Libros de Teatro, página 10 de 388

Alfonso Paso es uno de los autores teatrales de mayor éxito comercial en España y el primer autor español vivo en estrenar en Broadway. El conjunto de su obra supera las ciento treinta comedias y ha sido traducido a más de veinticinco idiomas. Habitual en los escenarios, pero olvidado en librerías, reaparece al fin con esta edición, a cargo de Ana Puchau de Lecea, donde se recogen dos de sus principales comedias. En VAMOS A CONTAR MENTIRAS, el autor nos traslada a una Nochebuena en un chalet madrileño. La afición de Julia a contar mentiras continuamente crea situaciones equívocas que desesperan a su marido y a todo aquel que se ve envuelto en ellas. Inesperadamente, esa noche la protagonista se convierte en cómplice y testigo de los crímenes que se van a cometer en su propia casa, y, ahora, ¿quién va a creerla? La misma trama de enredo tiene ENSEÑAR A UN SINVERGÜENZA, obra que nos introduce en la monótona vida de Rosana, joven profesora de 30 años, hija tirana y solterona represiva. Pero todas sus manías y costumbres empezarán a cambiar el día que llega a su casa Lorenzo, su nuevo alumno.

Una divertido alegato contra el convencionalismo social, elogiado por Ionesco.Escrita a comienzos de los años treinta, la comedia TRES SOMBREROS DE COPA, germen de toda la producción teatral de Miguel Mihura, tardo veinte años en ser estrenada y produjo, en el momento de su estreno, escandalo y asombro. Mientras muchos espectadores la calificaban de inmoral, la critica veia en ella una ruptura con el teatro comico anterior, un comienzo absoluto que presagiaba el teatro del absurdo. La fuerza dramatica de la obra radica en la oposicion de dos mundos irreconciliables: el de la burguesia provinciana esclavizada por mil convenciones, y el de un grupo de automarginados de esa sociedad que buscan la libertad y rechazan la moral hipocrita. No hay aqui lucha de clases ni se propugna una alternativa social. Las grandes tensiones se redimen por medio de un humor que rezuma escepticismo. Antonio Tordera, de la Universidad de Valencia, es autor de importantes trabajos sobre semiologia teatral. En esta edicion ofrece una lectura que situa a Miguel Mihura y a TRES SOMBREROS DE COPA en la perspectiva de una justa valoracion de su revolucionaria calidad artistica.

Esta función se estrenó en el Teatro Romano de Mérida el 13 de agosto de 2025, interpretada por Isabel Ordaz (HÉCUBA), Mina el Hammani (HELENA), Cristóbal Suárez (TALTIBIO), María Vázquez (CASANDRA), Esther Ortega (ANDROMACA), Abel de la Fuente (ASTIANACTE), Selam Ortega (BAILARINA) y Carlos Beluga (MENELAO). Direccion: Carlota Ferrer.

Fausto-pop es una original adaptación del mito de Fausto a nuestro tiempo, sobre el que este libro reflexiona a fondo. Escrita en distintos registros, la obra pretende constituirse en un referente cultural de nuestro tiempo. En este libro no se eluden la extravagancia y el humor, que salpimientan sus paginas, como cuando se relatan las peripecias del diablo y Pfeffer-King, su protagonista, asociados para emprender proyectos inmobiliarios en la costa levantina, proyectos que tropiezan una y otra vez con la Administracion, a la que Santiago Gonzalez-Varas dedica una punzante satira. Pero tampoco se evita la profundidad intelectual, ejemplificada en sesudos dialogos con literatos y pensadores alemanes, o en la propuesta de un nuevo modelo social, de bases esteticas, con el que Pfeffer-King se propone salvar el mundo. Y tampoco se renuncia al estilo, pues el autor entremezcla diversos tonos literarios, desde el lenguaje poetico hasta un uso renovado del expresionismo mas crudo y cruel. La obra abunda en las paradojas: el diablo se convierte en un autentico vividor. El protagonista, Pfeffer-King, escritor idealista, acaba invadido por la negra y profunda melancolia.

La dama del alba es un poema legendario enmarcado en un mundo de fábula entroncado en la tradición romántica. La imaginería legendaria no es más que el envoltorio de una obra que por dentro refleja una realidad: los estigmas que la tradicion propinaba a la mujer por su condicion social en la España de la epoca.Las apariencias mandan. La honra, como fue durante siglos, esta en juego; la mentira sirve de alivio a todos. En la apoteosis final la mitificacion por la muerte borra el pecado de adulterio y convierte al personaje en figura magica que cuadra con el fondo de neblina fabulosa de las tierras asturianas del autor.¿Comprendes ahora lo amargo de mi destino? Presenciar todos los dolores sin poder llorar... Tener todos los sentimientos de una mujer sin poder usar ninguno... ¡Y estar condenada a matar siempre, siempre, sin poder nunca morir!.

¿Qué relación guarda Lope de Vega con la inteligencia artificial? ¿O el sobrepeso con la obra más emblemática de Velázquez? ¿Y qué papel juega el perro como animal de compañía en los tiempos que corren? Sergio Adillo ha sabido articular tres historias recurriendo a la entelequia ironica propia de las situaciones hilarantes. Inteligencia artificial para hacer comedias en este tiempo es una critica a los generadores informaticos de contenido y su uso en la industria cultural, con las consecuencias que todos imaginamos, pero tambien una fotografia de los enfermos de alzheimer, sin recurrir al dramatismo que entraña la enfermedad, pero si al drama propio de la representacion escenica. Menina y gorda es una obra compleja con una unica lectura. Sergio Adillo plantea, en la piel de una niña, la necesidad de que la sociedad vea mas alla de los cuerpos normativos y acepte la pluralidad de fisicos como modo de superar el acoso delirante que sufren aquellos que no tienen un cuerpo que sigue los estandares de la moda. Por ultimo, Un tiempo de perros es un texto que recurre a la figura del perro como sujeto activo para presentar la evolucion de las relaciones interpersonales y de nosotros con los animales

Caryl Churchill ha reinventat la forma dramàtica amb una mirada extremament lúcida sobre les ansietats i les contradiccions dels nostres temps. Coneguda per les seves posicions feministes i de denúnc

Once nuevas piezas dramáticas de Morales Lomas.

Escrita en 1605, "El rey Lear" es una de las obras pertenecientes a la etapa de plenitud creadora de William Shakespeare (1574-1616). Ambientada en la Inglaterra pagana anterior al cristianismo, esta historia de las desgracias desencadenadas cuando Lear, por vengar su vanidad herida, arroja de su lado a la menor de sus hijas, corre paralela a otros temas que enriquecen el catalogo de los grandes retratos shakespearianos. La presente edicion, a cargo de M. A. Conejero, ha sido realizada por el equipo del Instituto Shakespeare de la Universidad de Valencia.Escrita en 1605, "El rey Lear" es una de las obras pertenecientes a la etapa de plenitud creadora de William Shakespeare (1574-1616). Ambientada en la Inglaterra pagana anterior al cristianismo, esta historia de las desgracias desencadenadas cuando Lear, por vengar su vanidad herida, arroja de su lado a la menor de sus hijas, corre paralela a otros temas que enriquecen el catalogo de los grandes retratos shakespearianos. La presente edicion, a cargo de M. A. Conejero, ha sido realizada por el equipo del Instituto Shakespeare de la Universidad de Valencia.

Una obra de gran comicidad, que trata temas universales que resultan tan vigentes hoy como lo fueron entonces. Una lectura imprescindible para cualquier buen lector. Alceste, el protagonista de esta obra, ocupa todo el escenario: odia su tiempo, odia los versos de Oronte, tiene un pleito por unos rumores que hacen correr sobre el. Y como enamorado, paradojicamente, no cesa de reprochar los defectos a su amada (de lo cual ella hace broma) ni soporta a los demas pretendientes que la asedian; sus celos montan guardia permanente y sufre la presencia de cualquier galante hasta el extremo de olvidarse de su misantropia cuando el amor se apodera de su corazon.Partiendo de un mito antiguo, Moliere logra componer esta ambiciosa obra de gran comicidad, que trata temas universales que resultan tan vigentes hoy como lo fueron entonces, y que sigue siendo lectura imprescindible para cualquier buen lector.

"Peribáñez y el Comendador de Ocaña" es una de las más famosas comedias de Lope de Vega perteneciente a un género que podría denominarse de "comendadores". En ella el honor, ideal crucial del drama barroco, encuentra una plasmacion artistica notable y casi paradigmatica y se refleja su codigo estricto y la organizacion social que lo sustenta. Una vez reparado el conflicto, provocado por la pasion y llevado a cabo mediante un abuso de poder, aparece el orden rigido de la España del XVII que tiene en la Monarquia la cuspide politica y, en cierto sentido, religiosa.

¿Era Pessoa -ese portugués universal- un escritor de teatro? Desde hace años, muchos grupos de vanguardia han respondido afirmativamente a esta pregunta. En este volumen se recogen sus mejores escritos para el escenario, entre ellos esa obrita maestra del teatro simbolista que es "El marinero", comparable a los mejores de Maurice Maeterlinck, cuya atmosfera sombria y misteriosa recuerda. Pessoa hablaba de un "teatro estatico". En realidad se trata de dramas de accion... interior, en los que se revela el mundo de las almas por medio de momentos de profunda extrañeza existencial. "¿Todos?" -dice un personaje, el Principe, en el trance de su muerte. Todos no somos sino uno. (...) No, en toda la gente hay una persona, que ni siquiera existe". Entre la realidad y el sueño, estos textos florecen sin cesar en reflexiones y terrores que los situan, efectivamente, en el corazon del teatro.

La quiebra bancaria en Islandia llevará a un adolescente a emprender un viaje iniciático a Nueva York en busca de su madre. Durante este viaje al corazón de las tinieblas de un sistema que se desmorona, el joven conocera a traves de diversos personajes, la profunda depresion que esta conduciendo al mundo occidental a su ruina.

BAJARSE AL MORO

Sólo 5 años tras su debut como autor dramático, Pablo Remón ha pasado de ser "el nuevo chico prodigio de la escena off" a "una de las estrellas del teatro en castellano".Por primera vez se reúnen en un volumen las cinco obras que Pablo Remon ha escrito hasta la fecha para la compañia La_Abduccion. En apenas cinco años, a partir de su debut en 2013, la trayectoria de Pablo Remon le ha llevado a ocupar un lugar destacado como autor dentro del panorama teatral en castellano.Cinco obras que pueden leerse casi como novelas que combinan lo cotidiano con lo extraordinario, el humor con la gravedad dramatica, la Historia con las historias minusculas. Asi, un joven de provincias esta convencido de que los extraterrestres han abducido a su padre; un guionista vende su alma a una productora de cine para cumplir su sueño; un politico condenado por la Justicia regresa a su tierra para sacar en procesion al santo del pueblo; la intrahistoria de la familia de un general franquista sirve de pretexto para desmitificar la transicion española. Y casi siempre, de fondo, la meseta como espacio y motivo narrativo, paisaje y estado de animo cada vez mas vacios, simbolo de un exodo hoy casi olvidado.Obras, en definitiva, construidas sobre el deseo y la pulsion de continuar narrando para sacar a la luz lo que somos y lo que podriamos ser. Como dice el autor: La mejor manera de contarnos, de explicarnos donde estamos, como individuos y como sociedad, sigue siendo contar una (o mil) historias.[El teatro que hace] Pablo Remon pertenece a esa raza poderosa y liberrima donde cinco o seis actores se transforman en una veintena de personajes, y los rios de muchas aguas, calmas y tumultuosas, aguas del pasado y del futuro, fluyen y se entremezclan con maravillosa naturalidad. Marcos Ordoñez, El Pais

El salón de una casa de pueblo atrapada en el tiempo. Se oyen moscas. Un tractor. El Tour de Francia. Persianas cerrándose para que no entre la luz, y con la luz el fuego del verano. Estamos a cuarenta grados. La mesa esta cubierta por un mantel que una vez fue rojo y hoy se ve desteñido, agujereado por colillas. Huele a eso, a tabaco y a polvo. A pis. A alcohol de alta graduacion. Todo forma parte de la misma casa y el mismo estilo de vida. El de un hombre viudo. Se llama Elias y es guarda forestal. Aqui vive con su hijo, que se llama como el y lleva meses en paro, y su nuera, Rebeca, que trabaja de cajera en el supermercado del pueblo. A la familia se suma Ismael, el hermano menor, que esta de visita. El es el unico que ha logrado estudiar y escapar. Su padre, contra todo pronostico, tambien ha escapado. Lo ha hecho de pronto y sin motivo. Nadie da con el guarda forestal. Sus hijos y su nuera le buscan sin buscarle. Sin fe. Y mientras, el bosque se quema.

El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradición literaria del Siglo de Oro español, se convirtió durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. Estrenado en 1844, el drama de Jose Zorrilla (1817-1893) incorporo definitivamente la figura de "Don Juan Tenorio" al acervo de la cultura popular. Si "El burlador de Sevilla" de Tirso de Molina expresaba el pensamiento barroco y el espiritu de la Contrarreforma, el "Don Juan" de Zorrilla auna el mito del libertino redimido por el amor con motivos de la literatura fantastica y del folclore europeo de gran efecto escenico. El atractivo del argumento y la habil dosificacion de diversos elementos, unidos a una versificacion facil y sonora, contribuyeron al rotundo exito del drama, representado tradicionalmente desde 1850 en los teatros españoles a comienzos de noviembre, en coincidencia con el dia de las Animas.El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradición literaria del Siglo de Oro español, se convirtió durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. Estrenado en 1844, el drama de Jose Zorrilla (1817-1893) incorporo definitivamente la figura de "Don Juan Tenorio" al acervo de la cultura popular. Si "El burlador de Sevilla" de Tirso de Molina expresaba el pensamiento barroco y el espiritu de la Contrarreforma, el "Don Juan" de Zorrilla auna el mito del libertino redimido por el amor con motivos de la literatura fantastica y del folclore europeo de gran efecto escenico. El atractivo del argumento y la habil dosificacion de diversos elementos, unidos a una versificacion facil y sonora, contribuyeron al rotundo exito del drama, representado tradicionalmente desde 1850 en los teatros españoles a comienzos de noviembre, en coincidencia con el dia de las Animas.