Libros de Pintores y escultores, página 5 de 525

La aventura de la creación recoge una selección de escritos personales de José Caballero en la que se trasluce el recorrido no sólo artístico del pintor, sino también su inquietud intelectual y su sentir etico. El lector de estos textos conocera las intimas reflexiones del creador y su proceso: El camino mas dificil es el que va de la nada a la concepcion de una obra. Es un camino entre el sueño y el desvelo. El lienzo es un silencio blanco con el que hay que dialogar. Tendra la oportunidad, ademas, de adentrarse en el conocimiento de una generacion excepcional, la de la vanguardia abstracta de la segunda mitad del siglo XX, que abrio nuevos caminos de expresion en momentos dificiles.

Junto con J.M.W. Turner, ningún artista se esforzó más que Claude Monet (1840-1926) en capturar la luzen el lienzo. De todos los impresionistas, fue el hombre del que Cézanne decía "solo un ojo, pero ¡Dios mio, que ojo!", el hombre que se mantuvo completamente leal al principio de la fidelidad absoluta a la sensacion visual, pintando directamente a partir del objeto. Se podria decir que Monet reinvento las posibilidades del color y que, ya fuera por su temprano interes en los grabados japoneses, su periodo como recluta bajo la resplandeciente luz de Argelia o su relacion personal con los pintores mas importantes de fines del siglo XIX, lo que creo Monet durante su larga vida cambio para siempre el modo en que percibimos tanto el mundo como sus fenomenos asociados. El punto culminante de sus exploraciones fue la serie tardia de nenufares pintada en su propio jardin de Giverny, la cual, en su giro hacia la ausencia casi total de forma, es el verdadero origen del arte abstracto. Esta biografia hace del todo justicia a este artista tan excepcional y profundamente influyente, y ofrece numerosas reproducciones y fotos de archivo junto con comentarios detallados y precisos.

TERCERA EDICIÓN. En 1986, la Sección de Bellas Artes de la Biblioteca Nacional adquirió dos portafolios con un total de 89 acuarelas de temática satírico-política firmadas por SEM y, en ocasiones, por V. Sem, Semen o V. Semen que incluian un elevado numero de imagenes claramente pornograficas, en particular las referidas a la reina Isabel II durante el periodo 1868-1869. Ademas de añadir cuatro nuevas acuarelas de la misma serie, la presente edicion analiza el significado de la obra como material excepcional y, a la vez, representativo de las abundantes publicaciones denigratorias y obscenas generadas en relacion con la familia real durante el reinado de Isabel II con la finalidad de deslegitimar la monarquia isabelina, privarle del respeto de amplios sectores de la poblacion y, en ultima instancia, crear el ambiente propicio y la justificacion moral de la revolucion que destrono a la soberana en 1868.

Pintó en todo momento y circunstancia y, sin embargo, dudaba de su vocación, dudaba de su capacidad.

En 1966 Pierre Cabanne asiste al taller de Marcel Duchamp en Neuilly, es la primera vez que el artista más fascinante del arte contemporáneo acepta hablar de sí mismo y explicar sus hechos, sus obras y sus reacciones tan a fondo y con tanta amplitud. «Así que me considero muy afortunado. Nunca me han sucedido desgracias de consideración, ni he pasado ni por penas ni por neurastenias. Tampoco he sabido lo que era el esfuerzo de producir, porque la pintura nunca fue para mí un escape, ni una necesidad imperiosa de expresarme. Nunca he sentido esa clase de necesidad de dibujar a todas horas, continuamente, ni de hacer esbozos, etc.». El libro contiene además un apéndice con los tres prólogos que escribió Cabanne para las ediciones en francés, así como los textos de Robert Motherwell y Salvador Dalí publicados en la edición norteamericana.

El retrat humà d?un home brillant, complex i contradictoriLa vida del jove estudiant Michael Damiano va canviar quan va coneixer en Miquel Barceló i aquest el va convidar a passar una temporada a Par

En 2014 se conmemora en España el IV Centenario del fallecimiento del Greco (7 de abril de 1614, en Toledo), una efeméride que ha sido considerada oficialmente como un acontecimiento de especial interes cultural. Aunque la obra de Domenikos Theotokopoulos El Greco (1541-1614) ha sido estudiada de forma regular como una de las figuras capitales de la Edad de Oro de la pintura española, no se habia abordado la totalidad de su figura y su obra con criterios historiograficos actualizados hasta la publicacion de la primera edicion de este libro en 1997, y que ahora se ofrece en una version completamente actualizada por su autor. Fernando Marias realiza una minuciosa reconstruccion de la vida del candiota a partir de la documentacion conservada, asi como de las hipotesis mas probables que pueden formularse desde el conocimiento de su contexto historico, artistico y cultural

Ya sea por sus retratos como pintor de cámara de la familia real española o por sus terribles escenas de conflicto y sufrimiento, Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828) ha hecho historia como uno de los artistas mas reverenciados y controvertidos de España. Maestro de la luz y de la forma, su influencia reverbera a lo largo de los siglos inspirando y fascinando a todo tipo de artistas, del romantico Eugene Delacroix a los enfants terribles del arte britanico, los hermanos Chapman. Nacido en Fuendetodos (España) en 1746, Goya inicia su carrera en la corte española en 1774, realizando aguafuertes y pintando cartones para tapices destinados a decorar los grandes palacios y residencias reales del pais. Tambien tuvo clientes entre la aristocracia, pintando retratos por encargo de los ricos y poderosos con un estilo cada vez mas fluido y expresivo. Mas tarde, tras superar una grave enfermedad, empezo a hacer grabados y dibujos mas oscuros, con los que representaba un mundo de pesadilla poblado por brujas, fantasmas y criaturas fantasticas. Fue, sin embargo, con sus terribles representaciones de conflictos con las que Goya logro un impacto imperecedero. Los desastres de la guerra, realizados entre 1810 y 1820, se inspiraron en las atrocidades cometidas durante la guerra de la Independencia que libraron los españoles contra los franceses. En ellos se introduce hasta el corazon mismo de la crueldad humana y del sadismo. Los tonos sombrios, las pinceladas rapidas y el uso agresivo del claroscuro al estilo del barroco traen a la memoria la obra de Velazquez y Rembrandt, pero los asuntos que Goya aborda no tenian precedentes en su brutalidad y honestidad. En este libro introductorio de TASCHEN Basic Art 2.0 recorremos el arco completo de la extraordinaria carrera de Goya, desde sus dias como elegante pintor de la Corte hasta su transformacion en espectador atormentado del sufrimiento y lo grotesco. En el camino, encontramos retratos tan famosos como el de Manuel Osorio Manrique de Zuñiga, la deslumbrante Maja desnuda y El 3 de mayo en Madrid, una de las imagenes de la guerra mas sobrecogedoras que existen en la historia del arte.

Este libro recoge una serie de apasionantes y esclarecedores escritos de Ignacio Gómez de Liaño sobre Salvador Dalí, sin duda una de las figuras capitales del arte del siglo XX, a cuya obra y personalidad Liaño ha dedicado varios libros, como El camino de Dali (Diario personal, 1978-1989) y el titulado sencillamente Dali, ademas de incontables articulos.Dali funde y amalgama arte y vida en un continuo inseparable, cumpliendo ejemplarmente una de las aspiraciones de las vanguardias: su propia vida se convierte en creacion deliberada y, sin ella, su multiforme obra (pintura, dibujo, poesia, prosa...) no puede ser cabalmente entendida en toda su riqueza y complejidad. El Surrealismo, lo comestible, el oro, Gala, el metodo paranoico-critico son algunas de las multiples y acaso contradictorias variables que hacen que Dali siga planteando, como todo gran artista, una ecuacion cuya incognita permanece irresuelta. Gomez de Liaño se acerca a Dali desde el analisis de su pintura y el interes comun en la persistencia de la memoria y tambien desde la palabra del pintor. Cimentadas sobre la amistad e incontables conversaciones con el artista, a quien visitaba a menudo en Portlligat o en el Teatro-Museo de Figueras, acompañandole incluso mientras pintaba, estas paginas despliegan una suerte de personal desciframiento del enigma daliniano.

Prácticamente desconocida por el gran público hasta la gran retrospectiva celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982, cuando la artista contaba 71 años, la escultura de Louise Bourgeois (París, 1911), de marcado carácter autobiográfico y personal, no es fácilmente catalogable en ningún movimiento ni tendencia establecidos. Según sostiene la propia escultora, toda su producción gira en torno a una suerte de mito fundador: el adulterio de su padre, que introdujo a su amante, una joven institutriz inglesa llamada Sadie, en la casa familiar. De hecho, desde sus primeros dibujos y pinturas de "Femmes-maison" (Mujeres-casa), realizados en los años cuarenta, hasta sus "Cells", instalaciones a modo de celdas o pequeñas habitaciones, de los años noventa, pasando por sus esculturas de yeso y látex de los sesenta o imágenes del cuerpo desmembrado de la década de los ochenta, toda su producción se halla marcada, de una forma u otra, por ese recuerdo de la "traición" paterna. Ello no implica, sin embargo, que la escultura de Bourgeois tenga un significado exclusivamente íntimo o biográfico. Su obra nos desvela las relaciones de poder, la situación de opresión sexual y la experiencia de dolor que anidan en el interior de la familia patriarcal, demostrando en último término que, como subraya el célebre eslogan feminista, "lo personal es político".

Desde la legendaria serie de cómic Tank Girl (La chica del tanque) hasta las animaciones de la banda musical virtual Gorillaz, pasando por incursiones en la ópera contemporánea china y una exposición en la Saatchi Gallery de Londres, el artista, compositor y diseñador Jamie Hewlett es una de las figuras mas prolificas y eruditas de la cultura pop contemporanea. Con influencias tan diversas como el hip hop y las peliculas de zombis, Hewlett se dio a conocer a mediados de la decada de 1990 como cocreador de Tank Girl, una serie de comic que destilo el espiritu de una epoca. Con su compañero de piso Damon Albarn creo el revolucionario grupo musical Gorillaz. La exitosa banda de pop virtual formada por personajes de dibujos animados es un fenomeno global. Gorillaz han encabezado listas de exitos, girado y recorrido todo el mundo, de San Diego a Siria, y cosechado cifras millonarias de escucha en streaming y ventas de discos a lo largo del camino. Desde entonces, Hewlett ha seguido colaborando con Albarn en proyectos como la exquisita y elaborada puesta en escena de la novela china Monkey: Journey to the West de Wu Chengen, donde no faltan acrobatas de circo, monjes shaolin y cantantes chinos. En 2006, el Museo de Diseño de Londres lo eligio mejor diseñador del año, y en 2009, el y Albarn recibieron el premio BAFTA por la secuencia animada Monkey para los Juegos Olimpicos de Pekin. En 2015, en una muestra titulada The Suggestionists, ha expuesto su obra grafica en la Saatchi Gallery de Londres, donde ha quedado patente la nueva direccion que ha tomado la apasionante carrera de Hewlett. Para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN, esta edicion especial actualiza la primera gran monografia de Hewlett con cerca de 30 obras nuevas. Este volumen ilustra su fascinante viaje creativo a traves de mas de 400 obras desde la epoca de Tank Girl hasta Gorillaz y los trabajos actuales. A traves de las tramas, los personajes, las tiras comicas y los bocetos, este libro recorre la inventiva excepcional de Hewlett y rinde homenaje a un artista polimata que no se resigna a dormirse en los laureles ni a quedar encasillado en una faceta artistica concreta.

Esta correspondencia constituye el testimonio de un encuentro singularísimo entre un joven poeta y un escultor consagrado de sesenta y un años; refleja la relación de dos figuras máximas de la poesía y del arte a finales del siglo XIX y principios del XX, Rainer Maria Rilke y Rodin.

El Museo Reina Sofía organiza del 25 de junio al 2 de mayo de 2022 en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro una exposición con una selección de lienzos de la autora argentina Vivian Suter sobre el color y el entorno natural.Esta muestra atesora alrededor de 500 pinturas, entre ellas la serie Nisyros, presentada en la documenta 14 de Atenas de 2017, que supone un simbolismo de la atmosfera y las fuerzas naturales de la pequeña isla griega.Nacida en Buenos Aires (Argentina) en 1949, Vivian Suter es una pintora de origen suizo cuyas obras y bosquejos son representaciones, comentarios e interpretaciones de sus alrededores, tanto externos como internos. Mantuvo una estrecha relacion con la escena artistica de Basilea (Suiza), al vivir en dicha ciudad entre 1962 y 1982.Ademas de Basilea tambien ha pintado otros lugares como Viena, Berna, Roma o Africa. En 1982 decidio realizar un viaje por Centroamerica y llego a Panajachel, un pueblo a orillas del lago Atitlan en Guatemala. Alli, en una antigua plantacion de cafe ubico su nuevo hogar y desde entonces la mayoria de su trabajo artistico ha sido creado desde este municipio.Su labor se ha visto afectada e influenciada por las tormentas que golpean Guatemala frecuentemente, como las llamadas Stan en 2005 y Agatha en 2010, la cual causo enormes daños en Panajachel. Muchos de sus cuadros quedaron anegados en el fango y con ellos genero colecciones pictoricas terminadas por el caracter azaroso de la naturaleza. A esto se unen las plantas o las hojas arrastradas por el viento que terminan pegadas en sus creaciones.Vivian ha exhibido sus piezas en instituciones tan prestigiosas como el Kunstmuseum de Olten (2004), el Kunsthalle de Basilea (2014), la Bienal de So Paulo (2014), la Bienal de Taipei (2018), el ICA de Boston (2019) o el Camden Art Centre de Londres (2020).

Famous First Edition: First printing of 6,000 numbered copiesMount Fuji has long been a centerpiece of Japanese cultural imagination, and nothing captures this with more virtuosity than the landmark woodblock print series Thirty-six Views of Mount Fuji by Katsushika Hokusai (17601849). The renowned printmaker documents 19th-century Japan with exceptional artistry and adoration, celebrating its countryside, cities, people, and serene natural beauty. Produced at the peak of Hokusais artistic ambition, the series is a quintessential work of ukiyo-e that earned the artist world-wide recognition as a leading master of his craft.The prints illustrate Hokusais own obsession with Mount Fuji as well as the flourishing domestic tourism of the late Edo period. Just as the mountain was a cherished view for travelers heading to the capital Edo (now Tokyo) along the Tokaido road, Mount Fuji is the infallible backdrop to each of the series unique scenes. Hokusai captures the distinctive landscape and provincial charm of each setting with a vivid palette and exquisite detail. Including the iconic Under the Great Wave off Kanagawa (also The Great Wave), this widely celebrated series is a treasure of international art history.Among only a few complete reprints of the series, this XXL edition pays homage to Hokusais striking colors and compositions with unprecedented care and magnitude. Bound in the Japanese tradition with uncut paper, Thirty-six Views of Mount Fuji presents the original 36 plates plus the additional 10 later added by the artist. The perfect companion piece to TASCHENs One Hundred Views of Edo and The Sixty-Nine Stations along the Kisokaido, this publication paints an enchanting picture of pre-industrial Japan and is itself a stunning monument to the art of woodblock printing.

Un auténtico héroe popular en América Latina y el artista más importante de México, junto a su esposa, la pintora Frida Kahlo, Diego Rivera (1886-1957) tuvo una vida apasionada dedicada al arte y el comunismo. Tras pasar unos años (en la decada de 1910) en Europa, donde se rodeo de otros creadores y abrazo el movimiento Cubista, regreso a Mexico y comenzo a pintar los murales a gran escala que le hicieron famoso. En ellos abordo temas sociales y politicos relacionados con la clase trabajadora, ganandose un estatus profetico entre los campesinos de su pais. Fue invitado a crear piezas en el extranjero, especialmente en Estados Unidos, donde provoco controversia al retratar a Lenin en un mural para el Rockefeller Center de Nueva York (que fue destruido antes de que se terminara). La obra mas notable de Rivera es su Detroit Industry (Industria de Detroit) de 1932, un grupo de 27 frescos en el Detroit Institute of Art en Michigan. Este volumen presenta numerosos detalles a gran escala de los murales, permitiendo que sus diversos componentes y sutilezas sean examinados de cerca. Ademas de los estos, se incluye una gran seleccion de pinturas, fotografias de epoca, documentos y dibujos de colecciones publicas y privadas de todo el mundo, muchos de los cuales eran hasta ahora desconocidos para los estudiosos y cuya inclusion ha sido posible gracias a la mas intensa investigacion realizada sobre el trabajo de Rivera desde su muerte. Los textos incluyen una biografia ilustrada y ensayos de destacados historiadores del arte que ofrecen interpretaciones de cada mural. No se puede pedir un estudio mas completo de la obra de Rivera. Finalmente su trabajo tiene la retrospectiva que merece.

El artista suizo H. R. Giger (1940-2014) es conocido principalmente por su creación del monstruo espacial de la película de terror futurista Alien, de 1979, con la que ganó un Óscar. En retrospectiva, no fue mas que una de las expresiones mas celebres del arsenal biomecanico de criaturas de Giger, que fusionaba hibridos de humano y maquina, en imagenes de poder evocador y oscura psicodelia. Sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado al tiempo que evocaban mitologias para el futuro. Estas imagenes plasmaron las fantasias y los miedos colectivos de su epoca: el temor a la bomba nuclear, a la contaminacion y el despilfarro de recursos, y a un futuro en el que la supervivencia de nuestros cuerpos este supeditada a las maquinas. A traves de una mirada futurista, sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado, a un tiempo que evocaban mitologias para el futuro. Esta edicion esta basada en la monografia tamaño SUMO, comenzada poco antes de la muerte inesperada del artista, y rinde homenaje a la vision unica de Giger y muestra la historia completa de su vida y su arte, sus esculturas, su trabajo cinematografico y sus inconfundibles caratulas de discos, asi como el legado que nos ha dejado en su propio museo y cafeteria de los Alpes suizos. A traves de un estudio en profundidad, Andreas J. Hirsch, un experto en la obra de Giger, ahonda en las tematicas centrales del artista y su mundo. El libro incluye una extensa biografia que parte de citas contemporaneas y de los escritos del propio artista.

Mientras Goya pintaba su presente, tambien retrataba el nuestro. Por ello es considerado el padre de la modernidad. Precursor y visionario, el pintor aragones escaló hasta la más alta cima del arte para reflejar lo mas grandioso y lo mas abyecto de su tiempo, capitulos que hoy regresan como las rimas de la historia: el deterioro de la monarquia, el sueño fallido de la razon, las desigualdades y la miseria, la violencia y el horror de la guerra, pero tambien nuestra manera de entender la belleza, la fiesta y la alegria de vivir, el trabajo y el espiritu de lucha del pueblo llano... Si hoy volviera a nacer, Goya nos reconoceria de inmediato. Porque su obra es el espejo de nuestra idiosincrasia. De nuestra capacidad de crear, pero tambien de destruir.Desde este siglo XXI ya avanzado, Berna Gonzalez Harbour emprende un viaje personal a la vida de Goya, pisa sus territorios y analiza muchos de los misterios, cotilleos y fake news que han rodeado su figura. Un viaje biografico original y fascinante por los episodios intimos y familiares del pintor poco o nada conocidos. Con un estilo casi policiaco y su capacidad de generar intriga, la autora se sumerge en ellos en busca de respuestas y de una nueva luz.Goya en el pais de los garrotazos es una combinacion magistral de his

El trabajo de Jean Julien se reconoce al instante y amplio en su alcance. Conocido sobre todo por sus astutamente observadas y graciosas representaciones de la vida cotidiana, sus ilustraciones dan caracter y funcionan como comentarios sobre la vida. Organizado en tres secciones Personal, Colaboraciones y Publico- este completo libro explora el acercamiento de Jean Julien al arte y cubre toda su carrera, desde sus primeras asociaciones creativas hasta su evolucion a la pintura, mostrandonos por primera vez una vision de su proceso a traves de bosquejos y dibujos ineditos. Es su habilidad de mirar a las cosas desde un angulo diferente cosas que le disturban y reinterpretarlas a traves de su sentido del humor unico lo que le convierten en uno de los artistas con mas exito de su generacion Time Out NY