Libros de Historia del arte, página 19 de 1214

La arquitectura también se construye con palabras, y el amplio campo de la teoría, la crítica y la historia ha producido textos que han influido indeleblemente en la conformación de los edificios. Aqui se agrupan tres docenas de articulos que comentan libros o deploran desapariciones de autores singulares con los que he tenido la fortuna de recorrer parte del camino, desde el Colin Rowe que hubiera sido centenario en 2020 hasta los jovenes nacidos medio siglo despues, y evocados todos con un unico texto excepto en el caso de tres amigos fallecidos prematuramente y estrechamente vinculados con Arquitectura Viva Vicente Verdu, Juan Antonio Ramirez y Richard Ingersoll, que se recuerdan con dos contribuciones. Como los maestros de la arquitectura, tratados en otros volumenes, han sido en ocasiones tambien maestros de escritura, la relacion cronologica se hace preceder de un articulo sobre algunos libros de los mas destacados de ellos, y se cierra con dos despedidas corales que celebran telegraficamente autores no incluidos en la lista.

Desde la explosión de las vanguardias, las prácticas performativas han acompañado el desarrollo del arte como una suerte de «laboratorio experimental para algunas de las más originales y radicales fo

¿Por qué decimos que una obra de arte es buena? ¿Qué es lo que queremos decir? Se ha escrito poco sobre la calidad en el arte, un concepto esquivo que, al perfilarse demasiado desde la subjetividad y los prejuicios, resulta dificil de concretar y definir. Se rebela Alejandro Vergara Sharp contra esta dificultad y, con una prosa cercana y directa, defiende que ?un buen conocimiento de la historia del arte nos proporciona elementos de juicio que hacen que nuestra argumentacion no sea simplemente subjetiva?. Invita entonces al lector a iniciar con el un viaje de investigacion y, a la manera socratica, va desvelando, y desvelandose a si mismo, una a una las cuestiones que pueden ayudar a esclarecer el termino.

Mary Beard y John Hendersonános descubren en este libro elámundo antiguoáde Grecia y Roma como nunca lo habíamos imaginado, con sus esculturasápintadasáde brillantes colores y sus edificios totalmente decorados con frescos y mosaicos.Su analisis, revelador y emocionante, recorre las delicadas pinturas de las villas pompeyanas, aventura como debieron ser las estatuas en todo su esplendor cromatico, revela cual era el sentido de la desnudez femenina en elamundo clasico y nos sorprende con la utilidad que tuvieron los monumentos.aAsi, nos demuestraacomo las innovaciones artisticas de la Antiguedad se han convertido hoy en las convenciones de nuestra cultura.Nuevo prologo a esta edicion de Mary Beard.

Estas prácticas artísticas y pedagógicas proponen una serie de ejercicios teórico prácticos pensados para impulsar la atención plena hacia los procesos sensoriales, particularmente en la educación artistica y en la recepcion estetica. Tambien quieren ser inspiradoras para aquellos docentes de todas las materias y todos los niveles que quieran incorporar el auto conocimiento sensitivo como forma de practica artistica y como valor cognitivo. Acostumbrados, como estamos, a vivir con el piloto automatico, la mayoria del tiempo experimentamos un sentir sin sentir, pues casi toda la informacion sensorial se organiza de manera inconsciente repitiendo patrones aprendidos. La exploracion consciente de las sensaciones, no solo nos permite investigar que mundos subjetivos afloran y como se construyen a traves de la interpretacion que emerge de nuestras percepciones y emociones. Creemos, ademas, que estas practicas nos ayudan a conectarnos con el entorno, haciendonos mas sensibles a su pertenencia. Al sentirlo profundamente corporeizado como parte de nosotros, crece nuestro afecto y asombro hacia la Tierra que habitamos y hacia todos los seres que forman parte de este planeta

La expresión teatral y la contención, el ensimismamiento, son dos actitudes que la pintura francesa de mediados del siglo xviii va a hacer suyas. Las figuras ensimismadas, absortas, de Chardin contrastan con las mucho mas retoricas, teatrales, de Greuze. Ambas responden a problemas que van mas alla de las tradicionales cuestiones de estilo. La pretension de crear una ficcion suprema en palabras de Fried conduce directamente al analisis de la situacion del espectador que toda obra pictorica supone. Ahora bien, solo si este espectador desaparece, solo entonces sera plena la ficcion,

El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbolico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterializacion de la obra de arte. A partir de ese punto aborda la llamada posmodernidad, desde la posmodernidad citacionista y calida derivada del pensamiento debil a la reivindicadora de un yo apolitico y hedonista, hasta la posmodernidad que en su democratizacion pluralizante mantiene un fuerte compromiso con lo etnico, el feminismo, la diversidad sexual y el otro cultural, pasando por la posmodernidad simulacionista, apropiacionista e inexpresionista que, amparada en la muerte metaforica del autor, alienta la critica de la representacion y la vuelta a los sistemas de reproduccion.El resultado de este analisis es una historia del arte ultimo del siglo XX en la que se descubren las conexiones entre el arte y el discurso teorico, se estudia el pensamiento que genera los distintos movimientos, y se analizan los principales artistas y las obras que configuran el perfil creativo de nuestra epoca.

La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la camara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorias literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.

Fundada en la ciudad de Weimar en 1919, la Escuela de la Bauhaus produjo en sus escasos catorce años de existencia un enorme acervo en muy distintos ámbitos, desde la arquitectura al diseño, pasando por la tipografia o la fotografia. Su apuesta por la obra de arte total, superadora de las separaciones entre las artes y las tecnicas, entre la naturaleza y la cultura, entre lo individual y lo colectivo, tuvo quiza su manifestacion mas poderosa en el mundo del teatro.

El detenido estudio de los anillos, de los textos existentes, de los motivos iconográficos, permite afirmar la existencia de relaciones profundas entre la Creta minoica y las culturas del Próximo Oriente. La cultura minoica no es la de un pueblo aislado o

Este libro trata de las relaciones artísticas entre España e Italia durante la Edad Moderna y puede considerarse como una puesta al día de las últimas investigaciones que se están llevando a cabo en materia de coleccionismo y relaciones artisticas entre ambos paises. Se analiza el patrocinio artistico a traves de distintos comitentes: virreyes, embajadores, arzobispos y alta jerarquia administrativa civil y religiosa. En algunos casos se analizan casos concretos de este tipo de patrocinio. Asi lo vemos en los capitulos de Diana Carrio-Invernizzi -dedicado al virrey de Napoles, Antonio Alvarez de Toledo, V duque de Alba-, el de Escardiel Gonzalez Estevez - aplicado al virrey de Sicilia, Nicolo Pignatelli-, el de David Garcia Cueto -centrado en la experiencia romana de los virreyes napolitanos en tiempo de Felipe IV-, el de Francisco Javier Herrera Garcia -que estudia el patrocinio artistico de los prelados españoles en la Sicilia del siglo XVII- o el de Juan Luis Rave -que analiza el cambio del gusto producido en personajes que han ocupado cargos en Italia tras su vuelta a España-. Otros capitulos se han centrado en una vision mas amplia del coleccionismo, resaltando el papel que jugaron en las cortes italianas determinados personajes de la vida politica española. Tal es el caso de las contribuciones de Fatima Ha...

El Pórtico de la Gloria es un inmenso libro de piedra que describe los misterios cristianos desde los orígenes del hombre hasta su destino final en el Reino de Cristo: la creación, el pecado original, la alianza de dios con el pueblo elegido, hasta la situacion despues de la muerte (el limbo y el purgatorio). El peregrino medieval podia entenderlo; sin embargo, ahora necesitamos una explicacion. Veamos que nos dice, ya que el metodo de Dios es el mismo ayer y hoy. Obra cumbre del arte universal, su belleza ha cautivado a los peregrinos de todos los tiempos que llegaban a Santiago. El Portico es una ayuda para tu respuesta personal a una de las preguntas mas decisivas de la vida, la misma que Cristo des dirigia a sus Apostoles en Galilea. Y vosotros ¿quien decis que soy yo? (Mt 16, 15).

* ¿Qué le parecería poder sentarse junto a su artista favorito y preguntarle lo que quisiera sobre la vida, el trabajo o la inspiración? Esto es lo que este libro, basado en diversas entrevistas inéditas y material de archivo de un enorme elenco de artistas, hace precisamente. ¿Es el arte una 'carrera', una vocacion o algo completamente distinto? Este libro, al abarcar todas las fases de la vida de los artistas -desde las primeras obras hasta las exposiciones de debut y las etapas intermedias y tardias de sus carreras-, les permite responder, o reflexionar, sobre todas estas importantes preguntas. ¿Hace falta tener un estudio o contar con un marchante? Y, de ser asi, ¿como conseguirlos? ¿Los artistas son demasiado competitivos? ¿Como se les ocurren las ideas y que sentido tienen los pases privados? ¿El exito economico -o su ausencia- cambia a los artistas? ¿Tienelguna ventaja envejecer? ¿Deben leerse las reseñas? ¿Se pueden retirar los artistas? utor James Cahill Escritor y critico, residente en Londres. Ha colaborado en publicaciones tales como Apollo, The Burlington Magazine, Elephant, The Erotic Review, frieze, London Review of Books, Times Literary Supplement y The White Review. En 2017 finalizo un doctorado consagrado al estudio de las relaciones entre el arte contemporaneo y la tradicion clasica; ademas...

Un fantasma recorre el mundo del arte contemporáneo: el fantasma de la performance. Todos creemos saber qué es, aunque muy pocos se atreverían a definirla. Respondiese o no a tal nombre, se dejase ver o permaneciese oculto, el espectro siempre estuvo ahi, ampliando los limites de lo que podia ser considerado como arte y aterrorizando, con ello, a las morales mas conservadoras. Hoy, cuando ya a nadie parece asustar, la performance ha vuelto y seguira entre nosotros. Desde hace algunos años, los museos la programan con exito, los visitantes a las grandes bienales hacen cola para compartir tiempo y espacio con los mas variopintos "performers" mientras corren rios de tinta en torno a un concepto que desborda la arena del arte actual. Este libro pretende ser una introduccion a la performance en el territorio del arte. Lejos de proponer una historia lineal, el volumen ofrece una serie de aproximaciones de caracter tematico y transversal a la performance que permitan situarla en el marco del arte contemporaneo.

Desde los años sesenta, el artista Bruce Nauman ha desarrollado una obra muy compleja y polifacética que abarca desde la escultura, la performance, el cine, el vídeo y los trabajos basados en textos, hasta elaboradas instalaciones que incorporan sonido, grabaciones de video y monitores, asi como estructuras arquitectonicas. A menudo, la obra de Nauman se interpreta en terminos de movimientos y mediosentre los que cuentan la performance, el postminimalismo, el proceso y el arte conceptual, de forma que se acentua su supuesto eclecticismo. No obstante, con frecuencia se pasa por alto que detras de esas tendencias artisticas, en apariencia dispares, se esconden continuidades conceptuales, una de las cuales es la investigacion del lenguaje.A diferencia de muchos de sus contemporaneos, Nauman se ha abstenido de participar en el discurso critico en torno a su propia obra. Sin embargo, en contraste con la reputacion de silencio de Nauman desde el principio de su carrera, el uso del lenguaje ha sido un rasgo fundamental de su practica artistica. Esta coleccion de textos parte de la supuesta paradoja de que un artista de tan pocas palabras produzca un arte de tantas."Por favor, preste atencion, por favor" contiene todas las entrevistas fundamentales de Nauman desde 1965 hasta 2001, asi como una amplia antologia de sus...

¿Cuál es el poder de los colores? ¿Cómo actúan sobre nuestra conciencia profunda? ¿Cuál es la situación creativa del hombre en nuestra sociedad actual? Kandinsky contempla la vida espiritual de la humanidad como una piramide, y el artista debe conducir al profano hasta la cima de esta piramide a traves del ejercicio conmovedor del arte. De lo espiritual en el arte es, ante todo, la respuesta personal de un gran artista ante las dificultades de su oficio y la necesidad de perfilar un esquema teorico en el cual apoyarse. Escrito en el año 1910, cuando Kandinsky justo acababa de pintar su primer cuadro abstracto, este libro es uno de los textos teoricos imprescindibles que cambiaron el curso del arte moderno. Wasili Vasilievich Kandinski (1866-1944) fue un pintor ruso, teorico del arte y precursor del arte abstracto. Estudio Derecho y Economia, y a partir de los 30 años se dedico en exclusiva a su pasion: la pintura. Estudio en Academia de Bellas Artes de Munich. Enseño en la escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde el año 1922 hasta que el regimen nazi la clausuro. Entonces se traslado a Francia, donde creo algunas de sus mejores obras.ECUERDA:a obra fundamental de uno de los grandes genios de la pintura

Un libro literalmente deslumbrador. David Hockney estaría de acuerdo con Jean Dubuffet cuando dice que el arte es tan necesario como el pan para los seres humanos. Sin el pan, dice Dubuffet, se mueren de hambre; sin el arte, se mueren de tedio.Antonio Muñoz Molina, Babelia, El PaisLa historia de las imagenes se inicia en las cavernas y finaliza, por ahora, en la pantalla del ordenador. ¿Quien sabe hacia donde ira en el futuro? No obstante, el desafio sigue siendo el mismo: como representar el mundo tridimensional sobre una superficie de dos dimensiones.David HockneyCon la experiencia y el entusiasmo de toda una vida dedicada a pintar, a dibujar y a crear imagenes con camaras, David Hockney ;en una estimulante conversacion con el critico de arte Martin Gayford; explora como y por que se han creado las imagenes a lo largo de los milenios. Con la yuxtaposicion de una rica variedad de imagenes, los autores cruzan las habituales fronteras entre la cultura elevada y el entretenimiento popular y establecen unas relaciones inesperadas a traves del tiempo y de los diferentes medios. Con un capitulo final revisado donde figuran algunas de las ultimas obras de Hockney, este libro tan elogiado por la critica nos dara pie a ver esos cuadros que ya conocemos como si los contemplaramos por primera vez.

El libro parte del término "Co-historiar" para desarrollar desde una perspectiva participativa un ensayo y un manual sobre la evolución de la gestión y difusión de las artes visluaes entre lo institucional y lo alternativo. Preocupadas por las cuestiones