Libros de Teoría y crítica de arte, página 10 de 164

El esfuerzo secular en la disolución de las fronteras entre culturas ha generado condiciones nuevas para el arte que afectan a la propia definición de su naturaleza y de sus funciones sociales. En la actualidad, instancias como el mestizaje y la globalizacion determinan de forma masiva la comunicacion visual.Un efecto sintomatico de esa nueva realidad cultural, marcada por una activa substraccion de las diferencias, es el desarraigo. Por otro lado, territorios de los cinco continentes que antes eran considerados marginales para la produccion artistica moderna han entrado en sintonia en los ultimos tiempos con los centros dominantes, donde son valorados como lugares culturalmente emergentes. La modernidad globalizada ha generado un nuevo mapa en el que la identidad es una nocion a redefinir y se aboga por un arte que no hunde ya sus raices en un territorio concreto.El arte en su destierro global. Cultura contemporanea y desarraigo, que recoge ensayos de reconocidos artistas, comisarios y criticos de arte contemporaneos, se ocupa de diversos aspectos caracteristicos de este nuevo episodio de la realidad artistica y de algunos de los terminos que frecuenta el lenguaje de la creacion visual en ese territorio globalizado.Incluye ensayos de Javier Arnaldo, Eva Fernandez del Campo, Uwe Fleckner, Ticio Escobar, Joan Fontcuberta, Jean-Hubert Martin, Partha Mitter, Mireia Sentis y Sami Nair.Javier Arnaldo es titular de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Fue Conservador del Museo Thyssen-Bornemisza entre 2001 y 2011. Entre sus publicaciones estan los libros Estilo y naturaleza (1990), Las vanguardias historicas (1993), Yves Klein (2000), Analogias musicales (2003) y ¡1914! La vanguardia y la Gran Guerra (2008), estos ultimos textos del mismo titulo de dos de las exposiciones que ha comisariado.

La fuerte personalidad del arte español llegó a materializarse durante el siglo XVII, aunque, por diversas circunstancias, nadie se percató, fuera de España, de este fenómeno hasta el siglo XIX. En realidad, hasta el viaje de Manet a Madrid en 1865 no se produjo el arco critico definitivo que señalaba como los tres puntos culminantes del arte español a El Greco, Velazquez y Goya .A partir de entonces, no hubo un solo movimiento de vanguardia que no estuviera influido por la Escuela Española, por lo menos, hasta fines de esta centuria. Asi ocurrio con el romanticismo, el realismo, el naturalismo, y, aunque parcialmente, tambien con el impresionismo y el simbolismo. El redescubrimiento tardio de El Greco dejo una impronta en la genesis del expresionismo y el cubismo de la primera decada del XX. Fueron dos españoles, Picasso y Gris, quienes dieron un impulso mas relevante para el cubismo, lo mismo que los expresionistas alemanes o centroeuropeos tuvieron en cuenta la influencia de Zuloaga o Anglada Camarasa, muy estimados, en general, por toda Europa hacia 1900. Tampoco deja de ser sintomatico que fueran artistas españoles, como Miro, Dali, Buñuel u Oscar Dominguez, figuras capitales del surrealismo. De tal manera que, a la fascinacion internacional por el arte tradicional español durante el siglo XIX, le siguio otra, en este caso basada en la destacada actividad de los artistas españoles de vanguardia, por lo menos, durante el primer tercio del s. XX.

En 2002 salió a la luz Expolio y fraude en el arte, una publicación destinada principalmente a especialistas y digna de figurar tanto en las bibliotecas de los organismos públicos con competencias en el control, proteccion o conservacion de bienes artisticos, como en las de las entidades privadas que albergan colecciones de bienes culturales. Transcurridos once años desde aquella primera publicacion, y agotada esta, su autor nos sorprende gratamente con esta segunda edicion actualizada, y que ofrece a instituciones y particulares la oportunidad de disponer de una obra que aporta informacion amena sobre diferentes materias tanto legislativas como puramente tecnicas, estas ultimas avaladas por la experiencia profesional del autor, quien defiende la necesidad de aplicar metodos cientificos y las nuevas tecnologias en el laborioso trabajo que desarrolla el experto o perito en la elaboracion de la data o autoria de una obra de arte.

Fernando Castro Flórez ofrece en Una “verdad” pública análisis y reflexiones críticas sobre el arte contemporáneo de una rica variedad. Cuatro ensayos articulan la obra. En el primero, “Todo lo contr

Misticismo bíblico, nostalgia de una infancia rural, conservadurismo pastoral, expiación burguesa, agrarismo revolucionario... ¿cómo entender esa majestuosa presencia del campesino y de las labores y horas del campo en la obra de Jean-François Millet (1814-1875)?

No puede entenderse ninguna crítica artística de la escultura sin tener en cuenta a Herder y a Winckelmann. Con ellos se inaugura, prácticamente, la disciplina. Fiel heredero de esta inauguración, Walter Pater, profesor en Oxford, alumno de Ruskin y maestro de Wilde, escribio ensayo y novela (Estudios en la historia del Renacimiento y Mario el epicureo, son ejemplos de uno y otra) y representa una luz para la estetica de su epoca, la victoriana, que desarrollo una sensibilidad exquisita con respecto a todo lo griego. Es muy probable que Pater se asumiera como un vinculo entre el oscuro arte helenico de la etapa heroica, la primera escuela de escultores de 576 a.C, y su periodo victoriano, un periodo que comienza a profundizar en la apreciacion de este arte, una de las piedras fundacionales de Occidente. Una y otra vez Pater contextualiza las obras que ocupan su interes y traza similitudes con fenomenos similares de la historia universal del arte. Enriquece su trabajo con el añadido del elemento legendario tan intimamente vinculado a la genesis de las obras temprana que, incluso hoy, es dificil lograr una separacion entre verdad y mito.

En La idea de arte se muestran en extensión los diferentes tipos de documentos que componen los fondos del Archivo Lafuente ordenados en torno a veintiocho temas desde los que se pretende abarcar la complejidad del siglo XX. Uno de esos temas, Libro, ha sido desarrollado en profundidad a traves del acervo de publicaciones generado por las vanguardias.

Las fotografías realizadas por civiles, soldados y mercenarios en la prisión de Abu Ghraib horrorizaron a gran parte del mundo cuando fueron difundidas y publicadas por vez primera en la primavera de 2004. Yo tambien me senti consternado pero, como historiador del arte, mi indignacion vino acompañada de un shock producido por cierto reconocimiento: a pesar de que estas brutales imagenes de una prision en el Irak ocupado no son obras de arte (de hecho, estaban destinadas a ser vistas solamente por un puñado de personas), sin embargo, evocaban de forma insistente valiosas esculturas y pinturas de un pasado lejano. Los prisioneros en Abu Ghraib estaban expuestos en la misma postura subordinada con la que se represento a los guerreros derrotados en las esculturas griegas helenisticas; los desnudos presos de la guerra global contra el terror estaban posicionados (como en un tableau vivant) del mismo modo que los esclavos amarrados de Miguel Angel; los cuerpos angustiados evocaban a los santos martirizados de las iglesias barrocas. En resumen, los musulmanes de nuestra epoca parecian haber sido transportados encapuchados y encadenados al marmoreo altar de Pergamo en Berlin, a las colecciones del Louvre en Paris o al crucero de la Basilica de San Pedro en Roma. La semejanza era involuntaria o ¿podria existir un vinculo entre estas formas tan distantes temporal y culturalmente? ¿Existia quizas un imaginario visual comun subyacente a estos diversos objetos e imagenes?

"Un abrazo (he procurado animar la carta con dibujos)" De esta forma, terminaba Federico García Lorca una misiva con ilustraciones dirigida a Jorge Guillén en enero de 1927. La advertencia del poeta

Los nueve trabajos que reúne este volumen, coordinado por Javier Panera, Margarita Ruiz y Antonio Casaseca, exploran de una manera crítica las diferentes vías por las que el poder política y religioso, por una parte, y la industria del ocio y del consumo, por otra, han instrumentalizado las imagenes artisticas para conseguir sus objetivos.El libro analiza a traves de diferentes contribuciones de relevantes expertos como Juan Francisco Esteban Lorente, Francisco Galante y Jorge Luis Marzo, entre otros, la capacidad de la imagen parar informar y proporcionar placer estetico pero tambien para transformar la conducta de las personas, de convencer y de manipular la realidad. Una capacidad a la que el arte de todas las epocas no ha sido ajeno.

Este libro, Entre el suelo y el cielo, trata de mostrar lo que han significado a lo largo de mi vida el descubrimiento, cultivo y disfrute de mis aficiones más queridas: la artística y la literaria. Mas bien dos pasiones que me han acompañado siempre, proporcionandome momentos estimulantes y placenteros que me han ayudado a superar otros mas dificiles, baches que inexorablemente aparecen a lo largo del camino, y ha supuesto un acicate, por la ilusion y el entusiasmo que me ha generado tener entre manos proyectos creativos en que ocupar mi tiempo. A la vez que relato experiencias pasadas e indago sobre los antecedentes de estas inclinaciones innatas, ilustro toda la trayectoria con fotografias de mis creaciones antiguas y recientes: dibujos, poesias, relatos asi como una amplia coleccion de piezas de arte textil (patchwork). Quiero mostrar lo facil que resulta seguir estos sentimientos cuando son tan fuertes, y como, aunque sea de forma elemental y autodidacta, se puede llevar a cabo lo que la imaginacion sugiere y dar unos frutos beneficiosos para toda tu persona, tanto fisica como mentalmente. Quisiera que mi experiencia y mis logros, aunque discretos, pudieran servir al lector para sugerirle un habito tan saludable y constructivo para ocupar su tiempo libre: solo tiene que escuchar la voz interior, dejarse arrastrar por esa necesidad espiritual, dejar que fluya la sensibilidad y echar mano de la voluntad, poniendose manos a la obra.

Georges Braque publicó en diciembre de 1917 unas notas sobre su pintura en la revista de vanguardia “Nord-Sud”, propiciada por el poeta Pierre Reverdy. En ellas pretendía mostrar «la orientación de u

Diez artistas de diversas disciplinas (arquitectura, escultura, pintura, etc.), nos ofrecen diez miradas en forma de cartas, que son, a su vez, diez aproximaciones asus trayectorias como creadores. Un abanico de testimonios en lenguajes distintos (palabra, imagen,dibujo), dirigidos a jovenes artistas, que, desde un tono informal y en primera persona, quieren servir de estimulo para futuras generaciones.

¿Por qué nos atrae el arte y la belleza? ¿Qué sentimos realmente ante una obra de arte?

A lo largo de las siete últimas décadas, la crítica de arte se ha visto expuesta a una serie de complejas y decisivas transformaciones. Ante los cambios producidos en la estructura institucional del arte y la teoria cultural, tanto los criticos como la critica (en tanto que disciplina) han visto alteradas sus disposiciones, su espacio y sus formas de aproximacion al hecho artistico. No se puede hablar nunca de una critica de arte, sino de formas de analisis heterogeneas, algo que resulta evidente cuando se revisan diferentes contextos y periodos. Este libro propone una reflexion sobre las practicas de la critica de arte y sus comportamientos frente a las multiples manifestaciones de una modernidad ampliada y cosmopolita, recorriendo sus desarrollos desde 1945 hasta la emergencia de la posmodernidad en el mundo globalizado. Organizado a partir de estudios de destacados autores en la historia del arte internacional, Critica(s) de arte plantea una vision comparada y policentrica de las escenas de la modernidad, la posmodernidad y la globalizacion, analizando tanto los agentes y el sistema del arte como las redes de produccion y de difusion de las perspectivas criticas a ambos lados del Atlantico.

Hablar de José Andrés Santiago Iglesias es hablar de Japón, es hablar del Zen contemporáneo a modo de haikú, es reflexionar sobre lo obvio y lo obtuso; en definitiva es hablar de una singular actualizacion de imagenes que acarician la idea de un sistema simbolico inaudito. Un singular sistema de relaciones que enriquece las series perfeccionando las partes del todo. Su obra habla de esas riquezas del lenguaje articulado, con los que constituye de forma vertical las preguntas; es ese orden falso el que permite su evolucion.

En 1989 Rémy Zaugg, artista y promotor cultural suizo, entrevista al prestigioso director del Museum für Moderne Kunst de Fráncfort Jean-Christophe Ammann. Este libro es el fruto de una clarividente

La decadència de la mentida (1898) no és només un dels diàlegs de més abast teòric d’Oscar Wilde, sinó que representa el seu manifest antinaturalista i una contribució tan notable com polèmica, fins

El llibre ens aproxima al conjunt de lextensa trajectòria artística de Tomás Olivar, pintor nascut a Madrid i resident des de la infantesa a Tarragona.La ciutat de Tarragona, el port, els barris i el