Libros de Artistas contemporáneos, página 2 de 377

Catálogo de la gran exposición sobre Matisse y su legado en CaixaForum, con obrasmaestras del Centre Pompidou.Chez Matisse propone un recorrido sensorial e intelectualpor la obra de uno de los mayores coloristas del siglo XX, a traves de un centenar de piezas suyas y de otros artistas cercanos en estilo, como Picasso, Le Corbusier oLipchitz, en un fructifero dialogo que revela las relaciones e influencias mutuas. Una mirada renovada a su legado en la historia del arte moderno y contemporaneo.

Esta inspiradora colección cubre el trabajo, las vidas y el impacto duradero de cinco impresionistas clave en un volumen que es una introducción y una celebración del género artístico probablemente mas popular de todos los tiempos. Cada uno de estos artistas rompio barreras de diferentes maneras y asombro a la sociedad de finales del siglo XIX con la audacia de su planteamiento y de su tecnica.Edgar Degas exploro el movimiento y la forma humanos con un estilo magistral y composiciones innovadoras, entre las que destacan sus pinturas de bailarinas, caballos de carreras y paisajes urbanos concurridos. Claude Monet fue un maestro de la luz y la atmosfera que capto la fugacidad del momento con sus iconicos nenufares y series de pinturas. Pierre-Auguste Renoir celebro la belleza y la sensualidad, y aporto vitalidad a escenas cotidianas con pinceladas exuberantes y una paleta luminosa. Paul Gauguin busco inspiracion en lo exotico y utilizo colores atrevidos y simbolismos con un efecto a menudo inquietante. Por ultimo, el uso sumamente emotivo del color y las pinceladas vigorosas de Vincent van Gogh transmitieron su agitacion interna y contribuyeron en gran medida a sentar las bases del expresionismo.Juntos, estos cinco maestros redefinieron lo que el arte se atrevia a lograr al hacer hincapie en la expresion personal y en la exploracion de la luz, el color y la perspectiva. Su trabajo marco un cambio fundamental en las libertades y expectativas artisticas modernas. Esta coleccion va mas alla de sus pinturas mas famosas e incluye un extenso texto sobre cada artista, junto con una biografia detallada y mas de 400 ilustraciones en color de alta calidad.

Pablo Gargallo (1881-1934) cobra capital relevancia en la incorporación de la plástica a la modernidad. Situado en la encrucijada del fértil periodo de entreguerras, la dualidad de su producción escultorica, entre la tradicion y la vanguardia, hacen de el un artista excepcional e inclasificable, pionero tanto en la sustitucion del macizo por el hueco como por la utilizacion del hierro. Esta monografia indaga acerca de la vida y la obra del creador, a la par que propone un ameno viaje conducente a buscar sentidos y significados. El contexto y la comparacion sirven a los efectos de precisar los terminos de la particular radicalidad gargalliana que se celebra fundamentalmente en el museo zaragozano que lleva su nombre.

La obra de Henri Matisse (1869-1954) refleja una confianza incesante en la fuerza de los colores radiantes y las formas simples. Pese a que alcanzó la fama sobre todo por sus pinturas, Matisse también trabajo el dibujo, la escultura, la litografia, los vitrales y el collage. Y cuando su avanzada edad le impidio permanecer de pie para pintar, desarrollo la tecnica de los cut-outs, un nuevo lenguaje visual a base de recortes de papel pintado. La tematica de sus cuadros era a menudo convencional: desnudos, retratos y figuras en paisajes, escenas orientales y otras de interior. Pero su manejo audaz de los colores y su fluidez en el trazo del dibujo le aseguraron un lugar entre los maestros del siglo XX. En especial fue la paleta de Matisse la que alimento la imaginacion moderna. Con su vivido azul, su purpura amatista y su amarillo yema de huevo, ademas de muchos otros colores, libero a su obra del corse de una representacion meticulosa de la realidad y, en su lugar, busco una armonia vital. A menudo tomaba la musica como inspiracion o analogia de sus obras. Desde grandes lienzos estampados hasta sencillos y delicados retratos, este libro presenta todo el abanico creativo de Matisse, abarcando desde sus primeras incursiones en el fauvismo hasta sus proyectos postreros, como Jazz y la capilla del Rosario en Vence (al sur de Francia).

Joaquín Turina y Areal (Sevilla, 1847-1903) fue un pintor activo en el último tercio del siglo XIX. Formado en la Escuela de Bellas Artes con Antonio Cabral Bejarano, amplió su aprendizaje con Ussel de Guimbarda, quien trajo a la pintura hispalense novedades como el casaconismo y un tratamiento pictorico preciosista. Junto a otros compañeros que inspirados por el modelo estetico de Mariano Fortuny, quisieron superar las formas tradicionales de la Real Academia de Bellas Artes, Turina fundo una institucion que pretendia ser vanguardia artistica y su alternativa oficiosa: la Academia Libre de Bellas Artes de Sevilla. Desempeño el cargo de presidente de esta entidad y abrio taller en la Casa de los Artistas de la calle Feria, pero tras una quincena de años en los que participo en distintas exposiciones y certamenes oficiales, encontro acomodo en el Centro de Bellas Artes del recien constituido Ateneo de Sevilla, corporacion que le proveyo del incentivo necesario con que desarrollar la mayor parte de su catalogo pictorico. Aunque no pudo disfrutar de una vida muy larga, practico con solvencia y personalidad propias generos como el orientalismo, el paisajismo, el costumbrismo, el casaconismo o la pintura de Historia. Padre del famoso compositor Joaquin Turina Perez, fue "de profesion propietario" y muy aficionado al arte en una ciudad en la que, con demasiada frecuencia, primaba la estetica por encima de muchas otras consideraciones. Esta supone la primera monografia dedicada al pintor y se propone en ella un riguroso estudio estilistico asi como el primer catalogo de obras de un artista injustamente olvidado.

Desde 1985 el fotógrafo Jean Marie del Moral ha vivido en primera línea la carrera de uno de los artistas más geniales de nuestro tiempo. En París, en Barcelona, en Mallorca, en Mali, en Lanzarote, en Italia...su camara ha registrado como crea, de que se nutre, con que se inspira Miquel Barcelo.

Per quale motivo vi sono tanti artisti sordi nella storia dell''arte? Quanto influisce sulla creazione artistica la particolare, piu acuta sensibilita nel percepire la realta di chi nasce sordo o perde l''udito? La minuziosa ricerca che Anna Folchi e Roberto Rossetti hanno condotto per questo libro contribuisce a rispondere a queste domande e colma una lacuna importante nella letteratura sulla "cultura sorda". Per la prima volta, infatti, e raccolta in un libro la documentazione biografica e iconografica relativa agli artisti sordi italiani e stranieri, dalla quale emerge che la modalita visiva dei sordi rappresenta uno strumento privilegiato di espressione e comunicazione con esiti talvolta altissimi e sorprendenti. È ben noto che Goya divento sordo all''eta di quarantasei anni in seguito a una malattia, un''esperienza che influi profondamente sul suo carattere e sulla sua pittura, in cui appariranno sempre piu frequentemente accenti drammatici, materializzazioni di incubi e tensioni. Ma pochi sanno che furono afflitti da questo dramma personale anche Pinturicchio, o il raffinato ritrattista del manierismo inglese Joshua Reynolds. Vero pregio della ricerca condotta dagli autori, pero, non e solo di avere riunito le opere di artisti sordi, talvolta del tutto inedite, ma anche di raccontare storie umane spesso contrassegnate dalla solitudine e l''emarginazione.

CADERNO COMPRENSIÓN LECTORA 5º PRIMARIA

¿Es Picasso un genio o un mito? Adéntrate en este libro para desentrañar el legado de su arte revolucionario. ¿Es Picasso realmente el genio que todos dicen? ¿Qué secretos esconde su obra que aún no hemos descubierto? ¿Como es posible que esos cuadros tan "raros" se convirtiesen en la piedra angular de la historia del arte moderno? La obra de Picasso es una paradoja fascinante: todos los expertos lo veneran como el indiscutible dios del arte del siglo XX y uno de los grandes artistas de la historia, pero cuando te enfrentas a sus cuadros, algo no encaja. Muchas de sus piezas parecen extrañas, incluso feas; algunas, casi infantiles. Y cuando intentas entenderlas escuchando a los especialistas, terminas perdido en un laberinto de palabras rebuscadas, conceptos confusos y terminos tan tecnicos que, en lugar de aclararte, te desconciertan aun mas. ¿Que esta pasando aqui? Jose S. Mateos (@GodPikasso) ha creado un metodo innovador y muy didactico para entender el legado del artista malagueño: una experiencia divertida, clara y ludica que transforma su obra en un videojuego multiaventura. Solo necesitas un buen tutorial para empezar a jugar y lo tienes en tus manos. Imagina un juego con reglas propias, personajes inolvidables y escenarios llenos de misterio, donde descubriras como Picasso creo sus obras mas sorprendentes, sus experimentos mas audaces y sus trucos de magia visual. Este libro contiene la llave maestra para entrar en el universo del artista mas revolucionario, atrevido y apasionado que ha dado la historia del arte. Olvida el mito del genio y sumergete en la esencia del autentico creador. "No se me ocurre a un acompañante mejor que Jose Mateos para visitar el mundo de Picasso con un disfrute especial con cada guiño, cada broma y cada puzle que el pintor ha dejado en su obra. Picasso necesitaba un libro como el que tienes ahora mismo en las manos". Miguel Angel Cajigal Vera (@elbarroquista)

* Una recopilación de las ideas del legendario artista británico David Hockney sobre el arte, la vida, la naturaleza, la creatividad y mucho más. * Una visión encantadora y envolvente del espíritu, l

Una de las grandes pintoras gallegas que pasó una parte importante de sus vida en la Argentina, con casi treinta años en America (tambien para ella Buenos Aires fue una segunda patria), es una obra plural de pintura, artes plasticas y ceramica aun no completamente conocida. En este libro se propone un recorrido por series y obras procedentes de su etapa americana, obras que amplian el conocimiento de su trabajo artistico, matizan no pocas valoraciones criticas e incorporan nuevas tematicas no tenidas en cuenta hasta el momento.

Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado en la ciudad de Nueva York, Rothko rechazaba las etiquetas e insistia en la creacion de una experiencia plena entre el cuadro y el espectador. Tras una etapa figurativa, Rothko desarrollo sus emblematicos lienzos de bloques de vivos colores en rojo, amarillo, ocre, marron, negro o verde. Subrayo que no habia eliminado la figura humana con esos brillantes y vividos espacios de color, sino que la habia sustituido por simbolos o formas que contenian toda la tragedia de la condicion humana. Al mismo tiempo atribuia explicitamente al espectador el poder de interpretar su obra. Segun decia: Un cuadro vive en compañia, expandiendose y cobrando vida ante los ojos del espectador sensible. Desde sus tempranos inicios hasta sus campos de color mas famosos, este libro descubre la inteligencia e influencia de la obra dramatica, intima y revolucionaria de Rothko.

Koyama es un pintor global que, entre muchas otras cosas, ha sabido captar la belleza y la esencia de uno de los paisajes más icónicos y representados del mundo: Cadaques y Cap de Creus. Su emblemática obra cautivo a otros grandes artistas, como Dali y Richard Hamilton, y conjuga de forma magistral la influencia de Oriente y Occidente. La vida de Shigeyoshi Koyama es una historia de superacion personal, pintada a base de pinceladas de esfuerzo, de pasion y de discreto dolor. Una trayectoria existencial definida por la lucha constante para conseguir el equilibrio y la paz entre dos mundos, entre dos universos pictoricos y entre dos familias. Este libro repasa por primera vez la vida del hombre que hay detras del artista y ofrece, al mismo tiempo, una muestra generosa de su obra pictorica.

Jan Fabre (Amberes, 1958) es un artistapolifacético cuyas instalaciones, dibujos, esculturas, películas y performances han viajado por todo el mundo. Jan Fabre es un símbolo: es el artista que convierte en una visión global todo aquello que ve, piensa y oye. El hombre que mide las nubes. El hombre que transforma sangre en teatro. Desde los comienzos de su actividad artística se ha visto impulsado por el afán de conocimiento, de creación, de experimentación. En Diario nocturno, Jan Fabre describe ese afán con su propia idiosincrasia: cruda, intrépida y proféticamente. Diario nocturno es un auténtico diario de artista que ofrece una visión única de la manera en que Fabre se ha encontrado a sí mismo.

Jan Fabre (Amberes, 1958) es conocido por su obra plástica, sus performances yobra teatral revolucionaria. Las anotaciones en esta segunda parte de su Diario nocturno son las de un espíritu en extremo alerta con una especial vitalidadartística. Atrapa la noche en toda su intensidad electrizante. Jan Fabre nos atrae a su universo con la escritura. Allí libra una lucha sin concesionesen pro de la belleza definitiva y el arte se corresponde conlapauta final. Esta segunda parte de Diario nocturno ofrece una visión sin adornos de una actividad artística desenfrenada.

Tomando como referencia la serie Illustration Now! de TASCHEN, este catálogo de referencia reúne a los 100 ilustradores más relevantes y exitosos del planeta. Con nombres como Istvan Banyai, Gary Baseman, Seymour Chwast, Paul Davis, Brad Holland, Mirko Ili, Anita Kunz y Christoph Niemann, esta panoramica internacional ofrece un retrato estimulante del dinamismo y la diversidad del sector de la ilustracion. Cada artista se presenta con un autorretrato, algunas de sus obras y una breve descripcion realizada por Steven Heller. Tambien referencias de algunas de sus publicaciones y exposiciones. En la introduccion, Steven Heller describe con detalle el dinamismo que caracteriza al mundo de la ilustracion contemporanea, cuya competitividad y metamorfosis convierten el proceso de seleccion en un autentico reto.

Artista extraordinariamente prolífico, Norman Rockwell (1894-1978) pintó en torno a 4.000 cuadros a lo largo de su vida, sin contar una extensa lista de encargos editoriales, comerciales y publicitarios. Su muerte en 1978 se considero como la perdida de un icono nacional, la desaparicion de un artista que celebro, como ningun otro, el sueño americano. Rockwell, quien rehuyo la experimentacion y las tecnicas vanguardistas y aposto por una composicion efectiva y por tematicas con las que el publico pudiera identificarse, creo pinturas de espiritu hogareño repletas de valores morales que mezclaban lo cotidiano y accesible con el deseo y las aspiraciones. Pulcros, pintorescos y normalmente joviales, entre los temas que pinto figuran aulas escolares, escenas de bailes de graduacion y festejos del Dia de Accion de Gracias. Asiduamente ilustro los calendarios y las portadas de la revista The Saturday Evening Post, ademas de las primeras paginas de la publicacion Boys Life editada por los Boy Scouts of America, una de las mayores organizaciones de jovenes exploradores del pais. Rebosante de optimismo y patriotismo, su obra pone en primer plano profesiones clasicas como la de medico o maestro, asi como los valores conservadores del ejercito, la familia y la religion. Elogiadas por el expresidente de los Estados Unidos Gerald Ford como una parte muy querida de la tradicion estadounidense, las obras de Rockwell reflejan tanto su talento artistico como la historia de los Estados Unidos del siglo XX. Este nuevo libro de TASCHEN reune pinturas e ilustraciones clave de su alegre y evocadora obra junto a otras menos conocidas que abordan una realidad mas sombria y que, en su conjunto, permiten entender a un artista puramente norteamericano, asi como los valores y los ideales que propiciaron su exito.

Figura insólita en el panorama artístico de su época (1593-1653) y una de las pocas mujeres que alcanzó la fama en el ámbito de la pintura. Sus cuadros se encuentran hoy en las principales pinacoteca

El artista suizo H. R. Giger (1940-2014) es conocido principalmente por su creación del monstruo espacial de la película de terror futurista Alien, de 1979, con la que ganó un Óscar. En retrospectiva, no fue mas que una de las expresiones mas celebres del arsenal biomecanico de criaturas de Giger, que fusionaba hibridos de humano y maquina, en poderosas y evocadoras imagenes llenas de oscura psicodelia. Sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado, que se remontan a sus miedos de infancia, al tiempo que evocaban mitologias para el futuro. Estas imagenes plasmaron las fantasias y los miedos colectivos de su epoca: el temor a la bomba nuclear, a la contaminacion y el despilfarro de recursos, y a un futuro en el que la supervivencia de nuestros cuerpos este supeditada a las maquinas. De oniricos paisajes surrealistas creados con una pistola pulverizadora y plantillas a caratulas de discos; de esculturas con forma de guillotina a una cafeteria que el mismo diseño, Giger nos guia personalmente por su polifacetica carrera en esta introduccion imprescindible sobre este maestro del horror. Reproducciones y diseños detallados y un prologo de Timothy Leary complementan los intimos textos autobiograficos de Giger.