Libros de Artistas contemporáneos, página 2 de 379

A través de su estilo decorativo inconfundible, el artista checo y maestro del art nouveau Alfons Mucha (1860-1939) definió la estética de fin de siglo. Sus sugerentes composiciones de motivos ornamentales, flores y bellas mujeres de evocadoras tonalidades melocoton, oro, ocre y oliva se convirtieron en paradigmas de los años de la Belle Epoque. La obra de Mucha dejo su impronta en las ilustraciones, los carteles, las postales y los anuncios de su epoca. Sus llamativos carteles de la actriz Sarah Bernhardt se hicieron especialmente famosos. Junto a su delicada obra decorativa, Mucha tambien enarbolo fuertes convicciones politicas. A traves de su monumental ciclo Epopeya eslava expreso su apoyo incondicional al paneslavismo, que propugnaba la independencia politica de las naciones checa y eslava del Imperio austrohungaro. Este libro, realizado con la colaboracion de la Fundacion Mucha, ilustra las obras principales y presenta todas las facetas artisticas de Mucha, desde motivos decorativos hasta ilustraciones de libros, pasando por carteles, fotografias y pinturas monumentales.

"Pinacoteca Migrante/Galería de Arte Migrante" es una institución creada por laLa artista peruano-española Sandra Gamarra Heshiki y presentada en el Pabellón de España en la 60 Bienal de Venecia, 2024. El proyecto analiza las estructuras sistemicas de las artes a traves de apropiaciones pictoricas basadas en la investigacion de la artista sobre pinturas y objetos patrimoniales en colecciones publicas y museos, desde Del Imperio a la Ilustracion en España. La revision de Gamarra muestra la ausencia de narrativas decoloniales, exponiendo el sesgo con el que los colonizadores y los oprimidos han sido representados en los museos.Texto: Esther Gabara, Sandra Gamarra Heshiki, Yeison Garcia Lopez, Yayo Herrero, Agustin Perez Rubio, Neferti X. Tadiar, Françoise Verges, Gabriela Wiener.

Artista pop, pintor de la vida moderna, paisajista, maestro del color, explorador de la imagen y de la percepción durante seis décadas, David Hockney es conocido por ser un artista que siempre encuentra nuevas formas para explorar el mundo y sus posibilidades de representacion. No ha dejado de crear imagenes inolvidables: obras con lineas graficas y texto integrado durante los Swinging Sixties en Londres; la famosa serie de piscinas, cronica del estilo de vida californiano en la decada de 1970; asi como penetrantes retratos y paisajes de gran formato y colores brillantes tras su regreso a su Yorkshire natal. Ademas de los dibujos en los que traslada lo que ve directamente al papel, hay collages multiperspectiva hechos con polaroids que abren el espacio a un sinfin de vistas de gran detalle, y dibujos realizados con iPad en los que captura la luz con un medio mas moderno, testimonio todo ello del placer que Hockney siempre ha encontrado en la experimentacion. Esta edicion especial combina los dos volumenes de la monografia David Hockney: A Bigger Book para celebrar el 45 aniversario de TASCHEN. La vida y el trabajo de Hockney se presentan de forma cronologica como un dialogo entre sus obras y distintas voces de cada epoca, junto con reseñas y las reflexiones del artista en un texto que se complementa con retratos fotograficos e imagenes de exposiciones. Juntos abren nuevas perspectivas, pagina tras pagina, que revelan como Hockney aborda su investigacion artistica, como se desarrolla su pintura y donde encuentra inspiracion para su trabajo multifacetico.

Austin Osman Spare. Vida y leyenda del olvidado artista londinense es la biografía definitiva de este controvertido artista y ocultista, un enfant terrible de la época eduardiana cuya obra fue aclamada como genial y a su vez tachada de decadente e inmoral. Spare, que habia recibido formacion como dibujante, fue aclamado muy pronto cuando, a los diecisiete años, su obra fue expuesta en la Royal Academy de Londres. Sin embargo, su estrella no tardo en declinar; Spare paso a la clandestinidad, abandonando la fama y los tabloides para sumirse en la pobreza y la oscuridad. Tras asociarse brevemente con el infame Aleister Crowley, se sumergio en el ocultismo y la brujeria, viajando a dimensiones interiores, mientras desarrollaba su propia filosofia magica basada en el placer, la obsesion y la naturaleza subjetiva de la realidad. Mientras tanto, Spare seguia produciendo arte extraordinario que exponia en pubs londinenses de regusto cokney, fuera del mundo del arte convencional.

La belleza de la naturaleza y la soledad del hombre son temas dominantes en la obra de Caspar David Friedrich (1774-1840). El artista con frecuencia dispone una pequeña figura humana en un amplio paisaje, como en sus famosos lienzos Monje a la orilla del mar y El caminante sobre el mar de nubes. Durante mucho tiempo, la importancia y la influencia de este gran pintor romantico fueron subestimadas. Cuando murio, Friedrich habia sido olvidado ya por sus coetaneos y no fue redescubierto hasta principios del siglo xx. Actualmente, se le considera el pintor aleman mas importante de su generacion y un precursor del expresionismo. En una ocasion, Friedrich dio el siguiente consejo a un artista compañero suyo en la escuela que se sentia limitado por las normas academicas: Cierra tus ojos para poder ver tu cuadro primero con tu alma. Luego, da luz a lo que veias en la oscuridad para que ejerza su efecto en otros desde fuera hacia dentro. Es decir, concentracion y no imitacion, esencia y no frivola tecnica pictorica.

Catálogo ilustrado de Pierre-Joseph Redouté, maestro de la botánica. Reúne grabados de flores y plantas con descripciones detalladas, considerado una obra cumbre de la ilustración científica.

Déjese hechizar por Gustav Klimt. Más de un siglo después de su muerte, el artista vienés Gustav Klimt (1862-1918) continúa sorprendiendo con su desvergonzado erotismo, sus superficies deslumbrantes y su experimentacion artistica. En esta impecable y rigurosa monografia reunimos las obras fundamentales de Klimt junto a prestigiosos analisis historico-artisticos y material del archivo personal de Klimt para seguir la evolucion de su asombrosa obra. Con ilustraciones de primera calidad, incluyendo nuevas fotografias de la aclamada serie de mosaicos friso Stoclet, el libro repasa la trayectoria de Klimt y su papel destacado en el movimiento secesionista de 1897, su candida y fiel representacion del cuerpo femenino y su deslumbrante epoca dorada, en la que el pan de oro aporto textura y un tono brillante a obras tan celebres como El beso y Retrato de Adele Bloch-Bauer I, tambien conocido como La dama de oro.

La obra de Henri Matisse (1869-1954) refleja una confianza incesante en la fuerza de los colores radiantes y las formas simples. Pese a que alcanzó la fama sobre todo por sus pinturas, Matisse también trabajo el dibujo, la escultura, la litografia, los vitrales y el collage. Y cuando su avanzada edad le impidio permanecer de pie para pintar, desarrollo la tecnica de los cut-outs, un nuevo lenguaje visual a base de recortes de papel pintado. La tematica de sus cuadros era a menudo convencional: desnudos, retratos y figuras en paisajes, escenas orientales y otras de interior. Pero su manejo audaz de los colores y su fluidez en el trazo del dibujo le aseguraron un lugar entre los maestros del siglo XX. En especial fue la paleta de Matisse la que alimento la imaginacion moderna. Con su vivido azul, su purpura amatista y su amarillo yema de huevo, ademas de muchos otros colores, libero a su obra del corse de una representacion meticulosa de la realidad y, en su lugar, busco una armonia vital. A menudo tomaba la musica como inspiracion o analogia de sus obras. Desde grandes lienzos estampados hasta sencillos y delicados retratos, este libro presenta todo el abanico creativo de Matisse, abarcando desde sus primeras incursiones en el fauvismo hasta sus proyectos postreros, como Jazz y la capilla del Rosario en Vence (al sur de Francia).

El artista suizo H. R. Giger (1940-2014) es conocido principalmente por su creación del monstruo espacial de la película de terror futurista Alien, de 1979, con la que ganó un Óscar. En retrospectiva, no fue mas que una de las expresiones mas celebres del arsenal biomecanico de criaturas de Giger, que fusionaba hibridos de humano y maquina, en poderosas y evocadoras imagenes llenas de oscura psicodelia. Sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado, que se remontan a sus miedos de infancia, al tiempo que evocaban mitologias para el futuro. Estas imagenes plasmaron las fantasias y los miedos colectivos de su epoca: el temor a la bomba nuclear, a la contaminacion y el despilfarro de recursos, y a un futuro en el que la supervivencia de nuestros cuerpos este supeditada a las maquinas. De oniricos paisajes surrealistas creados con una pistola pulverizadora y plantillas a caratulas de discos; de esculturas con forma de guillotina a una cafeteria que el mismo diseño, Giger nos guia personalmente por su polifacetica carrera en esta introduccion imprescindible sobre este maestro del horror. Reproducciones y diseños detallados y un prologo de Timothy Leary complementan los intimos textos autobiograficos de Giger.

Incluye Manet según Matisse y el Retrato de Mallarmé según George Bataille.

La rebelión de Daumier, como hombre y como artista, fue inevitable; opuso a los sentimientos mezquinos, mediocres, crueles y cobardes, una visión enorme, auténtica, heroica, libre de las cosas. La pintura moderna debe a Daumier el paso más difícil y decisivo en la conquista de la libertad pictórica.

Uno de los principales impresionistas franceses, con los que compartía una temática y un estilo pretendidamente modernos, mostró siempre un enfoque único y personal. Nunca le gustó seguir normas ni teorias; de hecho, se resistia a cumplirlas de un modo bastante activo. Monet tenia una gran necesidad de pintar. A pesar de su fama, nunca se sintio satisfecho y continuo pintando hasta pasados los ochenta años, haciendo que su arte revolucionara hacia territorios nuevos y sorprendentes. Quisiera pintar del mismo modo que canta el pajaro. asi es... Esta coleccion presenta la historia del arte de forma visual y atractiva. Cada volumen contiene, ademas de textos muy amenos escritos por expertos en historia del arte, ilustraciones hechas expresamente para esta coleccion por algunos de los mejores ilustradores del mundo. Historicamente precisos y fruto de una investigacion meticulosa, las ilustraciones dan vida a la historia de cada artista y explican el contexto de su obra y sus influencias. Los amantes del arte encontraran en esta coleccion una introduccion vivida y accesible a la vida y la obra de los artistas.

Edward Hopper (1882-1967) representa una historia de triunfo típicamente americana, si bien el éxito podría haberle sonreído antes. A los 40 años de edad, era un artista fracasado que no había conseguido vender ni un solo cuadro, hasta que, a punto de cumplir los 80, la revista Time lo saco en portada. En la actualidad, transcurrido medio siglo desde su muerte, Hopper se considera un gigante de la expresion moderna, con un talento asombroso, inolvidable y absolutamente personal para captar ambientes y lugares. Gran parte de la obra de Hopper indaga en la experiencia de la ciudad moderna. Lienzo tras lienzo, retrata restaurantes, cafeterias, escaparates, farolas, gasolineras, estaciones de tren y habitaciones de hotel. Sus escenas se caracterizan por yuxtaposiciones de colores vivos y por una iluminacion cruda y teatral; asi como por figuras contorneadas con aspereza, que parecen integrarse en el entorno y, al mismo tiempo, ser ajenas a este. La ambientacion en todo su repertorio urbano transmite desasosiego, alienacion, soledad y tension psicologica, mientras que sus escenas del entorno rural y litoral ofrecen un contrapunto de tranquilidad y optimismo. Este libro recoge las obras clave de Hopper con el fin de presentar a un artista clave no solo en la historia del arte estadounidense, sino en la psique de todo un pais.

This stunning exhibition catalogue celebrates in-depth for the first time Richard Diebenkorns seminal Ocean Park works, serving as a major reference and a source of new scholarship on the series.As he traversed the worlds of abstract expressionism and figurative painting, Diebenkorn became one of America''s most beloved post-war artists. The Ocean Park series, begun in 1967 and comprising works in a variety of media, is arguably the most celebrated of his illustrious career. This book features beautifully reproduced works that radiate with colour, allowing readers to appreciate the artist''s evolving palette as well as his brilliant geometric explorations.The paintings, prints, drawings and collages that make up the series are examined from diverse perspectives in essays that bring to light new influences and conceptual frameworks that reposition the Ocean Park series, as well as the artist''s role in the history of post-war art. The result is a timely re-examination of a major body of work that will excite the numerous fans of this quintessential California artist.

Per quale motivo vi sono tanti artisti sordi nella storia dell''arte? Quanto influisce sulla creazione artistica la particolare, piu acuta sensibilita nel percepire la realta di chi nasce sordo o perde l''udito? La minuziosa ricerca che Anna Folchi e Roberto Rossetti hanno condotto per questo libro contribuisce a rispondere a queste domande e colma una lacuna importante nella letteratura sulla "cultura sorda". Per la prima volta, infatti, e raccolta in un libro la documentazione biografica e iconografica relativa agli artisti sordi italiani e stranieri, dalla quale emerge che la modalita visiva dei sordi rappresenta uno strumento privilegiato di espressione e comunicazione con esiti talvolta altissimi e sorprendenti. È ben noto che Goya divento sordo all''eta di quarantasei anni in seguito a una malattia, un''esperienza che influi profondamente sul suo carattere e sulla sua pittura, in cui appariranno sempre piu frequentemente accenti drammatici, materializzazioni di incubi e tensioni. Ma pochi sanno che furono afflitti da questo dramma personale anche Pinturicchio, o il raffinato ritrattista del manierismo inglese Joshua Reynolds. Vero pregio della ricerca condotta dagli autori, pero, non e solo di avere riunito le opere di artisti sordi, talvolta del tutto inedite, ma anche di raccontare storie umane spesso contrassegnate dalla solitudine e l''emarginazione.

Desde 1985 el fotógrafo Jean Marie del Moral ha vivido en primera línea la carrera de uno de los artistas más geniales de nuestro tiempo. En París, en Barcelona, en Mallorca, en Mali, en Lanzarote, en Italia...su camara ha registrado como crea, de que se nutre, con que se inspira Miquel Barcelo.

Ed. Luis Puelles Romero. Los escritos que Émile Zola dedica a la defensa pública del pintor Manet se extienden desde 1866 hasta 1884, constituyéndose en una atalaya privilegiada para apreciar en todos sus matices como el pintor va introduciendose en #el mundo del arte# y como este va transformandose a lo largo del XIX.

Pierre Boulez descubrio a Paul Klee en 1947, durante el primer Festival de Avinon, y el posterior contacto con su obra y sus escritos no hizo sino reforzar su fascinacion por el artista, cuyo metodo y reflexiones parecian reflejar sus propias inquietudes. Este libro es el testimonio de esta profunda y persistente admiracion: dejando a un lado los lugares comunes sobre la influencia de la musica en la obra de Klee, Boulez ofrece al lector un enriquecedor analisis de los diferentes enfoques teoricos que acompanan el proceso creativo en diversas artes y que pueden resultar provechosos a otros artistas. Una inestimable leccion magistral que trasciende epocas y disciplinas, ilustrada con mas de sesenta ejemplos de la fascinante obra del pintor.

De la vida mía es un recorrido por la vida y la obra de Miquel Barceló, el prolífico pintor mallorquín de fama internacional. Podría ser el título de uno de sus cuadros. Por primera vez, cuenta su propia historia y construye su autorretrato a traves de sus cuadernos, sus cuadros, sus dibujos y sus diversos estudios: en Paris, en Mallorca y durante mucho tiempo en Mali, en el pais Dogon. Hay colores y tierra, rostros, peces, frutas, arena, animales, cuevas, libros, objetos y un rinoceronte. Y tambien el Mediterraneo, un cuerpo y su memoria, un niño y su barca, un pintor que se interroga sobre sus gestos y su arte. Miquel Barcelo nos invita a adentrarnos en los entresijos de su obra: Mallorca es mi isla natal, naci en ella. Todo lo aprendi en mi infancia. El mar es mi respiracion. Mi cuerpo es parte de la naturaleza.