Libros de Teatro, página 96 de 398

Litoral, la obra que KRK pone hoy a disposición de los lectores españoles, narra una historia sencilla, pero de hondo significado: Wilfrid, el protagonista, está haciendo el amor con una joven y, justo en el momento del orgasmo, suena el telefono y recibe la noticia de que su padre, a quien no ha llegado a conocer, ha muerto. A su madre tampoco la habia conocido, puesto que habia muerto como consecuencia del parto que lo trajo al mundo. Ahi tenemos las señas de identidad de Edipo; es decir, la ausencia de toda seña de identidad. Wilfrid es el niño, en este caso el adolescente, que no sabe quien es y que, como Edipo -o como Segismundo-, va a poner todo su empeño en descubrirlo. Y ser aqui significa pertenecer, el ser individual como lugar de paso de una corriente que viene de muy atras y proseguira mas alla de nosotros, en la lejania de los tiempos. El ser individual como una encrucijada donde esta uno mismo pero tambien esta el otro.El padre muerto en el instante del orgasmo de su hijo, la madre muerta y la genesis de la vida, invitan a pensar sobre su sentido mismo, a hacerse las no por topicas menos esenciales preguntas sobre quiens soy, de donde vengo, a donde voy. Y Wilfrid recorrera su personal camino para tratar de responderselas a traves de un mundo desolado por la guerra y la violencia atavica.

Desde las épocas más remotas, el teatro ha sido manifestación de la vida de las sociedades humanas. Abarcando desde las danzas semidramáticas de los aborígenes australianos hasta los autos sacramentales de Calderon, desde el teatro clasico griego hasta las comedias de George Bernard Shaw, el drama ha estado destinado a inquietar, convencer, conmover, hacer reir o llorar, pero siempre como reflejo de las aspiraciones humanas, de sus conceptos religiosos, de su sentido estetico, de sus condiciones sociales, economicas y politicas. En esta obra se explora un genero casi desconocido hasta ahora: el drama de la evangelizacion en lengua nahuatl que florecio en Mexico en la epoca novohispana.

Un bobo hace ciento es una comedia de figurón que se representó ante el rey y la corte para las fiestas de carnestolendas de 1656, junto a la correspondiente Loa, también escrita por el autor, consid

Segunda edición revisada dunha peza teatral que acadou o premio Rafael Dieste da Deputación da Coruña no ano 1993.

Podría decirse que el rasgo principal de Fausto es la desmesura, atributo que sólo en apariencia y en nombre de esas reglas que pretenden identificarse con lo clásico, puede considerarse como negativo. La desmesura temática y un poco folclórica del mito del hombre que hace un pacto con el diablo para curar sus deseos insatisfechos y poder acceder al conocimiento total de la experiencia, se transforma en la obra de Goethe en desmesura formal, lo que le permite incorporar muchas contradicciones consideradas por algunos como irreconciliables: es a la vez un drama trágico pero no carente de comedia, alegórico pero también fantástico, místico, estrafalario y erudito; y, como mezcla sin compeljos el pasado histórico con el presente de la escritura haciendo del anacronismo un instrumento formal, podría decirse que, como el sueño para Freud, Fausto se construye sosteniéndose con un pie en el pasado y con el otro en el suelo igualmente fértil de la víspera.

Considero al espectador como un ser humano adulto, capaz de aportar desde su percepción del espectáculo, desde su mirada, todo aquello que la obra no dice, pero sugiere. Apelo a un espectador inteligente no intelectual-, que se permite indagar en lo que le texto propone desde su propia experiencia, para buscar una complicidad. Provengo de una familia cientifica, De hecho, soy la oveja negra de una familia de cientificos, pero he conservado una vocacion de aplicar a este territorio tan ambiguo y misterioso del arte algunos de los parametros del pensamiento cientifico. Me interesan mas los perdedores, los marginales, los figurantes, que los protagonistas o los vencedores. Es una cuestion de simpatia personal y natural. Tambien porque creo que los otros ya tienen posibilidades de darse a conocer y de brillar en los medios de comunicacion y en la Historia mas o menos oficial. Jose Sanchis Sinisterra

Versión de Antonio Buero Vallejo. El teatro contemporáneo de Brecht se representa en esta obra versionada por el mejor Buero Vallejo.

Los autos de Calderón, a menudo mal leídos y poco entendidos en épocas modernas, constituyen uno de los conjuntos dramáticos más importantes del teatro universal. Integran numerosas facetas doctrinales, filosoficas y artisticas en un ejemplo de arte total que puede ofrecer fascinantes oportunidades incluso al director de escena mas vanguardista. La historia teologica de la humanidad y los grandes problemas del hombre como la batalla del bien y del mal, el dominio de las pasiones, el destino y sentido de la vida humana, los conflictos que provoca la libertad el omnipresente libre albedrio de los autos, la debilidad y grandeza humanas, se visten con un lenguaje poetico inigualado en la literatura española. Esta seleccion de autos preparada por Ignacio Arellano refleja algunos de los modelos principales de ese amplio y complejo universo que son los autos de Calderon.

Las obras presentadas en este volumen, escritas entre 1972 y 1975, son anteriores a las publicadas por Ediciones de la Flor en el volumen I de esta colección de teatro (Real Envido, La malasangre, Del sol naciente).Dar la vuelta, 1972, aún sin estrenar, es una pieza que trabaja, en clave de humor negro, sobre la profunda adhesión de sus personajes a determinados valores de comportamiento, aunque esos valores entren en colisión con los afectos y la propia integridad física.Información para extranjeros, 1973, también sin estrenar, está estructurada sobre una serie de secuencias que impone al espectador o grupo de espectadores una recorrida por distintos ambientes, sin que sea necesario un orden cronológico de visión. Su título alude, no precisamente a los extranjeros, sino a aquellos extranjeros que ya en 1973 comenzaban a ignorar los datos que anunciaban la dolorosa historia de los años posteriores.Puesta en claro, 1974, se estrenó 12 años después, en julio de 1986, con puesta en escena de Alberto Ure. Pieza que juega con la distorsión de los roles, indaga hasta qué punto esa distorsión, lleva a situaciones límites, puede desencadenar reacciones drásticas y violentas. Una tragedia isabelina, fue el subtítulo paródico pensado alguna vez por Alberto Ure para esta obra que, como muchas del teatro isabelino, concluye con el aniquilamiento de varios de sus personajes.En cuanto a Sucede lo que pasa, 1975, es la única de las obras de este volumen que cumplió lo que podría llamarse el periplo en término de la escritura hacia el escenario, ya que fue estrenada en abril de 1976, también con dirección de A. Ure. Transita una zona que puede pertenecer a la picaresca del fracaso, donde el éxito de los fuertes es mísero y la derrota de los más débiles es iluminada por el dolor y la bondad de quienes la sufren.

Imaginemos a Moliere, en la soledad de su camarín, en los momentos en que se prepara para una representación; se ha detenido por un instante para consultar algo grave con su espejo; el espejo es gran amigo y fiel consejero de comediantes, que nada hacen sin preguntarle con una mirada si ello esta bien; los espejos son significativos en la vida de Moliere, como el color verde que preferia en sus trajes y en sus decoraciones, inclusive la de su propia casa; con tres espejos bajo una mascara ha sustituido en su sello personal lo que seria su escudo si fuese noble- a los monos que figuraban en la portada de la casa paterna; ahora tiene una interrogacion muy grave que hacer a su espejo; es el 24 de octubre de 1658, y la compañia de Moliere va por fin en esa fecha a actuar en presencia del joven rey. La obra escogida ha sido Nicomedes, de Pedro Corneille. ¿Aconsejo esa seleccion el propio Moliere, jefe de la compañia? Tal vez. ..pero recordemos que alli las cosas se deciden por votacion democratica de todas las partes. ¿Por que esa obra? Tal vez porque en ella se hace una defensa de la monarquia absoluta, lo que podria resultar simpatico al soberano, que quizas comenzaba ya a entenderla asi, y que con el tiempo habria de ejercerla; pero tambIen posiblemente por que las tres estrellas femeninas del grupo, importantes votos para escoger la pieza mas conveniente para e) caso, brillan en la tragedia, que les da ocasion de lucir la nobleza de sus bellas figuras y las conmovedoras entonaciones de sus bien educadas voces; su espejo le repite a Moliere que el, en cambio, no tiene en la tragedia ningun porvenir como actor; su estatura no es lo bastante majestuosa, y la emision de su voz suele interrumpirse con )os que sus criticos llaman hipos, y que son tal vez solo señales de una cierta cortedad de aliento, de una falta de capacidad toracica para la emision ininterrumpida de las grandes tiradas de versos tragicos; sus facciones son gruesas, vulgares; no hay en ellas distincion ni finura; no le vienen bien los nobles papeles de pr&

En 1969, en el Teatro Universitario, un grupo de amigos –entre ellos el autor– leyó públicamente una obra teatral de Carlos Fuentes titulada Todos los gatos son pardos, en la que se respondía apasion

Nada mejor que las propias palabras de Antonio Gala para presentar su obra: "Más que ningún otro texto mío, Carmen Carmen se entrega ciegamente a la voluntad de sus destinatarios. Carmen Carmen -en el fondo, como su protagonista- sera lo que ellos quieran ver en ella: un modo sonriente e irrespetuoso de contar y cantar las verdades; mi homenaje al mas divulgado mito español femenino; la oportunidad de lucimiento para una actriz tan versatil como profunda; la exposicion de la mas enconada tragedia de los seres humanos. Porque, nacidos para la felicidad, hemos transformado, a causa de nuestras menudas ambiciones, el mundo, previsto como un valle de gozo, en un valle de lagrimas. Nos mueve, mas que el jubiloso cumplimiento de nosotros mismos, el ansia de dinero, de poder, de difusas espiritualidades, de una gloria aun mas difusa, o de un incomprensible concepto del honor. Los hombres, desde hace siglos, vienen asesinando su propio destino de alegria. Si a la alegria de vivir se la personificara, cada uno tendriamos mas de un cadaver dentro del armario. No otra es la razon de la angustia humana, que teme lo mismo que desea, y mata lo que añorara." Jose Romera Castillo, catedratico de literatura española, nos aclara en su prologo las claves de esta obra y la situa en el conjunto de la produccion de Antonio Gala.

Peribañez y el comendador de Ocaña es una de las obras más conocidas del teatro clásico español. En un momento en el que el éxito popular parecía reservado a las comedias de capa y espada, Lope de Vega triunfa con esta pieza que sobrepasa la mera significacion del drama rural. Tras el conflicto entre los tres personajes, que a primera vista parece un simple triangulo amoroso, con la posibilidad de adulterio o violacion, se ofrece un mensaje sorprendentemente revolucionario para el siglo xvii que conserva un valor universal: el de la inviolabilidad de los derechos humanos y de la dignidad personal a que tiene derecho todo individuo. Lejos de cualquier significacion, Lope de Vega alcanza aqui una de las cotas mas altas de produccion de dramaticidad en una construccion de mantenido suspense que llega a ser patetico.

El autor trató en esta obra, en 1949, el tema del terrorismo y los problemas morales que conlleva la práctica de la guerrilla urbana revolucionaria.