Libros de Pintores y escultores, página 11 de 440

Entre el arte y la tierra, la memoria creativa de uno de los personajes de nuestro país más reconocidos a nivel internacional en el mundo del arte. Vicente Todolí es todo un referente del arte contemporaneo, un curator de prestigio que ha pasado de la direccion artistica de algunos de los mas grandes museos del mundo, como la Tate Modern Gallery, a cultivar mas de 500 variedades de citricos en Palmera, su pueblo natal. Un ?hombre de espiritu renacentista?, curioso vocacional, que investiga y se documenta sobre todo aquello que le provoca emociones, ya sea el arte o la tierra. Quisiera crear un jardin (y verlo crecer) es una reflexion muy personal sobre las circunstancias y asuntos que acaparan su atencion y dibujan tanto su trayectoria vital como profesional: de Valencia a Nueva York, Oporto, Londres o Milan, descubriendo artistas y organizando exposiciones, para volver a los campos junto al Mediterraneo y recuperar sus raices, literalmente, al descubrir el ?arte? de cultivar olivos y citricos.

New edition of the classic authorised biography of one of the late twentieth century s most celebrated cultural figures

El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa engendró algunos de los mejores artistas y artesanos de la historia, pero pocos pueden presumir del genio y el legado de Rembrandt Harmensz. Van Rijn (1606-1669). A pesar de no haber salido nunca de su Holanda natal, Rembrandt elevo su obra mas alla de los limites de su propia experiencia, y creo algunas de las obras de arte mas variadas e impactantes, ya fueran retratos, escenas biblicas y alegoricas, paisajes u obras de genero. Cualquiera que sea el formato, las pinturas de Rembrandt estan tejidas de sutilezas: cada arruga en el rostro, cada mirada o rasgo transmite un poder emocional sin igual entre sus contemporaneos y discipulos.Cada obra esta imbuida de humanidad. Las escenas biblicas, como El baño de Betsabe, se convierten en una via de reflexion sobre el anhelo y el alma humana, y van mas alla de lo que canonizan las escrituras o se muestra en otras representaciones. Sus retratos, ya sean de mecenas o comerciantes adinerados, comunican la esencia del individuo por medio de delicados rasgos distintivos, con sus rostros bañados en una luz eterea sobre fondos de tonos terrosos. Tal vez lo mas sorprendente de su serie de autorretratos sea el propio triunfo de este formato o genero. Rembrandt comenzo a pintarlos en su juventud y siguio haciendolo hasta un año antes de su muerte, y gracias a ellos se observa el proceso introspectivo que lo acompaño toda su vida.Esta monografia tamaño XL reune las 330 pinturas de Rembrandt Harmenszoon van Rijn en exquisitas reproducciones. El presente volumen muestra la obra pictorica de Rembrandt como nunca antes, desde El festin de Baltasar hasta la Leccion de anatomia del Dr. Nicolaes Tulp.

Jeff Zimmerman: Glass Light Space, que cubre el período más creativo de la producción de este destacado artista del vidrio, documenta cómo ha superado los límites de la fabricación de vidrio durante mas de tres decadas. Formado en tecnicas clasicas del vidrio, Zimmerman crea instalaciones y objetos escultoricos que interactuan activamente con la experiencia del color, la luz y el entorno natural. Publicado en colaboracion con la reconocida galeria R & Company de Nueva York, este libro demuestra la singular capacidad de Zimmerman para aprovechar las propiedades unicas del vidrio para enfatizar la experiencia estetica y emocional de los objetos funcionales, inspirando a una generacion de coleccionistas, artistas del vidrio y diseñadores de iluminacion. Incluye una conversacion entre Zimmerman y Brett Littman Jeff Zimmerman (n. 1968) tomo su primera clase de soplado de vidrio en 1988 viajo por toda Europa para estudiar con artistas y estudios estimados, incluidos CIRVA en Francia, Robert Wilson, Gaetano Pesce y Robert Morris. Colabora regularmente con arquitectos y diseñadores de interiores para realizar encargos personalizados de esculturas iluminadas dentro de su rico lexico de formas y patrones naturales.

Catálogo de la exposición "Artista Anónimo" de la pintora Belén Mazuecos

Conocido por la audaz estrategia, tan sencilla como revolucionaria, de pintar sus motivos del revés, Georg Baselitz ha sido un artista desafiante desde principios de la década de 1960. Su obra, siempre muy cargada, es sorprendentemente diversa. Comenzo con figuras masculinas crudas y existenciales, que saltaron a la fama cuando fueron retiradas de su primera exposicion individual por considerarse indecentes. Posteriormente, desarrollo la serie Heroes, en la que retrato figuras de hombres devastados expuestos en un paisaje arruinado. Durante este proceso, el espacio pictorico se fragmento cada vez mas y, hacia finales de la decada, el artista puso el mundo patas arriba: arboles, fabricas, aguilas y autorretratos desnudos aparecian pintados del reves. Esto le permitio pintar con libertad y explorar esquemas de color conceptuales, asi como temas poco convencionales: hombres comiendo naranjas, pinturas de propaganda sovietica y, mas recientemente, las denominadas remezclas, un reencuentro con su obra anterior a modo de dialogo a traves del tiempo. Ya consagrado como maestro del dibujo, la xilografia y el grabado, a partir de 1980 Baselitz tambien comenzo a crear esculturas toscas talladas en madera con hacha y motosierra. Mas tarde, a finales de la decada de 2000, añadio el bronce a sus materiales.Ahora disponible en una edicion ilimitada y actualizada, este libro presenta reproducciones de gran formato de mas de 400 obras realizadas sobre distintos soportes, ademas de imagenes de instalaciones y retratos. Los textos abordan la obra de Baselitz desde diferentes perspectivas. El experto Richard Shiff ofrece un retrato del artista y su oscuro sentido del humor; el critico Jonathan Jones analiza el desarrollo de su arte y su evolucion como pintor; la historiadora del arte Eva Mongi-Vollmer examina su produccion escultorica, desde el escandaloso exito en la Bienal de Venecia de 1980 hasta la actualidad; la historiadora del arte Carla Schulz-Hoffmann explora sus estrategias artisticas; el escritor y cineasta Alexander Kluge presenta una coleccion de viñetas literarias sobre el uso del mito y la historia en su obra; y el periodista especializado en arte Cornelius Tittel mantiene una conversacion con el artista en su estudio. Declaraciones del propio Baselitz y una biografia ilustrada completan esta exploracion sin precedentes de su obra.

Delcy Morelos (Tierralta, Colombia, 1967) investiga en las cosmovisiones mitológicas universales, y particularmente en las precolombinas, para insistir en la interdependencia entre los seres humanos, los animales, las plantas y los espiritus, nacidos todos de la misma semilla, la de la Pachamama de las culturas incaicas, la de la Bachue de los chibchas de su tierra natal, la de la Madre Tierra, termino recogido por las Naciones Unidas para referirse a nuestro planeta (2009). Para ello, utiliza desde la acuarela de gran formato hasta grandes instalaciones hechas con tierra que transforman el espacio que las acoge. Delcy Morelos estudio en la Escuela de Bellas Artes de Cartagena y comenzo su carrera como pintora que trabajaba sobre superficies tradicionales con preferencia hacia los rojos Sentia que el rojo no era un simple color, lo percibia como una sustancia en si misma que emanaba de mis dedos, pero, desde que empezo a trabajar con tierra, su investigacion del color la llevo por otros derroteros: La tierra puede ser de muchos colores: azul, gris verde, cafe claro, cafe oscuro, amarilla, ocre, naranja, negra o roja. []. En mis primeras obras con tierra, la tierra es de color rojo. Lo que hace que la tierra sea roja es la gran cantidad de hierro que contiene, el mismo elemento que hace que la sangre que corre por nuestras venas sea roja. Hay una profunda relacion entre nosotros, los humanos, con la tierra, y hemos perdido esa conciencia. Asi pues, desde la vision de una naturaleza que es sagrada, mitica y, a la vez, un ser vivo con el que estamos intimamente conectados, Morelos propone respetar el espiritu de todos los elementos de la naturaleza y cuidar del equilibrio de los ecosistemas. La tierra, la arena, el albero, son los materiales de los que Morelos se sirve para diseñar, a traves de un minimalismo geometrico, formas envolventes, inmersivas y multisensoriales en forma de cuevas, mastabas, zigurats, piramides o umbrales, en los que el espectador se ve sensualmente rodeado por la fertilidad de la tierra y su poder generador, y puede llegar a alcanzar una comprension mas amplia de la realidad, que incluye dimensiones espirituales, energeticas y cosmicas mas alla de lo visible. Mediante el uso de materiales organicos explora, pues, conceptos relacionados con la fertilidad, la creatividad y la transformacion como catalizadores de cambios en la sociedad. Profundis es un viaje hacia la reconexion con la memoria historica a traves del aroma, de la tierra como elemento ancestral, donde las especies y plantas como el tabaco, el maiz, el tomate o la patata, introducidas en Europa procedentes de las Americas, regresan invadiendo el espacio expositivo de la Zona Monumental del monasterio de la Cartuja con sus perfumes y texturas.

One of Britain s most radical and influential artists working in the first decades of the twentieth century Vanessa Bell was a pioneer for professional women Vanessa Bell was a leading figure within the Bloomsbury Group and known for her unconventional lifestyle but her work as a painter designer and decorator has often been overlooked and relegated within the bombastic male dominated field of British modernism With new research including previously unpublished letters Wendy Hitchmough explores the ways in which Bell 1879 1961 forged new pathways as a modernist woman Writing openly about depression and mental health at a time when the subject was stigmatised as well as challenging taboos surrounding women s bodies Bell exploited the patriarchal society that oppressed her She responded to the nudes and pastoral scenes of Cezanne Gauguin Picasso and Matisse with themes of miscarriage and motherhood She exhibited with her partner Duncan Grant and comparisons between their parallel careers highlight the gender disparities that shaped her life and work Vanessa Bell The Life and Art of a Bloomsbury Radical celebrates the artist s trailblazing approach to art as well as life her rejection of conventions and the challenge she posed to the structures of

SECUNDINO HERNáNDEZ EN OBRAS ES UNA PROPUESTA DE ACERCAMIENTO A LOS CASI TREINTA AÑOS DE CARRERA DEL PINTOR CON MOTIVO DE LA EXPOSICIóN HOMóNIMA EN LA SALA ALCALá 31 DE MADRID. EL TITULO TIENE UN DOBLE SIGNIFICADO: POR UNA PARTE, LA NARRACIoN DE ESE RECOR

Tras su célebre monografía Blue Violet (Monacelli, 2021), la fotógrafa Cig Harvey continúa su estudio personal de la experiencia sensorial, centrándose en la naturaleza efímera de la luz, los pigmentos y la vision. Sus ultimas fotografias son cuadros exuberantes de sus temas caracteristicos (flora, pasteles, interiores domesticos y la figura humana en el paisaje) acompañados de viñetas en prosa sobre la ciencia y el arte del color, escritas en su estilo vibrante e intimo. Con un epilogo del galardonado novelista y poeta Ocean Vuong, Emerald Drifters es un catalogo de placeres y desamores, y "un llamado urgente a vivir". Cig Harvey es una artista nacida en Gran Bretaña y residente en Maine que utiliza imagenes y lenguaje para celebrar la belleza de lo cotidiano. Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Vogue y The Wall Street Journal. Esta es su quinta monografia.

Andy Warhol es nuestro artista más famoso, pero vastas regiones de su obra permanecen inexploradas y secretas. Todos recordamos las pinturas de Marilyn Monroe en ácidos colores y las latas de sopa reiteradas. Hemos visto, tal vez, alguna de las peliculas underground que realizo filmando un hombre que no para de dormir y ocho inertes horas del Empire State. Pero lo ignoramos casi todo de los esqueleticos dibujos del joven diseñador publicitario de provincias que aspiraba al prestigio del pintor, los espectaculos de medios multiples donde danzaban sus narcoticas estrellas, las fotografias tomadas a la manera de los paparazzi y los retratos pintarrajeados de las celebridades de los años setenta, las grandes ocasiones cuando tomaba por asalto tal o cual museo para mostrar las propias o ajenas colecciones, la comedia desconcertante de los libros y los reportajes, los parcos diarios y las cajas repletas de objetos heteroclitos que llamaba "capsulas de tiempo". Este libro se propone corregir esa omision, recobrar las regiones olvidadas de esta obra tan proteica e imaginar un Andy Warhol mas exuberante, mas vivaz, mas inventivo y mas actual que la figura que la historia del arte nos enseña.

Gimme Some Sugar es la muy esperada primera monografía de Genesis Tramaine, el renombrado artista estadounidense cuya estrella continúa ascendiendo en el mundo del arte internacional. Arraigada en su educacion en la ciudad de Nueva York de la decada de 1980 y su fuerte espiritualidad, Tramaine imbuye sus retratos abstractos de hombres y mujeres con una emocion trascendente, devocion y musicalidad silenciosa, nacida de pinceladas ritmicas y un uso visceral del color cromatico. En su estilo gestual, busca, al mismo tiempo, representar y universalizar la humanidad del rostro negro estadounidense al oscurecer la especificidad de los rasgos individuales, eligiendo en cambio retratar la agitacion interna y la alegria interna de la mente y el ser. El libro presenta mas de 125 imagenes vibrantes y a todo color de los dinamicos y fascinantes retratos de la artista, que son un homenaje inextricable a su profunda fe, su sentido de si misma y sus domingos por la mañana en la iglesia. Encuadernado en un rico y tactil estuche de piel sintetica indigo destinado a evocar una Biblia moderna, Gimme Some Sugar tambien presenta un mini cuaderno de bocetos cuyas paginas revelan los estudios de dibujo lineal crudo e instintivo de las pinturas maestras a gran escala de Tramaine.

Portraits by and of Munch offer insight into the vibrant bohemian world of one of the great artists of the 19th and 20th centuries Norwegian painter Edvard Munch 1863 1944 whose 1893 work The Scream has become one of Western art s most acclaimed images and who is widely regarded as one of the great artists of the 19th and 20th centuries is less known for his portraiture but his portraits are central to his art and vision Edvard Munch Portraits edited by Alison Smith former chief curator at London s National Portrait Gallery brings together more than 60 of Munch s most significant portraits showcasing the wide array of styles techniques and mediums that he employed During the course of Munch s long life and working in a range of mediums that encompassed painting drawing and print he made hundreds of portraits of friends patrons models and above all and unsparingly himself This book places his work in the cultural and historical background of his period providing readers with a greater understanding of the time in which these portraits were produced This publication offers deep insight into the artist s family and bohemian social circles along with his German and Norwegian patrons and the friends who helped establish his reputation

Esta publicación contiene, en primer lugar, un completo estado de la cuestión del pintor florentino con el que se pone de relieve que su figura requería de un estudio en profundidad en el que se reuniera toda su obra en conjunto. A continuacion, ofrece un panorama historico-artistico tanto de Aragon como de Florencia en el siglo XVII con el objetivo de contextualizar correctamente el tema, para pasar inmediatamente despues a trazar la biografia de Lupicini desde su formacion pictorica hasta su llegada a Zaragoza. Aqui el autor se detiene en su vida familiar y en sus relaciones personales y profesionales entre las que se encuentran los mercaderes florentinos y genoveses asentados en la ciudad. La tercera parte analiza critica y pormenorizadamente el catalogo de pinturas del italiano comenzando por la obra conservada y concluyendo por la obra documentada, pero que no ha llegado a nuestros dias. El texto se completa con un nutrido apendice en el que se transcriben los documentos mas relevantes relacionados con el florentino extraidos de los fondos del Archivo Historico de Protocolos Notariales de Zaragoza.

El museo MEAM presenta en esta exposición a uno de los pintores más influyentes del realismo español del momento, Eloy Morales (Madrid, 1973). Nos embarcamos en un viaje por la trayectoria de un artista cuya virtud y complejidad no dejan de asombrarnos. De una manera clara y distinta, Morales aporta en todas sus composiciones su temple, su delicada firma tecnica y su preocupacion por la captura de la verdad. Nos proponemos compartir en esta ocasion una muestra del ancho y diverso abanico de obras que constituyen su trabajo artistico.

La publicación definitiva sobre la artista internacionalmente aclamada Shahzia Sikander, una de las artistas feministas más influyentes que trabajan en la actualidad.Nacida en Pakistán y activa en Nueva York desde la decada de 1990, Shahzia Sikander navega por la interaccion de multiples identidades, abarcando una variedad de disciplinas artisticas en su trabajo y reinterpretando criticamente la historia material del sur de Asia.La iconografia claramente feminista de Sikander se centra en las narrativas de mujeres inmigrantes para desafiar las historias del arte eurocentricas y contrarrestar la erudicion orientalista.Este volumen, publicado coincidiendo con una importante retrospectiva de mitad de carrera que se estreno durante la Bienal de Arte de Venecia y que se llevara a cabo simultaneamente en el Museo de Arte de Cincinnati y el Museo de Arte de Cleveland, es la primera exploracion exhaustiva de las ideas y el arte de Sikander. Con cientos de imagenes, muchas presentadas en una pagina completa o en una extension completa, el libro ricamente ilustrado sumerge a los lectores en el arte vibrante y subversivo de Sikander.Incluye textos de Manan Ahmed, Aruna DSouza, Bhanu Kapil, Rosalind C. Morris, Fred Moten, y Victoria Sung

En aquestes "memories de fum", Antoni Llena mira d& x02019;explicar una consciencia artística a partir de mancances i pors, en un fresc que es va desplegant com un mural farcit de contradiccions.