Libros de Historia del arte, página 9 de 1209

¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandes quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta busqueda de lo intimo. De los interiores calidos de Holanda se paso a los frios y palidos del pintor danes Vilhelm Hammershi; el suizo Felix Vallotton descubrio en sus cuadros lo que habia de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX; los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies; Edward Hopper disecciono con la precision de un cirujano los espacios anonimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras mas tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasion, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insolita historia de la intimidad en el arte.

Mark Rothko (1903-1970), es uno de los grandes artistas del siglo XX: figura indiscutible del expresionismo neoyorquino, encabezó junto a Barnett Newman la corriente plástica Colour Fields. Erudito y filosofo, Rohtko fue ademas un escritor sofisticado y apasionante. Escritos sobre arte reune por primera vez en un libro los textos del artista. Incluye ensayos breves, cartas, declaraciones y conferencias de Rothko a lo largo de su carrera. Esta ambiciosa antologia de textos, tanto publicados como ineditos, que abarca desde 1934 hasta 1969, nos revela aspectos poco conocidos de Rothko: el papel que tuvo la escritura para un artista que, segun muchos, habia renunciado a la palabra; su profundo interes por la meditacion y la espiritualidad; y su relacion privada con artistas contemporaneos como Barnett Newman, Robert Motherwell y Clyfiford Still.

El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbolico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterializacion de la obra de arte.

El hombre que escribe de sí mismo y su tiempo es el único ser humano que escribe acerca de toda la gente y acerca de todos los tiempos. El otro tipo de hombre, el que cree que él y su época son tan distintos a todos los otros hombres y periodos que seria inmodesto e irrelevante aludirlos o asumir que podria interesar a alguno salvo a si mismo y sus contemporaneos es el mas engreido de todos los egoistas y, por consecuencia, el menos legible y mas insigni?cante de todos los autores. Asi, dejemos a otros cultivar lo que ellos llaman literatura: ¡para mi: periodismo!" G.B. Shaw

Fundada en la ciudad de Weimar en 1919, la Escuela de la Bauhaus produjo en sus escasos catorce años de existencia un enorme acervo en muy distintos ámbitos, desde la arquitectura al diseño, pasando por la tipografia o la fotografia. Su apuesta por la obra de arte total, superadora de las separaciones entre las artes y las tecnicas, entre la naturaleza y la cultura, entre lo individual y lo colectivo, tuvo quiza su manifestacion mas poderosa en el mundo del teatro.

Este libro agrupa a los cien personajes (o rostros) protagonistas de los principales acontecimientos relatados en la Biblia, con la intención de contemplar sus vidas y sus historias y encontrar en ellas enseñanzas válidas para los hombres y mujeres del siglo XXI. Las cien ilustraciones han sido cuidadosamente seleccionadas entre las principales obras de la pintura universal: Ribera, Rubens, Morales, El Greco, Duccio, Murillo, Juan de Juanes, Poussin, el Veronés, Rembrandt, Goya, etc. La indiscutible calidad de las ilustraciones y la precisión del texto convierten la obra no sólo en un hermoso libro de arte, sino también en un valioso instrumento para la contemplación.

Contemplar un cuadro o un paisaje, escuchar una obra musical, sumergirse en un universo sonoro, leer un poema, ver una película: esa es la experiencia estética. En el marco de la cultura humana, entre todas las experiencias vividas, es al mismo tiempo la mas banal y la mas singular. Es singular porque tiene como condicion que uno se dedique a ella sin otro fin inmediato mas que esa misma actividad; es banal porque no deja de ser una de las modalidades basicas de la experiencia comun del mundo. Por lo tanto, se trata de comprender, como lo demuestra Jean-Marie Schaeffer, no la experiencia de las obras de arte en su especificidad, sino la experiencia estetica en su caracter generico, es decir, independientemente de su objeto.

Teoría del arte plantea un ajuste conceptual de las categorías de análisis y una nueva delimitación de los aspectos y manifestaciones que configuran en la actualidad la escena artística. Se trata de buscar una correspondencia en el plano teorico con lo que el arte es en nuestro tiempo, en lugar de seguir recurriendo a ideas y formulaciones que remiten al pasado, a un horizonte de la representacion hace ya mucho tiempo definitivamente superado en nuestra cultura, en esta era de la imagen global.El libro esta concebido para servir como texto de apoyo para la docencia e investigacion en Teoria del arte. Pero esta igualmente pensado como un texto de lectura amena y sugestiva, apoyado en ejemplos e imagenes concretos, que permita a las personas interesadas en comprender y disfrutar el arte de nuestro tiempo realizar una especie de viaje a ese universo, que a la vez atrae y desconcierta. Se trata de dar respuesta -o, mejor aun, de fijar los terminos para que cada uno pueda darla por si mismo- a cuestiones tan habituales hoy como: pero ¿esto es "Arte"?, ¿por que se considera esto "Arte"?, ¿quien lo determina asi?.

En "Las vanguardias artísticas del siglo XX", el escritor y crítico de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su linea de continuidad y su comun razon de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el animo de ruptura cultural. Combinando el dato historico y la critica, se ofrecen aqui los materiales de una vision de los "ismos" mas profunda que la mera catalogacion de variantes formales; una vision integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas mas representativos del periodo, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.

La presente edición recoge los textos que Ruskin dedicó al tema de lo grotesco. Lo grotesco se percibe en el estilo y lenguaje de las obras artísticas, pero no es solo una cuestión de estilo y lenguaje. La profunda novedad de Ruskin surge en el analisis d

A principios del siglo XVII surgieron en Europa las cartillas de dibujo, unos materiales pedagógicos que revolucionaron la metodología tradicional de la enseñanza de esta disciplina, permitiendo a artistas, aficionados y particulares progresar sin la presencia de un maestro, sobre todo en la representacion del cuerpo humano. Su principal novedad radicaba en el empleo del grabado: a partir de esquematizaciones, proporciones o lineas de contornos y sombreados, y mediante la copia directa y repetitiva, el alumno asimilaba un metodo, una manera y un estilo determinados, memorizando sus gestos y mejorando su destreza.La exposicion a la que acompaña este catalogo destaca los ejemplos españoles de los siglos XVII-XIX y los situa en el contexto europeo. Aunque su numero fue reducido, su interes resulta excepcional, pues desde el principio destacaron por su caracter autoctono y, en ocasiones, novedoso. Junto a artistas como Villafranca, Garcia Hidalgo y Lopez Enguidanos descuella Ribera, que ya en 1622 habia comenzado a estampar lo que parecia iba a ser su propia cartilla y que no se publico hasta decadas despues.

Más allá de centrarse en la personalidad y obra de cada artista, esta historia busca captar la esencia y relevancia del arte contemporáneo partiendo de tres elementos de análisis: los desarrollos tecnologicos de la epoca (la evolucion en la cultura material desde lo mecanico a lo electronico), el ambito de saberes de los que se nutre y con el que dialoga el arte (su propio acervo y las ideas de cada periodo) y, por ultimo, las oscilaciones en el lenguaje artistico (entre estilos mas abstractos o figurativos). Ofrece asi tres longitudes de ondas (largas, medias y cortas) para interpretar y comprender el arte contemporaneo desde su nacimiento hasta los fenomenos mas actuales.

La producción pictórica de Sorolla alcanza las cuatro mil doscientas obras en óleo, acuarela y gouache. Blanca Pons-Sorolla ha dedicado más de tres décadas a registrar, estudiar y catalogar sistemáticamente ese vasto conjunto y a ordenarlo en un catalogo razonado cronologico. La primera entrega de esta obra en varios volumenes vera la luz en 2019, coincidiendo con el momento de gran reconocimiento internacional al pintor que suponen las exposiciones monograficas de la National Gallery de Londres y la National Gallery of Ireland de Dublin.La necesidad de realizar una revision del catalogo del Museo Sorolla ha motivado que la publicacion del catalogo razonado se inicie con el importante conjunto de obras que conserva esta institucion, fundamental para el conocimiento del artista valenciano. Este volumen preliminar incluye, ademas de las casi mil trescientas pinturas del Museo, una bio-cronologia exhaustiva de Sorolla, la bibliografia general actualizada sobre el pintor, el repertorio de sus exposiciones y una introduccion metodologica sobre la catalogacion de su obra pictorica. Es este, por consiguiente, el volumen de referencia para el resto del catalogo razonado de Sorolla.

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de caracter historico sino filosofico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relacion con la filosofia taoista a partir de la nocion de vacio que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepcion china del universo y su comprension del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica tambien al lector occidental la adscripcion de este arte a la concepcion taoista, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictorica.

Manual de texto, para la asignatura de Historia del Arte Contemporáneo: Siglo XX del Grado en Historia del Arte.

Este libro no es una historia del arte al uso. Tampoco es un recorrido por las grandes obras del arte universal que habitualmente aparecen en los manuales escolares. Ni un recetario para distinguir el arte romanico del gotico.Esta es una historia del arte irreverente y rompedora que se centra en la Europa occidental y el Mediterraneo, desde la caida del Imperio romano de Occidente hasta el siglo XV.Alberto Garin, arqueologo e historiador del arte, ofrece al lector un sorprendente viaje artistico por lugares como Roma, Constantinopla, Damasco, Granada o Florencia, con el objetivo de explorar y observar, con agudeza y erudicion, la sensibilidad de aquellos artistas que con su desempeño han contribuido a construir la cultura y el mundo en el que vivimos. Prologo de Fernando Diaz Villanueva

Con Danza humana, Rafael Argullol continúa el ambicioso proyecto vital y literario que inició con Visión desde el fondo del mar. Las diversas experiencias íntimas del autor se entretejen con destacados momentos de la historia de la humanidad para dar forma a un relato cautivador en que la religion, la ciencia, la filosofia y el arte ofrecen importantes claves para tratar de descifrarcuando no abrazarel enigma de la conciencia. A lo largo de sus paginas, el escritor emprende una transformadora travesia que lo llevara a contemplar la naturaleza, el arte, las ciudades, el cuerpo de la mujer, el deseo, las palabras e incluso el universo regido por el azar en busca de fragmentos de eternidad en el abismo insondable de la existencia.

Una cuidada selección de 100 espectaculares ilustraciones en las que las flores cobran vida acompañadas de una detallada descripción botánica, explicaciones sobre los nombres y significados de las plantas, curiosidades historicas y comentarios sobre sus usos en la medicina tradicional de Japon. El herborismo es el estudio de plantas y minerales empleados con fines medicos y se practica desde tiempos muy antiguos en Extremo Oriente, donde continua gozando de gran popularidad. Esta disciplina llego a Japon importada desde China en el siglo VIII y, en el siglo XVII, se convirtio en un campo de estudio de pleno derecho. La primera enciclopedia botanica japonesa en color se publico en 1830 y constaba de 96 volumenes que detallaban 2 000 plantas y otras tantas ilustraciones.

El ?blanco?, como tal, solo existe en nuestra percepción; es inútil, por tanto, salir en su busca. En lugar de ello, debemos encontrar el modo de sentir la blancura, ya que a través de este proceso tomaremos conciencia de un blanco ligeramente mas blanco que el blanco que percibimos normalmente. Esto, a su vez, nos hara ser conscientes de la sorprendente diversidad de blancuras que podemos encontrar en la cultura japonesa: por fin lograremos entender palabras como ?silencio? o ?espacio vacio?, y sabremos distinguir los significados ocultos que contienen. A medida que adquiramos esta compenetracion con el blanco, nuestro mundo se tornara mas resplandeciente y sus sombras mas acusadas. Kenya HARA

La fantasía de una cultura dominada por imágenes es una posibilidad cada vez más factible. La tecnología digital, responsable de la mayoría de las imágenes que se cruzan en nuestra vida, ha experimentado un desarrollo exponencial en los ultimos años que ofrece un escenario cada vez mas rico y complejo. Sin embargo, a pesar de lo sofisticadas que puedan ser las herramientas que crean y distribuyen las imagenes, un analisis de sus usos y funciones revela que estas reproducen, mantienen y perpetuan actitudes, respuestas y sentidos que cuentan con un largo recorrido en la historia. Aunque la tecnologia cambie, las imagenes mantienen en muchos casos los usos que se le asignaron desde antiguo. Ademas, en el contexto del posthumanismo, la nocion de cultura visual se amplia para incluir experiencias y usos de imagenes por parte de animales o Inteligencias Artificiales. El presente libro se propone analizar distintos casos contemporaneos enraizados en una cultura visual digital y posthumana. Los actos iconoclastas del grupo terrorista Daesh, las imagenes conversacionales en el contexto del proces de Cataluña, la construccion de la imagen del poder con Barack Obama y la postfotografia, la problematica de la autoria de un selfie tomado por un macaco o la constatacion que los dinosaurios solo existen en imagen son los temas que se estudian para comprender nuestra cultura visual.