Libros de Artistas contemporáneos, página 2 de 373

Entre el arte y la tierra, la memoria creativa de uno de los personajes de nuestro país más reconocidos a nivel internacional en el mundo del arte. Vicente Todolí es todo un referente del arte contemporaneo, un curator de prestigio que ha pasado de la direccion artistica de algunos de los mas grandes museos del mundo, como la Tate Modern Gallery, a cultivar mas de 500 variedades de citricos en Palmera, su pueblo natal. Un ?hombre de espiritu renacentista?, curioso vocacional, que investiga y se documenta sobre todo aquello que le provoca emociones, ya sea el arte o la tierra. Quisiera crear un jardin (y verlo crecer) es una reflexion muy personal sobre las circunstancias y asuntos que acaparan su atencion y dibujan tanto su trayectoria vital como profesional: de Valencia a Nueva York, Oporto, Londres o Milan, descubriendo artistas y organizando exposiciones, para volver a los campos junto al Mediterraneo y recuperar sus raices, literalmente, al descubrir el ?arte? de cultivar olivos y citricos.

Con seis años, Salvador Dalí (1904-1989) quería ser cocinero. Con siete años, quería ser Napoleón. “A partir de ese momento —dijo más tarde— mi ambición no dejó de crecer, y con ella mi megalomanía.

Claude Monet (1840-1926), aclamado como el «príncipe de los impresionistas», transformó las expectativas en cuanto al propósito de la pintura sobre lienzo. Desafiando una tradición de siglos, Monet n

Francis Bacon es una de las figuras icónicas del arte del siglo xx, un artista que transformó la manera en que vemos y experimentamos el cuerpo humano. A la manera de los trípticos de Bacon, Jonathan Littell, apasionado de la obra del pintor, divide su libro en tres partes, a la vez independientes y complementarias. En la primera, describe el dia que pasa en el museo del Prado mirando las telas de Bacon, no muy lejos de las de Velazquez y Goya. La segunda revela las correspondencias ocultas entre las figuras que Bacon pinta a lo largo de su carrera. Los retratos de su amante, George Dryer, pintados poco antes del suicidio de este en 1971, son el hilo conductor de esta reflexion. La tercera parte pone en perspectiva la pintura de Bacon y la de los iconos, con el fin de abordar la cuestion de la representacion de la verdad en la pintura. El libro incluye un centenar de ilustraciones escogidas por Jonathan Littell.Francis Bacon es una de las figuras icónicas del arte del siglo xx, un artista que transformó la manera en que vemos y experimentamos el cuerpo humano. A la manera de los trípticos de Bacon, Jonathan Littell, apasionado de la obra del pintor, divide su libro en tres partes, a la vez independientes y complementarias. En la primera, describe el dia que pasa en el museo del Prado mirando las telas de Bacon, no muy lejos de las de Velazquez y Goya. La segunda revela las correspondencias ocultas entre las figuras que Bacon pinta a lo largo de su carrera. Los retratos de su amante, George Dryer, pintados poco antes del suicidio de este en 1971, son el hilo conductor de esta reflexion. La tercera parte pone en perspectiva la pintura de Bacon y la de los iconos, con el fin de abordar la cuestion de la representacion de la verdad en la pintura. El libro incluye un centenar de ilustraciones escogidas por Jonathan Littell.

Disfrute del arte del pintor floral Pierre-Joseph Redouté, el“Rafael de las flores”. Este libro, adaptado de nuestra edición XL, reúne los mejores grabados de sus obras más importantes, como Selecció

Esta inspiradora colección cubre el trabajo, las vidas y el impacto duradero de cinco impresionistas clave en un volumen que es una introducción y una celebración del género artístico probablemente mas popular de todos los tiempos. Cada uno de estos artistas rompio barreras de diferentes maneras y asombro a la sociedad de finales del siglo XIX con la audacia de su planteamiento y de su tecnica.Edgar Degas exploro el movimiento y la forma humanos con un estilo magistral y composiciones innovadoras, entre las que destacan sus pinturas de bailarinas, caballos de carreras y paisajes urbanos concurridos. Claude Monet fue un maestro de la luz y la atmosfera que capto la fugacidad del momento con sus iconicos nenufares y series de pinturas. Pierre-Auguste Renoir celebro la belleza y la sensualidad, y aporto vitalidad a escenas cotidianas con pinceladas exuberantes y una paleta luminosa. Paul Gauguin busco inspiracion en lo exotico y utilizo colores atrevidos y simbolismos con un efecto a menudo inquietante. Por ultimo, el uso sumamente emotivo del color y las pinceladas vigorosas de Vincent van Gogh transmitieron su agitacion interna y contribuyeron en gran medida a sentar las bases del expresionismo.Juntos, estos cinco maestros redefinieron lo que el arte se atrevia a lograr al hacer hincapie en la expresion personal y en la exploracion de la luz, el color y la perspectiva. Su trabajo marco un cambio fundamental en las libertades y expectativas artisticas modernas. Esta coleccion va mas alla de sus pinturas mas famosas e incluye un extenso texto sobre cada artista, junto con una biografia detallada y mas de 400 ilustraciones en color de alta calidad.

El contenido de estas páginas no desmiente lo que anuncia su título pues en ellas Odilon Redon evoca episodios de su vida, nos entrega un peculiar diario en el que cada experiencia vivida se convierte en una experiencia intelectual, reflexiona sobre su arte y nos deja penetrantes semblanzas de artistas clasicos y de contemporaneos suyos. Pintor muy cercano a la literatura, tanto por sus amistades como por las ilustraciones de obras de Edgard Allan Poe, Gustave Flaubert o Charles Baudelaire, publico sus Confidencias de artista en una revista belga, en 1894, y fue su viuda la que en 1922 las recogio en volumen junto a diversos escritos que lo confirman como un perspicaz observador del hecho artistico, atento a la realidad de la naturaleza pero enriqueciendola con los constantes acercamientos a sus aspectos mas misteriosos, en los que ponia la logica de lo visible al servicio de lo invisible. Las descripciones de paisajes se unen a reflexiones sobre temas sociales y filosoficos, y los acercamientos a pintores (sobre todo a su admirado Delacroix) pero tambien Courbet, Manet, Pissarro, Marie Cazin, Degas, Durero, Rodin, Rembrandt, Rubens, Monet iluminan su propia estetica, que consideraba la tradicion, la realidad y la inventiva personal como las tres fuentes del arte.Son paginas en las que Jesus convive con La Internacional, el acercamiento a la mujer con la preocupacion por los niños trabajadores, y las reflexiones sobre la fotografia (la placa solo expresa la muerte) con la respuesta a una encuesta sobre Alsacia y Lorena o a una peticion pacifista. Del Prologo de Juan LamillarSi tuviera que decir cual fue mi punto de partida, deberia decir que fue el arte de Odilon Redon. Marcel DuchampOdilon Redon (Burdeos, 1840-Paris, 1916) es el maximo representante del simbolismo pictorico frances, un movimiento que se opone al realismo y al impresionismo, y que comparte con la literatura la busqueda de un arte mas elevado, con una fuerte carga espiritual y que considera el mundo como un misterio a descifrar. Tanto en su etapa de dibujos y litografias oscuros (los negros) como en su empleo del color en pasteles y oleos a partir de 1890, en Redon destaca una originalidad que participa de lo enigmatico y lo extravagante. Mitos paganos, figuras biblicas y orientales, animales imaginarios pero tambien el colorido de las flores aparecen continuamente en sus cuadros. Ya en los primeros años del siglo XX se dejo ver su influencia en las generaciones posteriores, desde los Nabis hasta el Surrealismo, que destaco los elementos inconscientes y oniricos de su produccion.

Edward Hopper (1882-1967) representa una historia de triunfo típicamente americana, si bien el éxito podría haberle sonreído antes. A los 40 años de edad, era un artista fracasado que no había conseguido vender ni un solo cuadro, hasta que, a punto de cumplir los 80, la revista Time lo saco en portada. En la actualidad, transcurrido medio siglo desde su muerte, Hopper se considera un gigante de la expresion moderna, con un talento asombroso, inolvidable y absolutamente personal para captar ambientes y lugares. Gran parte de la obra de Hopper indaga en la experiencia de la ciudad moderna. Lienzo tras lienzo, retrata restaurantes, cafeterias, escaparates, farolas, gasolineras, estaciones de tren y habitaciones de hotel. Sus escenas se caracterizan por yuxtaposiciones de colores vivos y por una iluminacion cruda y teatral; asi como por figuras contorneadas con aspereza, que parecen integrarse en el entorno y, al mismo tiempo, ser ajenas a este. La ambientacion en todo su repertorio urbano transmite desasosiego, alienacion, soledad y tension psicologica, mientras que sus escenas del entorno rural y litoral ofrecen un contrapunto de tranquilidad y optimismo. Este libro recoge las obras clave de Hopper con el fin de presentar a un artista clave no solo en la historia del arte estadounidense, sino en la psique de todo un pais.

Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado en la ciudad de Nueva York, Rothko rechazaba las etiquetas e insistia en la creacion de una experiencia plena entre el cuadro y el espectador. Tras una etapa figurativa, Rothko desarrollo sus emblematicos lienzos de bloques de vivos colores en rojo, amarillo, ocre, marron, negro o verde. Subrayo que no habia eliminado la figura humana con esos brillantes y vividos espacios de color, sino que la habia sustituido por simbolos o formas que contenian toda la tragedia de la condicion humana. Al mismo tiempo atribuia explicitamente al espectador el poder de interpretar su obra. Segun decia: Un cuadro vive en compañia, expandiendose y cobrando vida ante los ojos del espectador sensible. Desde sus tempranos inicios hasta sus campos de color mas famosos, este libro descubre la inteligencia e influencia de la obra dramatica, intima y revolucionaria de Rothko.

La irrupción del expresionismo abstracto en los años cuarenta trajo consigo un cambio sustancial en las interpretaciones habituales del arte moderno. En este marco la obra de Jackson Pollock ocupa el lugar mas destacado. Cabe afirmar que en torno a ella se produjo un verdadero debate. En el presente libro se recogen algunos de los mas importantes momentos, ensayos, de ese debate.

Un auténtico héroe popular en América Latina y el artista más importante de México, junto a su esposa, la pintora Frida Kahlo, Diego Rivera (1886-1957) tuvo una vida apasionada dedicada al arte y el comunismo. Tras pasar unos años (en la decada de 1910) en Europa, donde se rodeo de otros creadores y abrazo el movimiento Cubista, regreso a Mexico y comenzo a pintar los murales a gran escala que le hicieron famoso. En ellos abordo temas sociales y politicos relacionados con la clase trabajadora, ganandose un estatus profetico entre los campesinos de su pais. Fue invitado a crear piezas en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde provoco controversia al retratar a Lenin en un mural para el Rockefeller Center de Nueva York (que fue destruido antes de que se terminara). La obra mas notable de Rivera es su Detroit Industry (Industria de Detroit) de 1932, un grupo de 27 frescos en el Detroit Institute of Art en Michigan. Este volumen presenta numerosos detalles a gran escala de los murales, permitiendo que sus diversos componentes y sutilezas sean examinados de cerca. Ademas de los estos, se incluye una gran seleccion de pinturas, fotografias de epoca, documentos y dibujos de colecciones publicas y privadas de todo el mundo, muchos de los cuales eran hasta ahora desconocidos para los estudiosos y cuya inclusion ha sido posible gracias a la mas intensa investigacion realizada sobre el trabajo de Rivera desde su muerte. Los textos incluyen una biografia ilustrada y ensayos de destacados historiadores del arte que ofrecen interpretaciones de cada mural. No se puede pedir un estudio mas completo de la obra de Rivera. Finalmente su trabajo tiene la retrospectiva que merece.

KAWS es uno de los artistas contemporáneos más populares y reconocidos, cuyo alcance va mucho más allá del mundo del arte y se extiende a los ámbitos de la moda, la música y la cultura popular en general.KAWS, que comenzo su carrera como grafitero en la decada de 1990, ha ampliado su repertorio a la pintura, la escultura, el dibujo, el diseño de productos y la realidad aumentada, formando juntos una vision artistica que une todas estas practicas. KAWS ha colaborado con algunas de las marcas internacionales mas destacadas, como Uniqlo, Comme des Garçons, Supreme, Nike, Dior, sacai, General Mills y muchas mas.El libro incluye imagenes del estudio del artista realizadas por Jason Schmidt y una seleccion de dibujos preparatorios ineditos de KAWS, asi como obras que abarcan toda su carrera, desde sus primeros dias de graffiti hasta sus juguetes de vinilo altamente coleccionables, complejas pinturas abstractas y esculturas publicas monumentales.Este libro, profusamente ilustrado y en el que se recogen los estudios mas importantes sobre su obra realizados hasta la fecha, es un estudio definitivo sobre la vida y la carrera de este extraordinario artista.

En el Nueva York de la década de 1950, antes de convertirse en uno de los nombres más célebres del siglo XX, Andy Warhol era ya un hábil y exitoso artista comercial. Durante esa época, como parte de su estrategia para atraer a clientes y forjar amistades, creo siete libros promocionales hechos a mano reservados para sus contactos mas valiosos. En ellos incluyo extravagantes dibujos y textos suyos, revelando, entre otras, su pasion por los gatos, la comida, los mitos, los zapatos, los chicos guapos y las chicas hermosas.Decadas mas tarde, y con los originales pasando de unos propietarios a otros por miles de dolares en subastas, TASCHEN presenta un volumen de tamaño XL que contiene meticulosas reediciones de estos siete libros. Con titulos como Love Is A Pink Cake (El amor es una tarta color rosa), 25 Cats Named Sam (25 gatos llamados Sam) y A la Recherche du Shoe Perdu (En busca del zapato perdido), esta serie revela el caracter fuera de lo comun del artista, su destreza como dibujante, su creatividad ilimitada y su sutil sentido del humor.Este libro juega con estilos y generos: Las litografias de A Is for Alphabet (A de Alfabeto) dedican una pagina a cada una de las letras del abecedario, con ilustraciones acompañadas de versos de tres lineas que hablan de extraños encuentros entre el hombre y los animales. In the Bottom of My Garden (Al fondo de mi jardin) es un cuento infantil warholiano y al mismo tiempo un homenaje al amor homosexual. Wild Raspberries (Frambuesas silvestres) es una parodia de un libro de cocina con una serie de recetas atrevidas con instrucciones e ilustraciones.Este colorido volumen tambien incluye introducciones para cada una de las ilustraciones de Warhol. Enriquecidas con fotografias raramente vistas del artista, objetos inspiradores y trabajos comerciales, contextualizan el arte de Warhol de la decada de 1950 ofreciendo una vision de su proceso creativo en aquellos primeros años asi como de su caracter entrañable y jugueton.Estos libros son joyas poco conocidas pero muy codiciadas del universo Warhol. Delicias dibujadas a mano tan atractivas y originales hoy como lo fueron en la decada de 1950. Con una introduccion de la experta en Warhol Nina Schleif, asi como ilustraciones de la epoca y fotografias de Warhol, esta edicion meticulosa ofrece una mirada unica a un genio incipiente a punto de alcanzar la fama mundial. The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Artista pop, pintor de la vida moderna, paisajista, maestro del color, explorador de la imagen y de la percepción durante seis décadas, David Hockney es conocido por ser un artista que siempre encuentra nuevas formas para explorar el mundo y sus posibilidades de representacion. No ha dejado de crear imagenes inolvidables: obras con lineas graficas y texto integrado durante los Swinging Sixties en Londres; la famosa serie de piscinas, cronica del estilo de vida californiano en la decada de 1970; asi como penetrantes retratos y paisajes de gran formato y colores brillantes tras su regreso a su Yorkshire natal. Ademas de los dibujos en los que traslada lo que ve directamente al papel, hay collages multiperspectiva hechos con polaroids que abren el espacio a un sinfin de vistas de gran detalle, y dibujos realizados con iPad en los que captura la luz con un medio mas moderno, testimonio todo ello del placer que Hockney siempre ha encontrado en la experimentacion. Esta edicion especial combina los dos volumenes de la monografia David Hockney: A Bigger Book para celebrar el 45 aniversario de TASCHEN. La vida y el trabajo de Hockney se presentan de forma cronologica como un dialogo entre sus obras y distintas voces de cada epoca, junto con reseñas y las reflexiones del artista en un texto que se complementa con retratos fotograficos e imagenes de exposiciones. Juntos abren nuevas perspectivas, pagina tras pagina, que revelan como Hockney aborda su investigacion artistica, como se desarrolla su pintura y donde encuentra inspiracion para su trabajo multifacetico.

Por primera vez, y editado por uno de los grandes especialistas en la obra del artista malagueño, Rafael Inglada, se vierten al castellano todas las entrevistas que el artista concedió a diferentes medios, en su gran mayoria, franceses. El volumen se abre con un exquisito prologo del Director del Museo Picasso de Barcelona, Emmanuel Guigon.

La antológica Máquinas de Trovar repasa la trayectoria del artista, comisario y editor Pedro G. Romero (Aracena, Huelva, 1964), siguiendo un itinerario cronológico inverso, arrancando con los proyectos mas recientes, hasta llegar a los primeros trabajos de la decada de los ochenta.Desde que que se inicia en el terreno artistico, sus trabajos han sido calificados de singulares, particulares, excentricos. Pero, lejos de buscar una posicion solitaria y mas alla de simplificaciones en torno a lo colectivo, su modo de hacer ha consistido en tramar aparatos, indices, dispositivos, en definitiva, maquinas que se vinculan al campo del arte.En su trabajo, Pedro G. Romero analiza sucesos historicos, la vida y la circulacion de imagenes, la iconografia sacramental, el gesto iconoclasta de las vanguardias artisticas del siglo XX y el arte moderno, el flamenco, los conceptos e imaginarios sobre las culturas populares, la economia, las politicas culturales o las formas de especulacion urbana. Este vasto acervo se resignifica en una obra que se manifiesta a traves de la concepcion de instalaciones, la investigacion, la escritura, el comisariado y la conexion con el cine y las artes en vivo.

«Una biografía épica. Un libro para disfrutar, ameno y plagado de detalles. Fascinante».Kirkus Reviews Basada en años de investigación y entrevistas con decenas de amigos, amantes y detractores de Wa

“Los cuadros de Kandinsky, en mi imaginación, están inmersos en las paredes azules del cielo, donde viven en silencio su vida festiva. Ya están ahí, y pronto escaparán de la oscuridad del silencio co

“En esencia, el arte de Giger se adentra en nuestra psique y roza nuestros instintos y miedos más profundos. Su arte pertenece a una categoría que le es propia. La prueba de ello reside en la intensi