Libros de Historia del arte, página 21 de 1214

El título Libro Del Arte (grandes Temas) forma parte del catálogo de Akal. A comienzos de la decada de los setenta dicha editorial comenzó su andadura en MADRID. Tiene en su haber más de cuatro mil setecientos diez títulos en catalogo. Akal está especializada en Salud, Actualidad, Catálogo Y Recursos, Texto Escolar, Listado De Ebooks entre otras. Cuadernos De Educación Popular, Serie Clásicos De La Literatura Eslava, Biblioteca Literaria, Sibyla, Biblioteca Literaria. Serie Negra... son algunos ejemplos de colecciones de la editorial. Antonio Negri, Giorgio Scerbanenco, Zahi Hawass, Slavoj iek, Eduardo Galeano... son algunos de los escritores que han publicado en Akal.

El libro que reconoce la espléndida labor de coleccionismo realizada por Marcos Martín y Elena Rueda en los últimos cuarenta años. Marcos Martín Blanco y Elena Rueda empiezan a adquirir arte en 19

Una filosofía del arte como la que aquí se expone pretende lo siguiente: al hilo de ejemplos escogidos, debe exponerse cómo la filosofía ha ido reaccionando en el curso del tiempo al fenómeno del arte moderno, con que conceptos, categorias y nociones sistematicas se ha enfrentado a este fenomeno. Asi pues, lo que aguarda a las lectoras y los lectores es el intento de exponer y poner en relacion mutua posiciones filosoficas respecto del arte seleccionadas, tal como parecen interesantes o relevantes sobre todo en relacion con el desarrollo de una modernidad estetica. Un criterio ha sido tratar sobre todo los fundamentos del discurso estetico de la modernidad tal como se crearon en el siglo XIX; otro, no dejarse influenciar demasiado por coyunturas a la moda, pero sin perder de vista los problemas del presente. En lo esencial, los apartados particulares estan ordenados historicamente, con lo que el fenomeno del arte moderno y su relacion con la religion, la sociedad, la naturaleza y la tecnica es iluminado desde diversas perspectivas, bajo distintos presupuestos y con valoraciones a menudo opuestas.

El Diccionario de los ismos fue publicado por vez primera en 1949 y en una segunda edición, revisada y aumentada por el autor, en 1956. La presente edición se basa en esta segunda, pero añadiendo voces que el autor elaboro posteriormente. Juan Eduardo Cirlot ofrecio en esta obra un compendio de estetica (arte, musica, literatura, filosofia) bajo la forma de diccionario -tan querida por el- y de los ismos. Ismo significa perteneciente a, pero tambien quiere decir lo que esa integracion tiene de partidista, de fanatica; los ismos verdaderos se producen desde el momento en que uno de los factores del complejo artistico se insurrecciona contra la armonia del conjunto y asume la direccion intencional-expresiva de la obra. [] Asi el cubismo, el impresionismo y el expresionismo son los productos de una parcial estructuracion de la realidad, segun diversos puntos de vista. Lo real se ha desmontado en sus componentes y cada ismo elige una de esas particularidades y la desarrolla concienzudamente con exclusion y apartamiento de las obras

Conceptos fundamentales de la historia del arte responde a la necesidad de ordenar y conceptuar la gran cantidad de hechos y datos que surgen en el estudio del arte y su evolución histórica. A través de un rico analisis comparativo entre obras del Renacimiento y del Barrco, el critico suizo Heinrich Wolfflin (1864-1945) llega a la caracterizacion de los dos estilos por la generalizacion de sus diferencias, que formula por pares de conceptos contrapuestos: lo lineal enfrentado a lo pictorico, lo superficial a lo profundo, la forma abierta a la cerrada, la pluralidad frente a la unidad, la claridad absoluta ante su atenuacion como intento de concentrar y dirigir la percepcion. Estas diferencias caracterizan tanto el estilo personal de un artista como un estilo de epoca. Wolfflin intenta asi establecer las pautas para una Historia del Arte en la que se pueda seguir en sus distintas fases la genesis de la vision moderna en todas sus manifestaciones: pintura, escultura, decoracion y arquitectura. Un libro clasico y de utilidad permanente por el entrenamiento que, con su capacidad analitica, proporcionara no solo a los estudiosos del arte, sino a los que simplemente quieran aprender a disfrutar de el.

La epopeya del arte narrada desde un punto de vista completamente insólito, tal como la conocen sólo los grandes expertos. En Historias de la historia del arte, el prestigioso periodista e historiador Harvey Rachlin nos relata con todo lujo de detalles el nacimiento y ejecución de veintiséis obras maestras de la pintura, y el modo en que pudieron sobrevivir a revoluciones, intrigas cortesanas, robos, persecuciones religiosas y tantos otros avatares antes de llegar al lugar donde hoy reposan para deleite del gran público. Sin duda, un libro que le mostrará que el arte es humano, fieramente humano.

Esta obra inaugura un nuevo campo de la historia de la pintura: el detalle, visto inopinadamente o poco a poco descubierto, identificado, aislado, separado de su conjunto, pone en cuestión las categorias de la historia del arte que parecen haber sido establecidas de antiguo. Estudiando los diferentes estatus del detalle, Arasse propone otra historia de la pintura: una historia mucho mas cercana a las practicas del pincel y a la mirada.

Per què, malgrat l'extraordinari auge que va tenir la pintura a Espanya des de 1948, no va arribar a crear-se un «art franquista»? Per què els joves artistes espanyols van poder fer carrera a la Pení

A quien viaje hoy por las antiguas ciudades holandesas, le llamarán principalmente la atención los cuadros de enormes dimensiones de los museos, pero tambien de los ayuntamientos, de los hospitales, de los asilos de pobres, de las compañias civicas. No es comun encontrar cuadros asi en ningun otro lugar: cuadros con numerosas figuras, en ocasiones de cuerpo entero y otras veces de medio cuerpo, pero casi siempre se tamaño real, que aparecen unas junto a otras, bien sin relacion entre ellas, bien presentando una conexion vaga, de forma que el observador casi nunca duda de su caracter de retrato.

Decir Venecia es ser transportado a un mundo mágico de tranquilos callejones, agua centelleante, luz parpadeante; de palacios que parecen hechos de encaje y estancias plenas de rojos brocados y oro reluciente; una ciudad cuya extraordinaria historia ha sido capturada a lo largo de los siglos por magnificas pinturas, esculturas y arquitecturas. Hablar del Renacimiento italiano es evocar imagenes de un arte, una literatura, una cultura que continuan siendo un modelo para la ejecucion artistica en Occidente. ¿Como era Venecia durante el Renacimiento, en el momento cumbre de su poder? ¿Como era la ciudad y como vivian sus ciudadanos? ¿Y quienes eran estos habitantes de la republica mas cosmopolita, uno de los principales puertos de Europa y via de entrada a Bizancio y al Levante musulman? ¿Como difirio su esplendido arte del de la Italia peninsular y por que? A traves de un detenido examen de pinturas, dibujos, ilustraciones de libros y otros obras artisiticas renacentistas, Patricia Fortini Brown revive este mundo, revelando una cultura de gran belleza, artificio y maestria.

Este volumen analiza cómo se configuró la proyección artística de lo andaluz en Europa, a partir de su inclusión como protagonista de dibujos, acuarelas, pinturas y fotografías: una búsqueda acerca de cuales fueron los rasgos caracteristicos que la definieron, entre la teatralidad de sus tipos humanos y la monumentalidad de sus escenas urbanas, que se ejecutaban combinando detalles reales con elementos imaginativos que unicamente existieron en la vision creativa del artista. La especial fascinacion por Andalucia que hubo en el siglo XIX hizo posible que sus principales iconos culturales se tomasen como representacion de lo español.

La Escuela Española es universalmente conocida por ser una de las más representativas de lo que hoy llamamos realismo, como así lo avalan sus mejores maestros: Ribera, Sánchez, Cotán, el primer Velázquez, Zurbaran, Murillo... pero el realismo no se fraguo espontaneamente, sino al recibir y desarrollar el ejemplo de Caravaggio y de sus inmediatos seguidores tanto en Italia como fuera. Durante el siglo XVII, el realismo español adquiere su singular personalidad frente a otros modelos nacionales contemporaneos como el italiano, el de los Paises Bajos o el frances; manteniendose y recreandose tambien a lo largo del siglo XVIII. Colaboraciones de: Bonaventura Bassegoda, Valeriano Bozal, Xavier Bray, Christopher Brown, Francisco Calvo Serraller, Ignacio Cano, Peter Cherry, Gabriele Finaldi, William B. Jordan, Helen Langdon, Antonio Muñoz Molina, Pierre Rosenberg, Nicola Spinosa, Tzvetan Todorov, Enrique Valdivieso, Alejandro Vergara.

Josep Pla había conocido a Manolo Hugué en Barcelona en 1919, cuando el escultor acababa de regresar a España tras la primera guerra mundial. Casi una década más tarde, en 1927, escribiría su biografia en uno de los esfuerzos concentrados mas febriles de mi vida.De la mano del artista, Pla traza en Vida de Manolo contada por el mismo una semblanza memorable de Hugue, siguiendole por Barcelona, Paris y Ceret, narrando las mil adversidades a las que tuvo que hacer frente para huir de la miseria. El lumpen y la vida cotidiana en Barcelona a finales del XIX, la bohemia parisina, el circulo artistico de Ceret, o las ideas eticas y esteticas del escultor son recogidos en esta biografia con extraordinaria viveza.Pla sometio el texto a sucesivas revisiones y modificaciones, limando dos de sus caracteristicas esenciales: la frescura y la autenticidad. Esta nueva traduccion recupera el texto de la primera edicion del libro, que llevaba mas de setenta años sin ser publicado. Por la densidad humana del personaje que palpita en sus paginas, el libro es referencia ineludible de la biografia del siglo XX en España y uno de los mas logrados de su autor.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.

28 diálogos que reflejan un panorama museístico cambiante, diverso y dinámico, donde se desarrolla una experimentación a nivel mundial, con instituciones de Latinoamérica, Asia, África y Oceanía a menudo a la vanguardia en el desarrollo de nuevos modelos. Un sector que atraviesa un momento de reflexion sobre la desigualdad y la justicia social, presionado para lograr una mayor diversidad en la dotacion de personal, la programacion, la interpretacion y las colecciones.Mientras tanto, la pandemia ha puesto de manifiesto la debilidad subyacente de los modelos de negocio de muchos museos, basados en exposiciones temporales, asi como las limitaciones del apoyo publico y privado.Los dialogos revelan las diversas maneras en que se busca nuevas fuentes de ingresos, nuevas maneras de conectar con el publico y nuevas formas de gestionar las instituciones.

Ha pasado un ángel. ¿Quién no se ha quedado en silencio, la mirada perdida, ajeno a lo que le rodea, como si estuviera en Babia? Babia, El País de Nunca Jamás, la ínsula de Barataria, El País de las Maravillas, La Ciudad Esmeralda: paises o ciudades a los que se sueña ir, cuyo viaje se realiza en sueños o en una ensoñacion, y de los que cuesta regresar. Babia es un lugar fascinante, que atrae y atrapa. Alejado, pero no inaccesible, al que se llega a menudo inesperadamente. Por esto mismo, la reflexion sobre lo que es el arte y la funcion o el sentido de la obra de arte, que requiere toda nuestra atencion, con los sentidos en alerta y la mente dispuesta a descifrar las sensaciones que le llegan, exige que nos alejemos de Babia. Mas, cuando estamos atentos ante una obra de arte, nos aislamos en la contemplacion de la imagen, como si la obra nos transportara a Babia. Interrogarse sobre la creacion artistica e interpretarla para descubrir su razon de ser y su necesidad exige, en un movimiento imposible, estar, a un tiempo, en y lejos de Babia. Babia, a lo lejos es un breviario sobre la enseñanza de la teoria del arte y la arquitectura, sobre como, que y porque se enseña a interpretar la creacion humana. Comprende notas, ordenadas alfabeticamente, tomadas antes y despues de las clases. El texto comenta algunos de los criterios o conceptos mas habitualmente utilizados a la hora de apreciar y estudiar la creacion artistica, ayer y hoy, en diversas culturas. Y, al cierre del libro, asume una paradoja: el paso de un angel, camino de Babia, acontece en silencio, dando la callada por respuesta.

Entre la memòria íntima i la poètica dels objectes, L’imant i les coses és el primer llibre de l’artista Mateu Coll. Amb una escriptura fragmentària i evocadora, però lluny de qualsevol nostàlgia, Co

La societat del rendiment colonitza el nostre temps i els nostres afectes, esborrant els límits entre fer i ser. És possible imaginar alternatives a la lògica productivista? En aquest assaig, Mireia