Libros de Historia del arte, página 9 de 1202

Un fascinante recorrido a través de la nueva ciencia de la neuroestética, que demuestra cómo el contacto con el arte transforma nuestro cerebro, mejora nuestra salud mental y física y nos permite construir comunidades mas fuertes y unidas.Hay una extendida creencia de que las artes son solo entretenimiento, un lujo. En Tu cerebro quiere arte, las autoras Susan Magsamen e Ivy Ross muestran como actividades que van desde la pintura y el baile hasta la escritura expresiva o la arquitectura son esenciales para nuestras vidas.Estamos en el linde de un cambio cultural en el que las artes pueden ofrecernos soluciones contrastadas, potentes y accesibles que nos beneficien todos. Magsamen y Ross nos presentan las investigaciones que demuestran como, sin importar tu nivel de habilidad, dedicando solo cuarenta y cinco minutos a un proyecto artistico podemos reducir el cortisol, la hormona del estres, y que una experiencia artistica al mes puede extender tu vida diez años. Hay medicos que incluso prescriben visitas a museos para abordar la soledad, la demencia y muchos otros problemas de salud fisica y mental.Aprenderemos asimismo que tocar un instrumento desarrolla habilidades cognitivas y mejora el aprendizaje; las vibraciones de un diapason crean ondas sonoras que contrarrestan el estres; la realidad virtual puede proporcionar beneficios terapeuticos de vanguardia; y las exhibiciones interactivas disuelven los limites entre el arte y los espectadores al involucrar todos nuestros sentidos y fortalecen nuestra memoria.Tu cerebro quiere arte es una guia sobre neuroestetica que, a traves de conversaciones con artistas como David Byrne, Renee Fleming y el biologo evolutivo E. O. Wilson, nos descubre un rico tapiz de investigaciones pioneras y casos concretos de personas de todo el mundo que utilizan las artes para mejorar sus vidas. Gracias a esta obra, abriremos un portal hacia una nueva comprension de como las artes y la estetica pueden ayudarnos a transformar la medicina tradicional, a construir comunidades mas saludables y a reparar un planeta en crisis.

Bizancio, el Imperio heredero del romano y defensor tenaz de la religión cristiana, desarrolló una civilización tan espléndida que acabó por ser irresistible para sus contemporáneos. Los trabajos de sus orfebres, las sedas finas, los vasos de piedras duras, manuscritos y marfiles fueron buscados con denuedo. Los mosaístas bizantinos más exquisitos dejaron su impronta en Córdoba, Damasco, Kiev y Palermo. El triunfo de la Ortodoxia permitió desarrollar algunas de sus propuestas más originales. En los tiempos de las dinastías macedónica y comnena, maduraron soluciones arquitectónicas y programas decorativos de tal claridad conceptual y eficacia que perduraron durante centurias. Las imágenes sagradas, dotadas de una dignidad ceremonial insuperable y una calidad artística acorde con la profundidad de los mensajes de las que eran portadoras, ocuparon entonces y para siempre un lugar central en la vida bizantina. Se extendieron por los Balcanes, las tierras del mar Negro y las llanuras rusas y sedujeron a los europeos cultivados de Occidente: como en nuestros días.

Uno de los libros más importantes te Arthur C. Danto, conocido por sus radicales planteamientos sobre la muerte del arte y su análisis del arte contemporáneo.Después del fin del arte recoge las“Mello

Ed. Ronald D. Spencer ; Prol. Eugene Victor Thaw. "Este libro plantea y responde a una serie de preguntas fascinantes relativas a la autenticidad de las obras de arte. Aborda los problemas prácticos y filosóficos que implica el peritaje experto y la autentificación, y los enlaza maravillosamente con los conflictos legales que surgen cuando se pone en entredicho la autenticidad de una obra de arte. El experto frente al objeto reúne ensayos de diversos especialistas de varios campos y es un referente esencial para todo aquel interesado en comprar, coleccionar, estudiar o simplemente contemplar el arte", Jack Flam, distinguido catedrático de Historia del Arte en la city University de Nueva York. "Este excelente libro trata sobre una cuestión muy interesante y desconcertante: ¿cómo podemos determinar quién es el autor de un cuadro, escultura, etc? Cuando se plantea una cuestión así en un tribunal, ¿qué información y criterios utiliza un juez para llegar a un veredicto?, Robert Mnuchin, Presidente de C&M Arts, Nueva York. "Una exposición rigurosa, interesante y muy amena sobre el proceso de autentificación y atribución de obras de arte y los problemas que plantean en diversos aspectos del mundo del arte. Aborda de manera elocuente las complicaciones legales que pueden coartar la expresión de opiniones expertas y ayuda a entender mejor cómo deben considerarse dichas controversias en los tribunales y en nuestras mentes", Richard E. Oldenburg, Presidente de Honor de Sotheby's América del Norte y del Sur; y Director Emérito del Museum of Modern Art de Nueva York. "Lectura obligada para todo aquel que sea propietario o quiera comprar una obra de arte", Joel Wachs, Presidente de la Andy Warhol, Foundation for the Visual Arts.

Con prólogo deJUAN ESLAVA GALÁN"Al final la lectura deviene la música de un río ancho y calmo que nos arrastra junto con los objetos que expresan la cultura del mundo hacia un océano apacible de remansadas sensaciones y conocimientos.Un acierto pleno y una obra que, estoy seguro, va a ocupar un lugar importante en la bibliografia del tema.?Una obra madura y acabada, en dosis sabiamente combinadas del ensayo historico, , de la critica de arte y del informa tecnico, todo ello en un techo de impecable carpinteria expositiva, urdido con la maestria del que sabe y la pedagogia del que sabe explicar?.(Juan Eslava Galan)

El «Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las Bellas Artes en España», publicado por don Juan Agustín Ceán Bermúdez en 1800, constituye el primer intento serio de crear una Historia

Erwin Panofsky se refirió en una ocasión a los criterios, ampliamente modificados a lo largo de la historia, por los que se consideraba "arte" a un cuadro barroco o se tendía a incluir también en el concepto a una blusa rumana del siglo xv. Este libro, en ultimo analisis, podria ser descrito simplemente como una deriva sobre los vinculos entre el "arte" y la "vida". A lo largo de la historia, la evolucion de las relaciones entre ambas ha llevado a veces a colocadas conjuntamente. De otra manera no podemos comprender la asimilacion de cualquier "arte" y cualquier "artesania", tal como la entendia la Edad Media. Tambien los medios de masas modernos situan a la par el arte y la vida, especialmente la television. En otras ocasiones el "arte" se ha segregado netamente de la vida; es notoriamente el caso de la cultura quizas todavia predominante. El proceso empezo socialmente: los pintores, los escultores, los musicos, los autores de teatro, reivindicaron para si mismos un estatuto diferente al de los encaladores, picapedreros, albañiles y carpinteros. "Nosotros somos intelectuales", "la materia que utilizamos es simplemente un vehiculo para expresar nuestras ideas", La pittura e cosa mentale -dijo directamente Leonardo da Vinci-. Finalmente la sociedad reconocio sus aspiraciones, porque antes habia reconocido su arte como cosa excelsa entre las demas cosas.

CONTRA¿Qué es la belleza? ¿Necesita el universo ser bello?En un momento en el que parece haber quedadorelegada al aspecto de las cosas y los seres,François Cheng nos introduce, siguiendo las grandes tradiciones de Oriente y Occidente, a una vision filosofica y etica de la belleza.A lo largo de los dos textos recogidos en este libro, el academico frances reflexiona en torno a la antigua conviccion de que existe un lazo intimo que une belleza y bondad, un viaje que abarca desde la representacion de la santidad, pasando por la singularidad de la creacion artistica y la simbologia de la pintura China, hasta las virtudes humanas que Confucio atribuia a las grandes entidades vivas de la naturaleza.Una invitacion a renovar la mirada, a descubrir el palpito estetico que late en cada accion y la dimension moral que se esconde en toda belleza.Xavier Antich

Este texto ofrece al lector unos conocimientos teóricos amplios del arte español dentro del marco artístico-cultural europeo, además de unas pautas prácticas para transmitir estos datos a los clientes: los turistas. El contenido del libro tiene un enfoque claro y didáctico, e incluye dos apartados que ayudan a la organización de una ruta turística en cada Comunidad Autónoma, centrada en el estudio de los distintos monumentos u obras artísticas que se encuentran en ella.

Un complejo lexico ilustrado de terminos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimologicas, historia, dibujos y ejemplos de los terminos descritos.

Este tratado en seis volúmenes se ha convertido en un clásico, incomparable obra de referencia para quien quiera acercarse al arte occidental y comprender su significado. No es sólo un repertorio ordenado de temas religiosos; es, sobre todo, un instrumento de trabajo imprescindible para cualquier historiador, estudiante o amante de las artes que indague sobre las imágenes del arte en Europa.

Publicado en 1927, este estudio suscita cuestiones sobre perspectiva todavía candentes en la historia del arte. Un clásico de la materia. La perspectiva para Panofsky no es un simple elemento «exte

Cuando apareció publicada por primera vez esta Historia del pensamiento estético árabe. Al-Andalus y la estética árabe clásica (Madrid, Akal, 1997), la Estética venía a reencontrarse con una parte importante de su historia olvidada, al contemplarse en el

En 2013 se cumplieron cincuenta años de la publicación de uno de los clásicos imprescindibles de la enseñanza artística: "Interacción del color", que ofreció las bases para la enseñanza experimental del valor y el sentido de los colores. Defensor del aprendizaje en accion, la revolucionaria y polemica teoria pedagogica de Josef Albers no fue aceptada de manera inmediata por los defensores de la ciencia colorometrica, que propugnaban la separacion a ultranza entre el observador y el fenomeno del color. Albers demuestra, al contrario, que un mismo color es capaz de evocar multiples lecturas y que lo importante es educar la vista con el fin de poder apreciar sus efectos. En poco tiempo, la obra se convirtio en un manual de referencia en los principales departamentos de pedagogia de las artes y del diseño de todo el mundo. Libro practico, "Interaccion del color" esta compuesto por iluminadoras estrategias perceptivas que, ademas de procurar un infinito placer personal al lector, le ayudaran a ampliar la manera de usar y percibir los colores en las artes visuales, la arquitectura, los textiles, el diseño interior y el grafismo...Con nuevas imagenes y otros detalles que refinan su propuesta pedagogica, esta actualizacion de un clasico hace posible que prospere la valiente invitacion de Albers a la experimentacion, a la apertura y a la expansion intelectual y personal.

La catedral de Ávila, considerada como la primera catedral gótica de España, es una de las joyas monumentales de nuestra capital abulense. Su característica casi única, como es la cabecera que sobresale de los muros defensivos de la ciudad, ha hecho que se le denomine tambien catedral-fortaleza.Este libro, parte de la tesis doctoral en Arquitectura, de su autora, implica una ingente obra de estudio sobre esta catedral: el estudio tecnico de su especialidad y el estudio historico acompañado de un amplio corpus documental. Ambos nos ofrecen una vision global y sintetica de esta joya catedralicia engastada en la otra joya de Avila, las murallas.

¿Qué hace un claustro románico, la última joya medieval, junto a una piscina en una finca de lujo de Palamós? ¿De qué monasterio fueron arrancadas sus columnas, arcos y capiteles? ¿Cómo llegaron sus piedras al Madrid de los años treinta desde Salamanca?

Después de ese primer acercamiento multidisciplinar al fenómeno de La Sibila que supuso la edición del libro La Sibila. Sonido. Imagen. Liturgia. Escena, nos encontramos aquí con una nueva aproximacion, en este caso, centrada en el concepto de Juicio Final. En este volumen, Eduardo Carrero vuelve a repasar la topografia de los espacios cultuales, centrandose en este caso en los reservados a los predicadores. La relacion entre la Sibila de Oriente y la reina de Saba aparece en los articulos de Ferran Huerta y Alvaro Torrente, con la edicion por este ultimo de los fragmentos musicales de la comedia que sobre ese tema publico Calderon de la Barca en 1682. Por otra parte, Manuel Castiñeiro muestra en su trabajo la manera en la que triunfo el tema de las Doce Sibilas en los programas figurativos renacentistas. Eva Castro analiza la evolucion de los signa iudicii en las tradiciones apocalipticas judeo-cristianas mientras que Sadurni Marti estudia la vulgarizacion romanica de esos textos. De la puesta en escena del Juicio Final se ocupan los articulos de Stephanie Klauk y Francesc Massip, el primero en el contexto de la España renacentista popular y el segundo en el del teatro tardomedieval de la Corona de Aragon, con la Consueta del Ju como ejemplo. Maricarmen Gomez y Kathleen Nelson nos muestran respectivamente ...

oday's art market is incredibly dynamic. There are so many compelling works, shows, and exhibitions to choose from and new galleries are opening all the time. Because there is so much to discover and see, many people are getting interested in collecting art. But since it's impossible to keep track of all developments, becoming an art collector is not easy. A Poor Collector's Guide to Buying Great Art provides relief and offers sound advice to those who want to buy art but don't know how or where to do it. They might have preferences in terms of styles or techniques, but they're not familiar with how the buying process works. Perhaps they already have specific pieces in mind but don't yet trust the rules of the art market --if such rules actually exist. What does someone actually need to know to prevent their personal tastes from leading them to make the wrong investment decisions? On his way to becoming a passionate art collector himself, Norwegian adventurer Erling Kagge had to learn these ropes and answer this exact question. His years as a mountain climber and visitor to both poles undoubtedly helped him to explore and assess the extremes of the art market. Thankfully for us, his experience also gave him the desire and skills to impart his knowledge to others in A Poor Collector's Guide to Buying Great Art. This book illuminates all aspects of becoming an expert at buying art that one will enjoy for many years, such as how to get started, how to take one's tastes seriously, how to do a targeted search for pieces, how to learn to appraise prices, and how to find trustworthy partners. Kagge's practical yet entertaining step-by-step guidance also includes ways to identify and avoid pitfalls and deceptive temptations. As an extreme athlete, he knows very well how to follow rules yet trust his instinct where it counts. This know-how has benefitted Kagge on the art market and now it will benefit all readers of A Poor Collector's Guide to Buying Great Art, too.

Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor habia asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas esteticas, Kandinsky mostro siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polemicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribucion al analisis de los elementos esenciales del quehacer pictorico, constituye una aportacion basica a la busqueda de un metodo generico para las investigaciones de las ciencias artisticas. El libro, finalmente, tambien revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y mas profundas de esa extraña y singular aventura que es la creacion artistica.

La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sino facultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocacion pedagogica que siempre lo caracterizo, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vez al castellano, algunos de los secretos de estas tres capacidades basicas que hoy englobariamos bajo la palabra creatividad.La fantasia, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invencion y la creatividad nacen, en cambio, de la funcion y la necesidad. Pero a la hora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginacion juegan un papel crucial. ¿Que mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Como podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Como fomentar la elasticidad del pensamiento para que este no se quede estancado en formulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudicion y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.