Libros de Historia del arte, página 8 de 1167

El camí de l’artista és una guia imprescindible per superar les creences limitadores, les pors i les incerteses que inhibeixen les veritables capacitats creatives que tots posseïm en algun àmbit de l

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Erwin Panofsky se refirió en una ocasión a los criterios, ampliamente modificados a lo largo de la historia, por los que se consideraba "arte" a un cuadro barroco o se tendía a incluir también en el concepto a una blusa rumana del siglo xv. Este libro, en ultimo analisis, podria ser descrito simplemente como una deriva sobre los vinculos entre el "arte" y la "vida". A lo largo de la historia, la evolucion de las relaciones entre ambas ha llevado a veces a colocadas conjuntamente. De otra manera no podemos comprender la asimilacion de cualquier "arte" y cualquier "artesania", tal como la entendia la Edad Media. Tambien los medios de masas modernos situan a la par el arte y la vida, especialmente la television. En otras ocasiones el "arte" se ha segregado netamente de la vida; es notoriamente el caso de la cultura quizas todavia predominante. El proceso empezo socialmente: los pintores, los escultores, los musicos, los autores de teatro, reivindicaron para si mismos un estatuto diferente al de los encaladores, picapedreros, albañiles y carpinteros. "Nosotros somos intelectuales", "la materia que utilizamos es simplemente un vehiculo para expresar nuestras ideas", La pittura e cosa mentale -dijo directamente Leonardo da Vinci-. Finalmente la sociedad reconocio sus aspiraciones, porque antes habia reconocido su arte como cosa excelsa entre las demas cosas.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.

No es posible una comprensión adecuada de la Bauhaus sin complementar los aspectos puramente artísticos con un estudio riguroso de sus concepciones pedagógicas. Así lo entiende RAINER WICK, catedrático de pedagogia del arte en la Universidad de Wuppertal, quien, apoyandose en el analisis minucioso de los abundantes materiales de la escuela, ofrece en este libro una excelente oportunidad de reinterpretar sus logros a la luz de sus principios sobre la enseñanza del arte. Tras unos capitulos iniciales en los que aborda sucintamente los antecedentes ideologicos y sociales de la escuela, la PEDAGOGIA DE LA BAUHAUS presenta la practica de Itten, Moholy-Nagy, Albers, Kandinsky, Klee, Schlemmer y Joost Schmidt, con sus considerables diferencias a la hora de concretar el programa de Gropius para eliminar las fronteras que separan los generos artisticos y lograr la sintesis del arte, la artesania y la industria.

Carl Einstein fue el primero en escribir sobre las claves formales del arte negro? ?y sobre el alcance revolucionario del cubismo. Las obras y los planteamientos estéticos de Picasso, Braque, Gris, Klee, Leger, Kisling, Schlichter, Dix, Grosz, Beckmann, Masson, Arp o Miro son analizados en estos textos con extraordinaria lucidez desde la siempre espinosa contemporaneidad. Los escritos que recoge este volumen constituyen un documento clave de primera mano para ahondar en la epoca vertiginosa de las vanguardias, en la que el arte tambien era una revolucion.

En el presente libro se estudian los principales representantes y tendencias de la estética y la teoría del arte desde la Antigüedad hasta mediados del siglo XIX, considerado, con especial detenimiento, los planteamientos hechos desde la teoría del conocimiento, la filosofía y la crítica del arte y la literatura; puesto que ni la historia del arte ni la metacrítica de la crítica y la teoría del arte pueden renunciar a ellos. Consciente de la problemática inherente al estudio de un campo tan vasto como el de una «historia de la estética» que considere tanto el arte como la teoría del arte, Pochat evita caer en una descripción ingenua o demasiado simple de la «clarificación recíproca de las artes» y aborda cuestiones, teorías y fenómenos de la historia de la recepción artística que trascienden los límites de las distintas especializaciones. El texto viene acompañado de numerosos esquemas, ilustraciones, citas textuales y referencias cruzadas que hacen de ella una obra clave para especialistas y estudiantes, tanto de la historia del arte como de disciplinas emparentadas, así como para cualquier interesado en la esencia del arte.

El arte antiguo del cercano Oriente ocupa una posición peculiar, en cuanto a que dio el ser a muchas de las categorías artísticas que damos por supuestas. Cuando, en Egipto o en Mesopotamia, los hombres construian templos monumentales o erigian estatuas, estaban descubriendo formas de expresion que no tenian precedentes. Henri Frankfort, una de las mas destacadas autoridades en la materia, es el autor de este muy documentado estudio sobre el desarrollo del arte en Mesopotamia, desde la epoca sumeria hasta los periodos asirios tardio y neobabilonica de las regiones perifericas, Asia Menor, Siria, Palestina y Persia.

Esta obra nos presenta la evolución de los ''valores estéticos'' de la cultura japonesa escenificada en el marco histórico que le ha dado origen, explicitados en las obras más importantes de su liter

Este libro sirve para quienes buscan una primera aproximación a la Historia del Arte, pero tambien para aquellos que gozan ya de conocimientos avanzados. El autor acompaña el texto con ilustraciones propias, tantas veces utilizadas en sus clases magistrales, e incluye tambien aquellas laminas en color que considera mas indispensables: el resultado es un magnifico libro que invita a contemplar y disfrutar el Arte tanto a jovenes como a mayores. Luis Borobio (Zaragoza, 1924-Pamplona, 2005) se graduo en Arquitectura en Madrid en 1950. En 1953 viajo a Colombia, donde fue profesor de la Universidad Nacional, ejercio como arquitecto y presento varias exposiciones de pintura. En 1968 traslado sus actividades a la Universidad de Navarra. Tras ganar la Catedra de Estetica en Sevilla, y ejercerla durante tres años, regreso a Pamplona, donde continuo enseñando diversas materias. Sus clases de dibujo y sus agudas observaciones sobre los trabajos de sus alumnos le dieron una indiscutible popularidad. Rialp conserva un recuerdo entrañable de Luis Borobio, por ser el autor de los dibujos y la maquetacion de la primera edicion ilustrada de Santo Rosario, de Josemaria Escriva. Entre sus numerosas publicaciones, destacan: El arte, expresion vital, un tratado agudo y clarificador de Esteti

El intercambio epistolar de estos dos genios del arte y laarquitectura contemporánea. El intercambio de correspondencia entre Joan Miró y Josep Lluís Sert recopilado íntegramente por primera vez en esta publicación constituye un documento esencial para comprender la coincidencia del pensamiento de ambos personajes.

Un paseo meteorológico a través de las pinturas de los cielos más representativas.¿Por qué las nubes más abundantes en los cuadros son las típicas de algodón? ¿Han tenido alguna influencia las erupciones volcanicas en las pinturas de Turner, Van Gogh o Munch? ¿Que secretos encierran los llamativos cielos velazqueños? ¿Como han pintado el viento los grandes maestros a lo largo de la historia? ¿Son las pinturas una fuente de informacion climatica? La respuesta a estas y otras muchas cuestiones las encontrara en Los cielos retratados, un original y sugerente recorrido por la pintura universal, con la meteorologia como hilo conductor.

ESTA NUEVA PERSPECTIVA DE ROMA Y GRECIA ES TRUCULENTA, PERTURBADORA Y FASCINANTE (LOS MEJORES LIBROS DE ARTE DE 2022, THE TIMES)GANADORA DE THE LONDON HELLENIC PRIZEFINALISTA DEL ANGLO-HELLENIC RUNCIMAN AWARDLIBRO DE HISTORIA DEL AÑO 2022 PARA EL SUNDAY TIMESLIBRO DEL AÑO 2022 PARA SPECTATOREn este libro, la especialista en cultura clasica Caroline Vout trasciende textos y museos para dejar aquellos cuerpos griegos y romanos al desnudo, tal como eran en realidad: cuerpos dolientes, imperfectos, diversos, llenos de ansiedad y responsables de un legado que ha llegado a ser tan duradero como lo fueron sus estatuas. Vout nos lleva a recorrer un camino truculento a la par que interesante al hacerse las mismas preguntas que se hicieron los propios griegos y romanos acerca de sus cuerpos: ¿de donde venimos? ¿Que nos diferencia de los dioses y de los animales? ¿Que les ocurre a nuestros cuerpos, y a las fuerzas que los gobiernan, cuando morimos?Al desnudo, dotado de bellas ilustraciones y lleno de reflexiones fascinantes, nos muestra como transformaron sus cuerpos griegos y romanos, utilizando cualquier medio desde la cirugia mas sofisticada y la anticoncepcion hasta los aceites corporales, cosmeticos y los abonos del gimnasio, asi como las fuerzas que dirigieron lo que experimentaban, desde el embarazo al poder politico. Hemos visto esos cuadros, hemos leido a los filosofos y hemos conocido la mitologia. Ahora tenemos aqui el cuerpo clasico en toda su gloria, en carne y hueso.

La sillería de la sala capitular de la catedral de Tui, cuya contratación se formaliza en 1712, es una pieza excepcional dentro del panorama del barroco español. Es el único ejemplar de su clase que posee programa iconografico, cuya carga erudita denota un importante manejo de fuentes, principalmente emblematicas, por parte del mentor que lo ha diseñado y del taller del escultor Domingo Rodriguez de Pazos. Los bancos, destinados al cuerpo capitular, albergan en sus respaldos asuntos simbolicos utilizados para prevenir sobre la peligrosidad de los vicios y mostrar la conducta mas adecuada para alcanzar la gloria eterna. Dos son las tematicas abordadas: la primera, mas amplia y heterogenea, toma como pretexto los elementos del mundo de las vanidades, abundando las diatribas a los prebendados; la segunda, mas compacta, es una denuncia de lo profano a traves de la significacion alegorica de los animales. El plan figurativo de la catedra del obispo se construye en torno a la idea de las virtudes que debe ostentar un principe eclesiastico.

La escultura ha desempeñado un papel crucial en las prácticas religiosas de la humanidad a lo largo de la historia, sirviendo como un poderoso medio de expresión de creencias espirituales y conexión con lo divino. En el budismo japones, las imagenes religiosas poseen un significado espiritual y sirven como puntos focales para la adoracion, la meditacion y la enseñanza.

El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -critico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basandose en su experiencia durante decadas de inmersion en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Como ser un artista esta repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atras los bloqueos creativos, incentivar la motivacion y saber como defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudara a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender como funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.

«La situación parecía convertirse en algo profundamente irreal por momentos. El retrato ya no significaba nada como tal. Como cuadro tampoco decía mucho. Lo que sí tenía sentido y existía con vida pr

Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicacion, dicho en otras palabras, su principal razon de ser? En este libro polemico y escrito a contracorriente de la critica mas conformista, Marie-Claire Uberquoi reflexiona sobre la plastica de las ultimas decadas, centrandose en los artistas que han llevado mas lejos sus deseos de acoso y derribo de la nocion tradicional del arte para plantearse nuevas vias de expresion. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creacion actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estetico. El rechazo del objeto artistico, la explotacion publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo politico y el fenomeno de la banalizacion del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar otro arte contemporaneo ajeno a la cultura del espectaculo.La critica ha dicho:Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generacion.Eugenio Trias Un libro muy inteligente, documentado y valiente.Jose Corredor Matheos

A lavish new hardback edition of the multi million copy bestseller discover your innate creativity with The Artist s Way

Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoria de los aficionados. Sin embargo, es mas accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos caracteristicas fundamentales: la pasion artistica y el conocimiento del mercado. Maria Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos decadas trabajo en la famosa casa de subastas Sotheby?s. Desde la trastienda de ese universo de sofisticacion abre la puerta a los lectores con esta guia que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerias y colecciones. ¿Inversion o pasion? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasacion, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversion para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar las herramientas esenciales para maniobrar habilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisicion sea no solo gratificante, sino que tambien añada valor y satisfaccion a tu experiencia como coleccionista.