Libros de Historia general del arte, página 3 de 350

Surgidos en 1848 como una sociedad secreta, los prerrafaelitas rechazaban los ideales clásicos y la pintura del género artístico dominante en esa época y apostaban por un enfoque, según ellos, más espiritual, sincero y naturalista. William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rosetti fundaron la sociedad, que acabo convirtiendose en una "hermandad" de siete miembros que incluia poetas y criticos, ademas de pintores. Alejandose de las composiciones clasicas como las de Rafael (de ahi el nombre del grupo), los prerrafaelitas se inspiraron en la cultura medieval y los colores brillantes del arte del Quattrocento. En un principio, sus temas principales eran religiosos, pero tambien recurrieron a la literatura y la poesia. Un ejemplo de ello es la famosa Ofelia de sir John Everett Millais, extraida del Hamlet de Shakespeare. Inspirados por las teorias de John Ruskin, tambien se dedicaron al estudio exhaustivo de la naturaleza. Este libro muestra obras clave del grupo prerrafaelita para introducir sus principios reaccionarios, sus deslumbrantes colores, su interes por el amor, la muerte y la naturaleza, y su extensa influencia en el simbolismo moderno, entre otros movimientos.

Pocos son los que en público se atreven a hablar de los abusos que en materia de arte se dan en nuestra sociedad, normalmente amparados en las ya viejas vanguardias del siglo pasado. Sin embargo, en privado, son muchos los que van hartandose de la imposicion de prejuicios, de un academicismo postvanguardista que vive demasiado de rentas de la anterior centuria y que no tiene sentido en el caos estetico heredado de ese mismo periodo. Estas paginas apuntan en una misma direccion: critica de la teoria del arte hoy imperante y moribunda, herida gravemente pese a su hegemonia, por un lado, y por otro, la mirada al futuro, es decir, la reedificacion de una estetica con raices hondas, elastica y abierta, rejuvenecida, capaz de crear nuevas teorias del arte. Para enfrentarse a los escombros dejados por los nietos de las ya vetustas vanguardias, sin embargo, no se rechazan sus hallazgos ni se deja de mirar al pasado remoto, sino que se retoman aquellos puntos de vista a la luz de otros mas actuales y se combinan con los nuevos desafios de la mano de nuevas tecnologias o de tecnicas tradicionales, indiferentemente. El objetivo: perseguir los fundamentos de una nueva teoria del arte que pueda ser mas util a la humanidad en el tiempo presente y en el futuro.

El ?blanco?, como tal, solo existe en nuestra percepción; es inútil, por tanto, salir en su busca. En lugar de ello, debemos encontrar el modo de sentir la blancura, ya que a través de este proceso tomaremos conciencia de un blanco ligeramente mas blanco que el blanco que percibimos normalmente. Esto, a su vez, nos hara ser conscientes de la sorprendente diversidad de blancuras que podemos encontrar en la cultura japonesa: por fin lograremos entender palabras como ?silencio? o ?espacio vacio?, y sabremos distinguir los significados ocultos que contienen. A medida que adquiramos esta compenetracion con el blanco, nuestro mundo se tornara mas resplandeciente y sus sombras mas acusadas. Kenya HARA

Manual para la asignatura de Historia del Arte Moderno en el que se ha pretendido cartografiar el ámbito artístico de Europa y su proyección americana, tratando de entender tanto lo que une como lo q

Marie Antoinette the very name conjures up a vibrant pastel coloured world of excess filled with satin shoes rustling silks gravity defying hairstyles decadent macarons delicious intrigue and then of course bloody Revolution This ground breaking volume first reconstructs the life and style of the captivating yet tragic Marie Antoinette married at 14 queen at 18 and guillotined at 37 from the intimate apartments she lived in to the scent she wore the trends she led and the complexities of French court life The authors draw on contemporary accounts interiors letters portraits and the tantalisingly few personal possessions that remain her shoes and fans and fragments of cloth from her dresses But Marie Antoinette has remained influential long beyond her death in 1793 The book uncovers how the ill fated Queen of France has provided a constant source of inspiration to the worlds of design fashion film and decorative arts from nineteenth century fancy dress balls to Art Deco illustration to the couture of John Galliano for Dior and the sumptuous movie by Sofia Coppola It considers afresh the legacy of a complex and mis understood figure whose style youth and notoriety have contributed to her timeless appeal

Desde el Renacimiento hasta nuestros días, esta es la historia del arte contada a través de la forma femenina, con más de 80 obras de arte. Espejo cultural de la época, el cuerpo femenino ha cautivado tanto a artistas como al publico durante siglos. Pero ¿que podemos aprender de estas representaciones de las mujeres? ¿Que tratan de decirnos acerca del mundo en el que vivimos? ¿Y como ha cambiado eso con el paso del tiempo? Desde el luminoso retrato de Gustav Klimt hasta la asombrosa fotografia de guerra de Lee Miller y el innovador arte escenico de Marina Abramovi?, Amy Dempsey nos guia en la exploracion de la evolucion del cuerpo femenino en el arte. Conoceras la Venus de Sandro Botticelli, la pastora de Leonor Fini, la Virgen de Barkley L. Hendricks y las aventureras de Toyin Ojih Odutola para descubrir como lo invisible se ha vuelto visible, lo ignorado ha sido representado y el arte ha cambiado el mundo. Amy Dempsey es historiadora del arte y escritora; se doctoro en el Courtauld Institute of Art de Londres y es miembro de la Royal Society of Arts.

"Con los años he llegado a descubrir que las fuentes son lugares mágicos y liminales a los que hay que acudir sin prisa, como quien va a visitar a un amigo [...] Las fuentes cantan y nos hablan directamente al subconsciente. Son paisajes sonoros, musicales. Junto a ellas escuchamos la musica de la vida que bulle a su alrededor [...] Pero las fuentes no solo procuran placer al oido, sino que son una experiencia sensorial total. Reclaman la atencion de nuestros cinco sentidos y conforman un microcosmos en el que las formas, los colores y los sonidos ambientales estan orquestados por el agua". En este extraordinario relato, Maria Belmonte nos propone un viaje a traves de los siglos para explorar el poder del agua y las fuentes desde las perspectivas mas evocadoras. De su mano recorremos cautivadores lugares miticos, materiales e historicos, que la autora describe con su prosa vivaz y caudalosa. Una sugerente y hermosa invitacion a pensar sobre el sentido de este bien tan preciado y escaso que es el agua.

* El arte puede ser tan fascinante como frustrante. Una sola obra puede tener varios significados, y existen muchas formas de entenderla, interpretarla y apreciarla. Este libro claro y accesible des

Durante el periodo Edo (1603-1868), grandes maestros de la estampa como Hokusai, Yoshitoshi y Kuniyoshi realizaron multitud de coloridos grabados en los que inmortalizaron a los guerreros más célebres de la historia, la leyenda y el teatro kabuki.Presentamos las ilustraciones mas vibrantes e iconicas de los hombres de armas que construyeron la historia de Japon: los Taira y los Minamoto, enfrentados incluso desde el Mas Alla; Yoshitsune, el heroe tragico; Miyamoto Musashi, el samurai por antonomasia; los 47 ronin y su celebre hazaña de venganza pero tambien a otros valientes no tan conocidos como el pirata Kezori Kuemon, el ladron Ishikawa Goemon o el bandido Hakamadare.Un libro para los amantes del arte japones, los apasionados de la historia de Japon y los entusiastas de la cultura samurai.

La historia del arte desde el Renacimiento como nunca se ha contado.¿Cuántas mujeres artistas conoce? ¿Quien hace la historia del arte? ¿Hubo mujeres que trabajaron como artistas antes del siglo XX? ¿Cuales fueron las pioneras que abrieron el camino para las creadoras actuales? ¿Cuantas mujeres forman parte de las colecciones permanentes de los grandes museos?En una apasionante historia del arte, Katy Hessel, historiadora del arte y fundadora del podcast @thegreatwomenartists, presenta, entre otros, los deslumbrantes cuadros de la pintora renacentista Sofonisba Anguissola, las radicales obras de Harriet Powers en el siglo XIX, o la historia de la fascinante baronesa Von Freytag-Loringhoven, que invento el concepto de arte encontrado mucho antes que Duchamp. Viajaremos por la Edad de Oro holandesa, contemplaremos el asombroso trabajo de las artistas latinoamericanas de posguerra y conoceremos a las mujeres que estan definiendo que es el arte en la actualidad.Preparese a cambiar para siempre su perspectiva sobre la historia del arte y a abrir los ojos a muchas formas de arte antes ignoradas o menospreciadas. Desde la costa de Cornualles a Manhattan, Nigeria o Japon, esta es una historia del arte como jamas se ha visto.

Nueva edición mejorada del clásico de Phaidon. La mejor introducción posible a la historia del arte con una mirada actual y global, desde la prehistoria a nuestros días considerando todos los continentes Esta edicion actualizada contiene 10 entradas nuevas referentes a las obras mas importantes realizadas a partir del 2015 (fecha de publicacion del ultimo formato). El libro contiene 600 de las mejores obras de arte en cualquier disciplina (pintura, escultura, textil, metal o ceramica), desde obras maestras iconicas a obras menos conocidas. Las obras aparecen en orden cronologico y las parejas nos muestran un mismo punto temporal y un distinto lugar geografico. Los textos estan escritos por 35 comisarios, academicos y arqueologos de todo el mundo. Contiene un glosario de terminos artisticos y una linea temporal ilustrada con las obras que aparecen en el libro.

Continúa la travesía por el desierto, cuyos principales hitos y prodigios obrados por Yahvé en favor de Israel ya tuvieron lugar en el libro del Éxodo. En el presente volumen, se estudian aquellos tipos iconograficos derivados del Levitico, los Numeros, el Deuteronomio y Josue. El conjunto de estos cuatro libros conforma una unidad, cuyo sentido es la historia del pueblo de Israel de camino aun por el desierto en direccion hacia la Tierra prometida y la conquista de esta una vez alcanzada. El contenido de cada uno de estos libros es muy diferente y absolutamente singular, algo que para los estudios iconograficos es secundario, ya que, como fuente visual, los libros biblicos interesan tanto en cuanto poseen contenido narrativo y, en consecuencia, sean susceptibles de ser trasladados a la imagen, dando asi lugar a los tipos iconograficos que conforman el objeto de estudio. En este sentido, presentamos una sucesion de capitulos integrados como un todo progresivo en la historia, donde cobra relevancia el final de Moises y Aaron, seguido del protagonismo que adquiere Josue como lider en la conquista de Canaan.

Han pasado treinta años desde que Laurence Anholt comenzó su querida serie sobre grandes artistas y los niños reales que los conocieron. Desde entonces, estos cuentos clásicos sobre Vincent van Gogh, Frida Kahlo, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci y muchos otros genios del arte occidental han servido de trampolin hacia el amor por el arte y han vendido millones de copias en todo el mundo. Las historias se han adaptado de muchas formas, incluidas el ballet, la opera, ediciones en braille para niños ciegos y con deficiencias visuales, y en un gran musical en Corea del Sur. Ademas de las deslumbrantes ilustraciones en acuarela de Anholt, esta edicion de aniversario incluye decenas de reproducciones de alta calidad de la obra de los artistas, biografias adaptadas para niños y preguntas interactivas para jovenes lectores. Cada historia se basa fielmente en acontecimientos historicos y en una extensa investigacion. En muchos casos, Anholt visito las casas y los estudios de los artistas, siguio sus pasos y entrevisto a sus familiares. Tuvo acceso privado a la casa de Monet en Giverny y se hizo amigo intimo de Sylvette David (ahora Lydia Corbett), la famosa chica con cola de caballo de Picasso.Para que los artistas y sus mundos sean accesibles a los lectores jovenes, Anholt emplea un recurso unico: los acontecimientos se ven a traves de los ojos de un niño que realmente conocio al artista. De esta manera, los lectores pueden conectar con la historia, y los artistas que podrian ser inaccesibles se humanizan. A nivel subconsciente, el lector absorbe muchos valores inspiradores, como la bondad, la autoestima, la perseverancia, la creatividad y la valentia.Quiza sea por el tono amable de la narracion de Anholt o sus ilustraciones hechas a mano. Quiza por su amor por los niños y su pasion por el tema. Sea por lo que sea, una generacion entera de lectores ha desarrollado a traves de sus historias un amor por el arte que les ha acompañado toda la vida. Y ahora transmiten ese precioso regalo a sus propios hijos. El regalo del arte.En este volumen se cuentan las historias de los siguientes artistas: Van Gogh y los girasoles, Frida Kahlo y la niña mas valiente del mundo, Cezanne y el niño de la manzana, Picasso y la chica de la cola de caballo, El jardin magico de Claude Monet, Cuentanos una historia, papa Chagall, Degas y la pequeña bailarina, Leonardo y el chico volador.

Las memorias de una mujer independiente y su papel en el mundo del arte catalán y español.Victoria Combalía narra en esta sugerente crónica personal sus años de formación y los primeros pasos como alumna y joven profesora de historia del arte. Nacida en el seno de una familia de la burguesia liberal catalana, la que con el tiempo se convertira en respetada historiadora y critica de arte, y comisaria de numerosas exposiciones, es en los años setenta una joven que lucha por emanciparse de las imposiciones morales de su medio social y dispuesta a vivir a fondo los profundos cambios de todo tipo que el pais encaraba en esos momentos. Sus estancias en Paris y en Nueva York le permiten conocer de primera mano las grandes transformaciones del arte contemporaneo y entrar en contacto con algunos de sus principales protagonistas, que en estas paginas aparecen magistralmente perfilados.

Con prólogo deJUAN ESLAVA GALÁN"Al final la lectura deviene la música de un río ancho y calmo que nos arrastra junto con los objetos que expresan la cultura del mundo hacia un océano apacible de remansadas sensaciones y conocimientos.Un acierto pleno y una obra que, estoy seguro, va a ocupar un lugar importante en la bibliografia del tema.?Una obra madura y acabada, en dosis sabiamente combinadas del ensayo historico, , de la critica de arte y del informa tecnico, todo ello en un techo de impecable carpinteria expositiva, urdido con la maestria del que sabe y la pedagogia del que sabe explicar?.(Juan Eslava Galan)

CONTRA¿Qué es la belleza? ¿Necesita el universo ser bello?En un momento en el que parece haber quedadorelegada al aspecto de las cosas y los seres,François Cheng nos introduce, siguiendo las grandes tradiciones de Oriente y Occidente, a una vision filosofica y etica de la belleza.A lo largo de los dos textos recogidos en este libro, el academico frances reflexiona en torno a la antigua conviccion de que existe un lazo intimo que une belleza y bondad, un viaje que abarca desde la representacion de la santidad, pasando por la singularidad de la creacion artistica y la simbologia de la pintura China, hasta las virtudes humanas que Confucio atribuia a las grandes entidades vivas de la naturaleza.Una invitacion a renovar la mirada, a descubrir el palpito estetico que late en cada accion y la dimension moral que se esconde en toda belleza.Xavier Antich

La obra es un extraordinario recorrido de momentos relegados y resistidos de casi dos siglos de modernidad artística (1764-1941).

The Green Man, the image of the foliate head or the head of a man sprouting leaves, is probably the most common of all motifs in medieval sculpture. Nevertheless, the significance of the image lay largely unregarded until Kathleen Basford published this book - the first monograph of the Green Man in any language -and thereby earned the lasting gratitude of scholars in many fields, from art history and folklore to current environmental studies. This book has opened up new avenues of research, not only into medieval man's understanding of nature, and into conceptions of death, rebirth and resurrection in the middle ages, but also into our concern today with ecology and our relationship with the green world. It is therefore a work of living scholarship and its publication in paperback will be greatly and justly welcomed.

"Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte." Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoria de critico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plastica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporanea.En esta antologia completa de sus ensayos sobre artistas, compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger dono aun en vida a la British Library, John Berger nos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solo nos sumergen en la singularidad de cada creacion artistica, sino que van mucho mas alla y nos conducen con maestria entre lo personal, lo cultural y lo politico. No en vano Berger es considerado uno de los intelectuales europeos mas importantes de nuestro tiempo y uno de los criticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepcion del arte y el lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporanea.Los textos del primer volumen abarcan desde las pinturas prehistoricas de la cueva de Chauvet hasta Paul Cezanne. En el segundo y ultimo volumen, el critico britanico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obra de Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. Del conjunto de textos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante decadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado teorico y vivencial de Berger.

El alemán Carl Einstein (1885-1940) fue uno de los primeros y más destacados teóricos de las vanguardias artísticas del siglo XX. Críticos y nada complacientes, sus análisis contribuyeron a delimitar nuestra comprensión del cubismo, del surrealismo o, como en este texto, de la pintura propuesta por los llamados expresionistas alemanes: un grupo heterogéneo de artistas que abarca desde Emil Nolde a George Grosz, pasando por Ernst Kirchner, Oskar Kokoschka o Max Beckmann.