materia de la percepcion y hacia las imagenes y signos de distintas naturalezas.

Este libro se propone introducir un desvío en la comprensión habitualde la imaginación, expandir el término para que no se repliegue a loslímites que han determinado su uso, en un momento histórico endonde no se deja de anunciar su obturacion. Agotamiento que seconstata en la imposibilidad de poder imaginar alternativas anuestras formas de produccion y de organizacion de la vida. De ahique la apuesta y riesgo de este libro consista en levantar la categoriacritica de imaginacion material como tentativa metodologica quequiere contribuir a potenciar otros procesos de formacion desdediferentes practicas. En este sentido, se trata de profundizar enalgunos de los desarrollos presentados en La performatividad de lasimagenes, para interrogar que podria querer decir que existe unafuerza formadora en la imagen. Si la imaginacion es la capacidad decrear imagenes, ¿como activar esa potencia de lo imaginal?Si lo que pretendemos es una critica que sea capaz de invertir suenergia en una nueva pasion creativa para organizar el polemicoencuentro entre lo real y lo posible, es necesario explorar unacreacion social, artistica y conceptual que trabaje desde los bordes,los restos, los fragmentos y lo accidental que se produce en lasnuevas formas de contacto.

Este libro se propone introducir un desvío en la comprensión habitualde la imaginación, expandir el término para que no se repliegue a loslímites que han determinado su uso, en un momento histórico endonde no se deja de anunciar su obturacion. Agotamiento que seconstata en la imposibilidad de poder imaginar alternativas anuestras formas de produccion y de organizacion de la vida. De ahique la apuesta y riesgo de este libro consista en levantar la categoriacritica de imaginacion material como tentativa metodologica quequiere contribuir a potenciar otros procesos de formacion desdediferentes practicas. En este sentido, se trata de profundizar enalgunos de los desarrollos presentados en La performatividad de lasimagenes, para interrogar que podria querer decir que existe unafuerza formadora en la imagen. Si la imaginacion es la capacidad decrear imagenes, ¿como activar esa potencia de lo imaginal?Si lo que pretendemos es una critica que sea capaz de invertir suenergia en una nueva pasion creativa para organizar el polemicoencuentro entre lo real y lo posible, es necesario explorar unacreacion social, artistica y conceptual que trabaje desde los bordes,los restos, los fragmentos y lo accidental que se produce en lasnuevas formas de contacto.

Este volumen constituye un tratado riguroso sobre el mosaico. Es un curso completo, un manual práctico y un vademécum sumamente útil, que será de gran interés tanto para el que se siente atraído por el tema del mosaico, como para quien esta aprendiendo, para el mas iniciado e incluso para el profesional. El lector encontrara tratados de manera exhaustiva todos los apartados que entran en juego en el arte y el oficio del mosaico. Esta obra reune, de forma perfectamente ordenada, con un metodo claro y conciso y con un lenguaje facil y ameno, el mas completo bagaje de conocimientos indispensables para todo profesional.

Después vino la toma del Palacio de Justicia, que cambió mi crítica humorística por la conciencia del drama. Ya no había risa. Señor presidente, qué honor estar con usted en este momento histórico cierra una etapa y abre otra. Una periodista me pregunto en un reportaje si yo hacia arte comprometido politicamente; yo le respondi: "El compromiso de los artistas no es politico, sino etico". Lo que sigue es otro cuento.De "Arte y politica"

En su libro anterior Germán Moldes lograba llevarnos a pasear por Roma en los primeros años de la era común, y aquí da un salto enorme en tiempo y uno más pequeño en espacio para depositarnos nada menos que en Florencia durante el Renacimiento. Con entusiasmo, conocimiento de causa y animo de divulgacion, el autor se detiene en usos y costumbres de la epoca, pero ademas alista una serie de nombres propios que contribuyeron de modo cardinal al desarrollo de las ideas, el arte y la politica: de Masaccio y Giotto a Boccaccio y Maquiavelo, pasando por Rafael, Brunelleschi o Miguel Angel.En estas paginas desfilan, inmensos, los humanistas que motorizaron cambios radicales rescatando y releyendo valores enterrados en el mundo clasico. Arquitectos que alumbraron formas impensadas que nos deslumbran aun hoy. Poetas, escritores y artistas que cambiaron para siempre la historia del arte. Todo al amparo de mecenas que entendieron a la perfeccion el valor de ser benefactores de genios.

La llamada Tèsera Turiel recibe ese nombre por Leandre Villaronga que nos indicó que era el mejor título y la publicó en Acta Numismàtica 1997.Se ofreció su publicación a Jürgen Untermann para el Con

Pensar lo visual antropológicamente conlleva comprender las formasen que distintos pueblos alrededor del mundo se han enfrentado a loque hacen las imágenes –no siempre diferenciada de la escritura–,a

Tras vender más de cinco millones de ejemplares de El camino del artista, Julia Cameron vuelve con El arte de escuchar, un viaje transformador hacia una escucha y una creatividad más profundas. Deja que este libro te brinde claridad, conexion y rumbo. Descubre una creatividad mas profunda y plena.EL ARTE DE ESCUCHAR es tu guia para la transformacion personal y creativa. Con el exito sin precedentes de El camino del artista, Julia Cameron cambio la vida de millones de lectores. Ahora ofrece un nuevo metodo de transformacion personal y creativa para escuchar mejor nuestro entorno, a los demas y a nosotros mismos. En seis semanas, a medida que cultivas la capacidad de escuchar el entorno y el silencio que te rodea, tu atencion sera mas acusada y ello redundara en tu sanacion, sabiduria y claridad. Por encima de todo, El arte de escuchar te ayudara a abrirte a un nuevo mundo de conexion y a una creatividad que se reflejara en todos los aspectos de tu vida.En unos tiempos de ruido innecesario, escuchar es avanzar en el camino del artista.La reina del cambio.The New York TimesReseñas de El camino del artista: Sin El camino del artista no existiria Come, reza, ama. Elizabeth GilbertEl camino del artista descubre y fomenta el artista que llevamos dentro... Si siempre has deseado perseguir un sueño creativo, jugar y crear con palabras o pinturas, esta obra te ayudara a iniciarte y aprender poco a poco todo tipo de tecnicas para prestar atencion; y en eso, al fin y al cabo, consiste ser un artista. Se trata de aprender a prestar atencion. Anne LamottEste es un libro que aborda un tema delicado y complejo. Quienes lo utilicen encontraran una valiosa herramienta para conectar con su creatividad. Martin Scorsese

Del desafío ecológico actual depende la supervivencia de la especie humana. Es necesario ya mismo luchar contra el desastre medioambiental, pero ¿qué puede hacer el arte en esta lucha? Contra la ola de calamidades que prevalecen con la irresponsabilidad humana, este libro da cuenta de un combate en muchos aspectos desesperado: el de los pintores, escultores, land artists, fotografos, videastas, performers, instaladores y creadores de web comprometidos en la lucha ecologica. Es necesario reanudar una relacion mas sincera con el mundo natural, una relacion mas respetuosa. Los artistas que presenta este libro nos ayudan a hacerlo. Ellos adoptan como principio la ejemplaridad. Abren un surco de esperanza, una vez mas, contra las fuerzas de la muerte.

La fundación de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes en 1876 generó en Buenos Aires un clima de confrontación y polémica en torno a la posibilidad de un arte plástico nacional y moderno. Las bellas artes se discutieron en relacion con su importancia estrategica como elemento transformador del destino de la nacion. Laura Malosetti Costa analiza la actividad artistica plastica en Buenos Aires durante las ultimas decadas del siglo xix para situarla en el contexto mas amplio de la historia politica, economica, social y cultural del pais. Identifica el surgimiento, el apogeo y la crisis de un proyecto llevado adelante por un grupo de artistas Eduardo Sivori, Eduardo Schiaffino, Angel Della Valle y Ernesto de la Carcova, entre otros, y propone una novedosa coherencia entre sus practicas y las imagenes que crearon en sus obras. Para eso, recorre la intensa actividad critica desplegada por sus protagonistas en la prensa y las elecciones en la construccion de espacios de exhibicion y difusion de sus producciones, y las vincula con sus decisiones estilisticas e iconograficas. Se detiene en algunas obras en particular para indagar en detalle los procesos creativos y la recepcion por parte del publico. Un publico vasto, no erudito, que fue en definitiva el que las consagro como piezas fundamentales de la historia del arte nacional. A veinte años de su primera edicion, Los primeros modernos es una obra crucial e insoslayable para acercarse a aquel periodo clave de la historia cultural argentina, cuyas pinturas siguen siendo admiradas, valoradas y resignificadas por el publico y los artistas contemporaneos.

En 2010, en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el artista brasileño Nuno Ramos expone la instalación Fruto estranho. Dos árboles flamboyán inmensos sostienen unos aviones monomotor y gotean soda caustica sobre un par de contrabajos. Mientras suena Strange Fruit una cancion sobre el linchamiento de un grupo de afroamericanos estadounidenses en 1936, se proyecta una escena de El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman. ¿Que gesto reflexivo propone este cruce de soportes, materiales, referencias, paises y tiempos? En Mundos en comun, Florencia Garramuño analiza una serie de obras latinoamericanas que ponen en crisis las ideas de pertenencia, individualidad y especificidad, y que muestran la porosidad de las fronteras entre los diferentes campos de la estetica. ¿Que potencial critico y politico presentan obras inespecificas como Fruto estranho? ¿De que manera el arte latinoamericano contemporaneo redefine las nociones tradicionales de la estetica para vincularla con una etica, una relacion con el otro y, por lo tanto, con el mundo? ¿De que forma la puesta en cuestion de la pertenencia redefine las maneras de comprender lo latinoamericano? Para responder estos interrogantes, Garramuño trabaja con obras de Mario Bellatin, Jorge Macchi, Tamara Kamenszain, Nuno Ramos y Clarice Lispector, entre otros, y teoriza sobre las numerosas transgresiones y desbordamientos de limites, campos y regiones que exhiben estas exploraciones. Tal como sostiene la autora, las practicas analizadas en este ensayo articulan, en la construccion de una inespecificidad que se constituye en el retiro de todo sentido de pertenencia y pertinencia, otra forma de pensar el potencial critico del arte.

La colección El tratado de la pintura es un compendio fascinante que explora el arte de la pintura desde la perspectiva del renacimiento italiano, donde las fronteras entre el arte visual y la ciencia se difuminaban constantemente. Esta antologia abarca una variedad de estilos literarios que van desde el analisis profundo y cientifico hasta la expresion poetica del acto de pintar. Las obras incluidas poseen una diversidad de enfoques que iluminan el proceso creativo y las teorias artisticas, destacando piezas que investigan la tecnica del sfumato y la perspectiva, elementos esenciales del Renacimiento. Los contribuyentes a esta obra, Leon Battista Alberti y Leonardo da Vinci, han sido figuras prominentes del Renacimiento, influyendo no solo en su tiempo sino tambien en generaciones posteriores. Alberti, con sus tratados, sento las bases teoricas del arte clasico, mientras que Leonardo, con su fascinacion por la naturaleza, llevo la pintura a nuevas alturas de precision cientifica. Juntos, representan las manifestaciones artisticas e intelectuales del periodo, uniendo sus voces en una sinfonia que refleja la riqueza y complejidad del florecimiento cultural renacentista. Recomendado para estudiantes, artistas, historiadores y cualquier lector interesado en el arte y sus multiples dimensiones, El tratado de la pintura ofrece una oportunidad unica para sumergirse en la diversidad de perspectivas y estilos de dos colosos del pensamiento renacentista. Cada ensayo y reflexion contenida en esta coleccion es una ventana al dialogo ininterrumpido entre las practicas artisticas y la reflexion teorica del periodo renacentista, animando al lector a profundizar en su aprendizaje y apreciacion del arte a traves de las palabras de sus ilustres autores.En esta edicion enriquecida, hemos creado cuidadosamente un valor añadido para tu experiencia de lectura:- Una Introduccion unifica los hilos argumentales, explicando por que estos autores y textos tan diversos se encuentran en una misma recopilacion.- El Contexto Historico examina las corrientes culturales e intelectuales que moldearon estas obras, aportando una vision sobre las epocas compartidas (o divergentes) que influyeron en cada escritor.- Una Sinopsis combinada (Seleccion) resume brevemente los argumentos o tramas principales de los textos incluidos, ayudando al lector a entender el alcance total de la antologia sin revelar elementos cruciales.- Un Analisis colectivo destaca temas comunes, variaciones estilisticas y cruces significativos en tono y tecnica, uniendo a escritores de diferentes origenes.- Las preguntas de reflexion animan a los lectores a comparar las diferentes voces y perspectivas dentro de la coleccion, fomentando una comprension mas rica de la conversacion general.

Con Breve historia del arte paleocristiano y bizantino descubrirá las creaciones artísticas de los primitivos cristianos, surgidas en un mundo plagado de simbología pagana, que el artista paleocristiano reinterpretara para adaptarla a la nueva religion. Desde los sarcofagos de las catacumbas donde se llevaban a cabo los ritos religiosos, hasta su salida al exterior tras la promulgacion de los edictos de tolerancia religiosa y su posterior proclamacion como religion oficial para comenzar la edificacion de las primeras basilicas. Descubrira las tres edades de oro del arte bizantino que, surgido al calor de la corte en la capital del antiguo Imperio Romano de Oriente, se desarrollara a lo largo de todo un milenio alcanzando las peninsulas Iberica e Italica por Occidente con el importante foco de Ravena en Italia ademas de los Balcanes, Rusia y gran parte de Europa oriental. El emperador Justiniano y su esposa, la influyente Teodora, sus grandes obras, entre las que sobresale la basilica de Santa Sofia de Constantinopla, el mosaico, la miniatura y los iconos, la querella iconoclasta y la restauracion de las imagenes, las dos fases del cisma de Oriente, la ultima etapa de Bizancio con los Paleologos y su caida en poder de los turcos otomanos, que señala el final de la Edad Media. Un contenido apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de los origenes del arte cristiano y comprender que la creacion plastica se impone como vehiculo de expresion y propaganda religiosa.