Libros de Historia del arte, página 48 de 1212

Desarrollada desde la década de los años 60 del siglo pasado como un subgénero de la performance, la conferencia performativa es un formato artístico que está experimentando un fuerte desarrollo hoy en dia. Denominada en ingles lecture-performance, y en castellano 'conferencia dramatizada' o 'conferencia performativa', se trata de una practica artistica expandida, un tipo especifico de presentacion que va mas alla del formato academico de conferencia y que los artistas (y todo tipo de agentes culturales) emplean para hacer de la conferencia un espacio performativo que, al aunar aspectos de la dramaturgia a la educacion, facilita la participacion intelectual, emotiva y afectiva de la audiencia. Se trata, por un lado, de un formato educativo o de mediacion, pero por otro se acerca a las artes escenicas y al espectaculo. Por ello, usualmente es un trabajo experimental e hibrido que quiere ir mas alla de formatos ya codificados como la instalacion, la performance o el happening y en consecuencia asume un caracter promiscuo y heterogeneo. En relacion con este caracter hibrido, las conferencias performativas incorporan elementos del mundo del espectaculo, los contadores de cuentos, los medios de comunicacion, internet e incluso de la publicidad. A traves de la practica de la 'conferencia dramatizada' se busca reflexionar sobre algunos temas centrales en la agenda de la cultura contemporanea, topicos relevantes para el arte y preocupaciones que definen nuestro presente (la informacion, generacion y distribucion de conocimiento, las plataformas y formatos para distribuirlo y acceder a el, la busqueda de nuevos marcos de trabajo y de acceso publico al mismo, etc.).

Este libro es fruto del IV Simposio Internacional «Iconografía y forma. Visiones de pasión y perversidad», donde se reflexionó y debatió sobre esas representaciones figurativas del amor, las miradas

"Estudio definitivo y antología clave de las obras de arte y los escritos asociados a este movimiento artístico. Arte Povera explora las relaciones entre la vida y el arte que se manifiestan a través de materiales naturales y artefactos creados por los hombres que se experimentan a traves del cuerpo. Incluye los trabajos de artistas de fama internacional como, Anselmo, Boetti, Calzolari, Fabro, Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Paolini, Pascali, Penone, Pistoletto, Prini y Zorio, que se exhiben en grandes museos a lo largo del mundo.''

"El complemento perfecto a El ABC del arte. El 21st-Century Art Book es una guía accesible al mejor arte contemporáneo creado desde el año 2000. Presenta más de 280 artistas ordenados alfabéticamente de la A a la Z; desde figuras consagradas como Maurizio Cattelan, Christian Marclay, Cindy Sherman o Jeff Wall a los artistas emergentes de la siguiente generacion. Absolutamente global, el 21st Century Art Book reune artistas de mas de 50 paises y recoge la amplia gama y medios de los artistas visuales de hoy, desde oleos y esculturas en bronce a animaciones, videos, instalaciones y performance. Cada artista es representado por su obra mas significativa realizada en este siglo acompañada de un texto que la explica y contextualiza dentro de la produccion de su creador. Facil de usar incluye un directorio internacional de bienales y ferias de arte.''

Perejaume ha elaborat un projecte específic per al Museu Nacional d’Art de Catalunya, al voltant de les connexions entre la tradició artística i l’avantguarda en l’art català. Realitzat a partir d´ob

Misticismo bíblico, nostalgia de una infancia rural, conservadurismo pastoral, expiación burguesa, agrarismo revolucionario... ¿cómo entender esa majestuosa presencia del campesino y de las labores y horas del campo en la obra de Jean-François Millet (1814-1875)?

Religiosidad, rituales y prácticas mágicas en los mosaicos romanos aborda el resultado de las más recientes investigaciones científicas sobre la significación de las representaciones musivas alusivas al vigor y la pervivencia de creencias y ritos de antigua tradicion, supersticiones, practicas magicas y rituales funerarios, asi como la transformacion, adecuacion y reconversion de algunas de ellas en un contexto diferente de religiosidad, en pleno auge de las creencias cristianas en un ambiente, no obstante, de gran heterogeneidad, ya que, estando bien documentadas por fuentes literarias y arqueologicas, no habian recibido hasta la actualidad un analisis riguroso en la musivaria. Desde esta perspectiva, mas alla del estudio de la religiosidad a partir de fuentes originarias de la esfera oficial, sea cual sea el credo y los rituales analizados, la investigacion de esa religiosidad y de determinadas practicas en los mosaicos romanos nos ofrece una vision mas personal, mas intima, al menos de algunos poderosos que, como artifices en mayor o menor grado de la seleccion de temas, escenas y motivos a la hora de elegir las representaciones para decorar los pavimentos de las estancias de sus domus y villae, reflejan de modo consciente o inconsciente sus creencias e inquietudes, contribuyendo a perfilar un aspecto fundamental de la historia cultural, aun en su faceta de Alta Cultura.

En La idea de arte se muestran en extensión los diferentes tipos de documentos que componen los fondos del Archivo Lafuente ordenados en torno a veintiocho temas desde los que se pretende abarcar la complejidad del siglo XX. Uno de esos temas, Libro, ha sido desarrollado en profundidad a traves del acervo de publicaciones generado por las vanguardias.

Art & Language Uncompleted. The Philippe Méaille Collection aporta una perspectiva reveladora i minuciosa d’una de les identitats estètiques més complexes de la segona meitat del segle XX. La des

La decadència de la mentida (1898) no és només un dels diàlegs de més abast teòric d’Oscar Wilde, sinó que representa el seu manifest antinaturalista i una contribució tan notable com polèmica, fins

The Elements of Sculpture is the essential viewer''s guide to experiencing sculpture. Richly illustrated with photographs of artworks both contemporary and classical and written by a sculptor and teacher with lifelong experience, it arms the reader with the tools and vocabulary with which to view a vast range of sculptures. Insightful and thought-provoking, it is accessible to the widest audience; as a primer for both students and general readers, it provides a new way of looking at, experiencing and discussing the art of crafting in three dimensions.Compelling and jargon-free, The Elements of Sculpture discovers and isolates the attributes from the most physical to the most ephemeral that make up an essential three-dimensional visual language; the very elements that form the tools sculptors use to create their art: Material, Place, Surface, Edge, Texture, Colour, Scale, Mass, Centre of Gravity, Volume, Space, Movement, Light and Memory. By teaching us how to look at and experience sculpture in the same way that sculptors think about sculpture, Herbert George provides us with the tools for understanding and appreciating the three-dimensional object, demonstrating how we can begin to communicate using the language of sculpture.

Perder la forma humana plantea una imagen de los años ochenta en América Latina que establece un contrapunto entre los efectos arrasadores de la violencia sobre los cuerpos, y las experiencias radicales de libertad y transformacion que impugnaron el orden represivo. Cuerpos destrozados/cuerpos mutantes. Entre el terror y la fiesta, los materiales reunidos muestran no solo las secuelas atroces de la desaparicion masiva y la masacre bajo regimenes dictatoriales, estados de sitio y guerras internas, sino tambien los impulsos colectivos por idear modos de vivir en continua revolucion. La exposicion señala la aparicion multiple y simultanea de nuevos modos de hacer arte y politica en diferentes puntos de America Latina durante los años ochenta. Se presentan los resultados de una investigacion en curso impulsada por la Red Conceptualismos del Sur, que, en su primera fase, se ha focalizado en algunos episodios del Cono Sur, Brasil y Peru, con la inclusion de casos puntuales de Mexico, Colombia y Cuba. El lapso historico considerado se inicia en 1973, año del golpe de Estado de Pinochet en Chile, y se extiende hasta 1994, cuando el Zapatismo inaugura un nuevo ciclo de protestas que refunda el activismo a nivel internacional. Ese periodo se corresponde con la consolidacion del neoliberalismo como una nueva hegemonia, el ocaso de los socialismos reales y la crisis de la izquierda tradicional. La exposicion complejiza este panorama rescatando experiencias que plantearon formas de resistencia a traves de soportes precarios como la serigrafia, la performance, el video, la accion poetica, el teatro experimental y la arquitectura participativa. Estas practicas se pueden agrupar en tres nucleos: las politicas visuales impulsadas por movimientos sociales como las Madres de Plaza de Mayo en Argentina y Mujeres por la Vida en Chile; las desobediencias sexuales, que incluyen experiencias de travestismo y corporalidades que impugnan la construccion tradicional de genero; la escena underground que, a traves de la musica, la fiesta y la etica del hazlo tu mismo, construyo micromunidades que permitieron recomponer los lazos sociales quebrados por el terror. Todas estas experiencias llevaron a extraviar la forma humana, tensionando y deformando la concepcion humanista de sujeto, y dieron lugar a nuevas subjetividades que pusieron en crisis las formas de existencia conocidas, transformando los modos de entender y hacer politica contrahegemonica.

Musas de Barcelona es obra de diecinueve autores, periodistas y colaboradores de La Vanguardia: Silvia Angulo, Carles Barba, Màrius Carol, Maricel Chavarría, Núria Escur, Carina Farreras, Isabel Góme

Ten beautifully printed large-format color photographs to be framed foroffice or home.

The Museo Thyssen-Bornemisza is presenting Pop Art Myths, the first exhibition on this subject in Madrid since Pop Art at the Museo Reina Sofía in 1992. More than twenty years later, the exhibition’s

Egypt's Coptic Church is one of the oldest in the world, with a cultural tradition dating back two millennia, during which time churches have been built and a variety of distinctive art forms have flourished. The world's largest and most exquisite collection of Coptic artifacts is now housed in the Coptic Museum, founded in Old Cairo in 1908. Here for the first time, in this lavishly illustrated book, more than one hundred of the greatest treasures of the Coptic Museum have been beautifully photographed to present an overview of this rich artistic heritage. Objects from churches and monasteries across Egypt include some of the finest examples of Coptic icons, stelae, sculptures, wall paintings, wooden altar screens, metal crosses, censers, liturgical implements and vestments, chandeliers, and bible caskets. Textiles, ceramics, terracotta, ivory and bone carvings, and documents (including the famous Nag Hammadi Gnostic library from the fourth century, one of the most valuable collections of papyri in the world) provide invaluable insights into the economic and social life of Egypt over the past two thousand years.In addition to objects from the Coptic Museum, this book also includes photographs of surrounding churches, some of Egypt's oldest, that illustrate the architectural legacy of the Copts. The accompanying text and captions provide a description of Coptic civilization in general and Coptic art in particular.

"Cuando hablamos de criticar el arte, no hablamos de considerar las cualidades más o menos objetivables de algo que hemos convenido en designar como "obra de arte", sino de cuestionar, cabría decir de un modo trascendental, los fundamentos ideologicos mismos que nos han llevado no solo a convertir a una serie de objetos en una especie de excepcion en el reino de las cosas, sino a considerar incluso que en ellos habitan revelaciones trascendentales que nos situan de modo inmediato en el reino de la verdad. Hablamos mas bien de replantear el propio estatuto ontologico del Arte en tanto realidad historica un tanto estupefaciente, de la misma forma en que el pensamiento ilustrado se atervio a cuestionar las verdades mas o menos inconmesurables del discurso religioso".

Aprender a caer, comisariada por Ángel Calvo Ulloa, es una metáfora del saber perder, del darle al subir pareja importancia que al bajar. Sin duda, podría guardar relación con la situación actual. Lo que nos toca vivir. El objetivo de Aprender a caer es provocar lineas de fuga entre los trabajos de los diferentes artistas, creando entre todas las obras, y sus diferentes formatos, un mismo espacio de experimentacion, donde queda temporalmente anulada la gravedad y se hace posible analizar el momento fugaz de la caida.Artistas: Mauro Cerqueira, Lois Patiño, Julia Spinola, Rodriguez-Mendez, Fran Meana, Emma Crichton, Ian Waelder, Ana Santos y Jeremiah Day.

The Museo Thyssen-Bornemisza is presenting Pop Art Myths, the first exhibition on this subject in Madrid since Pop Art at the Museo Reina Sofía in 1992. More than twenty years later, the exhibition’s