Libros de Arte contemporáneo, página 37 de 167

Este libro, que también se hubiera podido denominar Criticografía del Arte Contemporáneo, nace fruto de la necesidad de aportar un "nuevo formato" a los diferentes trabajos existentes de "literatura artística" como fuente de estudio teórico del arte. Mediante el uso de la entrevista, que se ha convertido en uno de los métodos más directos y eficaces para aclarar vivencias y conceptos habitualmente oscuros o "impensados", y partiendo de la voz en primera persona de sus protagonistas, este trabajo pretende un acercamiento a algunos de los críticos, teóricos e historiadores del arte con mayor incidencia en el complejo panorama crítico internacional de los últimos años: Benjamín Buchloh, Donald Kuspit, Thomas Crow, Arthur Danto, Hal Foster, Serge Guilbaut, Rosalind Krauss, Griselda Pollock, Lucy Lippard y Douglas Crimp.

* Este histórico estudio del street art internacional se sitúa en el punto en el que confluyen el arte y el atlas. * Organizado por continentes y ciudades (desde Nueva York, Los Ángeles y Montreal, en Angloamerica, pasando por Ciudad de Mexico y Buenos Aires, en Iberoamerica, hasta Londres, Berlin y Madrid, en Europa, asi como Sidney y Tokio, en el Pacifico), se presentan los perfiles de mas de cien de los artistas mas importantes de la actualidad y mas de setecientas asombrosas obras de arte. * Un testimonio de como este variado movimiento artistico contemporaneo se ha convertido en un autentico fenomeno global: se narra la evolucion del arte urbano en cada region y se proporciona un contexto historico esencial. Desde su genesis en la Costa Este de Estados Unidos a finales de la decada de 1960, el street art y el grafiti han viajado a casi todos los rincones del planeta y han dado lugar a nuevos estilos muy floridos y dinamicos. Al exponer sus obras en la galeria mas grande y abierta del mundo, los grafiteros y artistas urbanos muestran sus creaciones a un publico que no puede evitarlas, con lo que desafian las ideas convencionales sobre el lugar del arte en la vida cotidiana.Desde Steve Powers (ESPO), en Nueva York, hasta Ian Strange, en Australia, pasando por el Londres de Eine, el Paris transfigurado por Honet y OX, y los gigantescos murales de los brasileños Os Gemeos, esta es la primera historia genuinamente geografica de esta forma de arte. La forma mas elevada del street art y del grafiti no es una mera estetica basada en esloganes, consignas politicas o promocion personal: es un movimiento mundial muy comprometido con la creatividad espontanea y la infinita diversidad de las ciudades.

El punctum de Roland Barthes es un texto imprescindible para todos aquellos interesados en la fotografía contemporánea, en la obra de Barthes y la teoría del arte más fecunda del siglo XX. En este arriesgado ensayo, Michael Fried realiza una lectura de La camara lucida de Roland Barthes, descubriendo afinidades entre esta y algunos motivos centrales de su propio pensamiento (principalmente, los formulados en su celebre Arte y objetualidad, de 1967). Cuestionando la recepcion mas extendida del texto barthesiano, que se ha centrado casi siempre en el punctum como catalizador de una respuesta subjetiva en el espectador, Fried reenmarca este concepto en una tradicion de antiteatralidad que se remonta hasta Diderot y de la que el mismo es su principal exponente contemporaneo. De hecho, segun Fried argumenta en estas paginas, el punctum funcionaria como una garantia ontologica de la anti-teatralidad de la fotografia. Partiendo de este punto, Fried arriba a algunas conclusiones ultimas de La camara lucida que el propio Barthes no se aventuro a formular.

Carl Einstein fue el primero en escribir sobre las claves formales del arte negro? ?y sobre el alcance revolucionario del cubismo. Las obras y los planteamientos estéticos de Picasso, Braque, Gris, Klee, Leger, Kisling, Schlichter, Dix, Grosz, Beckmann, Masson, Arp o Miro son analizados en estos textos con extraordinaria lucidez desde la siempre espinosa contemporaneidad. Los escritos que recoge este volumen constituyen un documento clave de primera mano para ahondar en la epoca vertiginosa de las vanguardias, en la que el arte tambien era una revolucion.

A través de esta senda, la autora recorre el arte del siglo xx. Estudia el maniquí metafísico de De Chirico y el satírico de Grosz, la muñeca perversa de Bellmer y la abyecta de Cindy Sherman, el robot rigido de Mondrian y el mas humano de Schlemmer, las maquinas amorosas e hilarantes de Duchamp y Picabia y las figuras hiperrealistas de Duane Hanson. El lector descubrira en este texto hasta que grado trasparecen la inquietud, el desarraigo o la esperanza en muchas construcciones artisticas que creiamos conocer.

Análisis del trabajo realizado en las dos últimas décadas en la que el artista ha puesto la pintura en el centro, con especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre esta y la fotografia, el collage y el dibujo. En estos años su modo de pintar sigue siendo el mismo: Luis Gordillo siempre esta en la pintura, pero no siempre esta pintando. La experimentacion, palabra clave de su quehacer artistico, es constante. Y esta publicacion muestra las tensiones y las energias que desprende el trabajo del artista desde dentro, con una doble perspectiva: por un lado, una vision de los temas recurrentes en sus cuadros y, por otra, una observacion detenida de las exploraciones y las derivas de su proceso creativo. Dentro de esta ultima, la publicacion incluye una seleccion de veinte antipoemas escritos por Gordillo en los ultimos años.Se incluye un texto de Chus Martinez.La exposicion a la que este libro responde se inaugura en septiembre en la Sala Alcala 31 de Madrid, celebrando una capacidad creativa unica, la de un artista que a sus ochenta y nueve años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones.

El concepto ""desnortadas"", presente en el título, ha sido un concepto que ha permitido a las autoras repensar y desorientar conjuntamente y, desde perspectivas feministas, los ejes y coordenadas que articulan los discursos, las exposiciones y demás aspectos del sistema del arte. Es por ello que los trece capítulos del libro se articulan sobre varios desnortamientos. Por una parte, el geográfico, que reclama un estudio de la historia del arte estatal en el que no todos los ejes pasen por Madrid; también el de deconstrucción de los cánones territoriales, así como el de género, puesto que los sesgos heteropatriarcales de la historia del arte son evidentes y siguen impactando en la percepción del trabajo de las artistas. Articulado en tres secciones, el primero presenta estudios que buscan poner en cuestión el modo en que se construyen las categorías de análisis, revisando distintos mecanismos como los concursos de arte, la crítica o la historiografía. El segundo recoge estudios de artistas específicas que repiensan la manera de historiar sus trayectorias personales sin caer en narrativas de genio o de excepcionalidad. Por último, el tercer bloque recopila casos que plantean otros acercamientos teóricos y metodológicos con los que repensar la historia del arte, como el giro afectivo, los estudios queer o de la performatividad.

Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 19 de septiembre 2024 al 5 de enero de 2025

El fenómeno de las relaciones entre las vanguardias políticas y artísticas marca la ideología y el arte del siglo XX. Prolonga la esperanza abierta por las Luces, con la divinización social del artista, que teorizan los romanticos, y la mision que se asigna al intelectual cuando se enfrenta al siglo, y pretende afianzar la soberania nacional, sabiendo que aplica a nuevas formas de vida palabras antiguas o le toca vivir con un publico sin arte y un arte sin publico. Los intelectuales y los artistas españoles intentan superar modelos e imaginar otra existencia, compartiendo la hipotesis revolucionaria o mediante una rebelion literaria metaforica, que se acoge a las tecnicas pictoricas y enfoca la perspectiva de una obra total y autonoma. La aventura de las vanguardias acaba nutriendo aquella dialectica que conduce, segun la formula de Walter Benjamin, el fascismo a la estetizacion de la politica y el comunismo a la politizacion del arte. Pero la voluntad de aventura, con la apertura a los vientos de fuera o el recurso a un lenguaje nuevo, y el paso de la modernidad a la contemporaneidad, no se sustraen siempre a los peligros de la tirania del presente.

Este libro es tan irreverente que cuando Kurt Tucholsky lo publicó en 1929, en colaboración con el fotógrafo John Heartfield, tuvo que exiliarse. Combinando las artes de la literatura y de la fotografia se compone, a traves del humor y de la satira, una de las obras mas representativas del dadaismo aleman. Tucholsky vislumbra la semilla de lo que acabara siendo el regimen nazi en unas instituciones que han perdido la confianza del pueblo y en una sociedad en la que imperan el militarismo y el nacionalismo. Deutschland, Deutschland uber alles es una de las criticas mas duras contra la realidad politica de su epoca, pero es, ante todo, una carta de amor a Alemania.

Graffiti Life nos sumerge en la inspiradora trayectoria de dos hermanos que, desde la sierra madrileña, se han convertido en figuras influyentes de la escena urbana mundial. Durante más de tres décadas, su dedicacion al Hip Hop en español y al Graffiti ha dejado un legado imborrable, marcado por proyectos incontables. Sin buscarlo, se erigieron como leyendas en el arte del tren y la iconica sierra, al tiempo que su respaldo a otros artistas ha impulsado carreras y el progreso de la escena. Su aportacion se refleja en iniciativas como su grupo Dos hermanos, el sello discografico Estaochungo o la revista Trapos Sucios, que cimentaron los primeros pasos del Hip Hop en España. Graffiti Life es un relato visceral y sincero que retrata su compromiso, su arte y la revolucion cultural que promovieron.

La exposición, 1924. Otros surrealismos, llega a España con la intención de analizar la recepción e influencia del surrealismo en nuestro país y ofrecer una nueva perspectiva del movimiento en un lugar, que, en las décadas de 1920 y 1930, se encontraba en la periferia de la vanguardia europea. Con este fin, la exposición no solo se detiene en la obra de algunos de los grandes representantes de esta tendencia en el ámbito tanto nacional como internacional entre ellos, Salvador Dalí, Óscar Domínguez, Joan Miró o René Magritte, sino que incide de manera especial en el trabajo de otros creadores menos célebres que trabajaron al margen del discurso dominante desde España y América Latina, y pone asimismo de relevancia la aportación de las mujeres al grupo.

* Guía de bolsillo sobre los movimientos, las obras, los temas y las técnicas fundamentales.* Una nueva e innovadora introducción al arte creado desde finales de la década de 1960 hasta nuestros días. * 49 obras esenciales del arte contemporaneo, piezas que van desde el land art y el performance art hasta oleos y NFT, que se relacionan con los movimientos, conceptos y metodologias mas significativos. Accesible, conciso y profusamente ilustrado con imagenes de obras emblematicas de creadores de todo el mundo, este libro explora como y por que se desarrollo este arte y se ponen de manifiesto las cruciales innovaciones de diversos artistas. Esta desmitificadora introduccion al tema permite conocer con profundidad y disfrutar en toda su extension el arte mas revolucionario creado en las ultimas decadas.

Este libro se editó con motivo de la exposición Conticinio de Nicolás de Maya. Celebrada en la Sala Veronicas de Murcia del 12 de mayo hasta el 23 de julio del año 2023

Una invitación a la reflexión desde una mirada artística reveladora, en una obra pictórica sutil y delicada que se une a un provocador texto poético.

Man Ray (1890-1976) fue un artista modernista y erudito que cultivó artes tan diversas como la pintura, la escultura, el cine, la confección de grabados y la poesía. Pero fue su obra fotográfica, con sus desnudos, imagenes de moda y retratos, la que escribio un nuevo capitulo en la historia de la fotografia.A traves de una extensa coleccion, tanto de sus obras mas famosas como de otras menos conocidas, esta monografia ofrece una vivida perspectiva de la polifacetica practica de Man Ray y su legado fotografico. Siga la trayectoria de Man Ray desde sus inicios artisticos en Nueva York hasta su papel protagonista en la vanguardia parisiense. Alli participo en la primera exposicion surrealista con Jean Arp, Max Ernst, Andre Masson, Joan Miro y Pablo Picasso, y creo obras tan emblematicas como Noire et blanche (Negra y blanca) y Le Violon d'Ingres (El violin de Ingres). Mediante numerosos ejemplos de naturaleza muerta y retratos, entre otros, observamos como Man Ray experimentaba constantemente con nuevas tecnicas, convirtiendo la fotografia, mas alla de su dominio documental, en una expresion eterea y poetica a traves de la exposicion multiple, la solarizacion y su particular marca de fotogramas que bautizo con ingenio como rayogramas.

Este libro es la primera antología de PichiAvo y viene a conmemorar los diez años de este dúo artístico de gran reconocimiento internacional. Un seguimiento en la búsqueda de su propia identidad gráfica y artistica en el ambito publico y privado; desde sus experiencias en la ejecucion de grandes producciones murales a las muestras expositivas resultado de los largos procesos de trabajo en el estudio, experimentando sobre diferentes tecnicas y soportes, en esa constante busqueda de nuevos lenguajes, acabados y texturas.Un libro que nos ayudara a entender no solo la evolucion artistica y creativa que se deduce de un campo de trabajo que tiene como punto de partida el espontaneo contexto del espacio publico, sino la mirada y vision unica de sus creadores, a los que tendremos la oportunidad de ver crecer, pagina a pagina.

A collection of essential quotations from the renowned fashion designer, DJ, and stylistAbloh-isms is a collection of essential quotations from American fashion designer, DJ, and stylist Virgil Abloh, who was a major creative figure in the worlds of pop culture and art. Abloh began his career as Kanye Wests creative director before founding the luxury streetwear label Off-White and becoming artistic director for Louis Vuitton, making Abloh the first American of African descent to hold that title at a French fashion house. Defying categorization, Ablohs work has been the subject of solo exhibitions at museums and galleries, most notably in a major retrospective at the Museum of Contemporary Art Chicago. Gathered from interviews and other sources, this selection of compelling and memorable quotations from the designer reveals his thoughts on a wide range of subjects, including creativity, passion, innovation, race, and what it means to be an artist of his generation. Lively and thought-provoking, these quotes reflect Ablohs unique perspective as a trailblazer in his fields.