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Este tratado en seis volúmenes se ha convertido en un clásico, incomparable obra de referencia para quien quiera acercarse al arte occidental y comprender su significado. No es sólo un repertorio ordenado de temas religiosos; es, sobre todo, un instrumento de trabajo imprescindible para cualquier historiador, estudiante o amante de las artes que indague sobre las imágenes del arte en Europa.

Un estudio en profundidad sobre Ferrari, el coche, los diseños, el hombre y la leyenda, publicado con motivo de la exposición celebrada en Noviembre 2017 en el Museo del diseño de Londres. Contiene los Ferraris más impresionantes, seleccionados por su importancia en la historia de la compañía. Una de las marcas de coches más poderosas, deseadas y reconocibles Profusamente ilustrado con imágenes de archivo de la compañía, dibujos de los ingenieros, bocetos estilizados, así como con objetos de interés y personales.

The Green Man, the image of the foliate head or the head of a man sprouting leaves, is probably the most common of all motifs in medieval sculpture. Nevertheless, the significance of the image lay largely unregarded until Kathleen Basford published this book - the first monograph of the Green Man in any language -and thereby earned the lasting gratitude of scholars in many fields, from art history and folklore to current environmental studies. This book has opened up new avenues of research, not only into medieval man's understanding of nature, and into conceptions of death, rebirth and resurrection in the middle ages, but also into our concern today with ecology and our relationship with the green world. It is therefore a work of living scholarship and its publication in paperback will be greatly and justly welcomed.

Publicado en 1927, este estudio suscita cuestiones sobre perspectiva todavía candentes en la historia del arte. Un clásico de la materia. La perspectiva para Panofsky no es un simple elemento «exte

100 ejercicios prácticos para convertirte en el mejor ladrón de ideas. El ticket de un restaurante. El título de un libro que no has leído. Un recuerdo. Lo que has tirado a la papelera. Una búsqueda

¿Cuáles son las condiciones de producción de la actividad de la crítica? ¿Cuál su función en un tiempo que privilegia la comunicabilidad y la accesibilidad por encima incluso del contenido? ¿De qué modo escribir critica de arte cuando ya no existe la distancia critica? Estas y otras preguntas subyacen en este ensayo que expone a la critica dentro de la cadena de montaje del mercado, la industria cultural/editorial, la academia y los medios de comunicacion. La critica sobrevive hoy bajo al mandato de la rentabilidad y la publicidad olvidando sus antaño elevados objetivos transformadores. Un recorrido por su historia y la observacion de sus mutaciones puede ofrecernos una radiografia del capitalismo tardio y sus consecuencias mas recientes, para a continuacion reactivar todo su potencial.

Por el tema abordado así como por el tono humorístico que subyace -nada menos que una Filosofía, en pos de la habitación ideal-, estamos ante un escrito atípico en la producción de Edgar Allan Poe.

Hoy se tiende a considerar al arte bizantino no como un ramillete de obras maestras asociadas a edades de oro, arropadas por basileis y dinastías, sino integrado en los escenarios, aspiraciones y responsabilidades de la sociedad en la que surgió; lejos de la imagen estática que han ofrecido los estudios tradicionales. Pues se vio afectado por los cambios de gusto, el progreso técnico, las posibilidades materiales de civiles y religiosos y las relaciones con sus vecinos, aliados de la koiné y enemigos.

La abstracción sacudió los cimientos del arte occidental. A principios del siglo XX, puso en jaque el dominio de las formas claras e indiscutibles y enfrentó al público con poemas visuales vívidos despojados de imagenes representativas convencionales y caracterizados por alegorias de emociones y sensaciones. Esta aventura artistica radical sento las bases de un nuevo medio artistico, asi como de narrativas novedosas. La expresion se caracterizo por las yuxtaposiciones sorprendentes de color, luz y linea. Los artistas dejaron atras las convenciones del pincel y el caballete, y jugaron con nuevos materiales y metodos de cuño artistico: pinturas comerciales y pinceles de brocha gorda, lienzos sin estirar ni imprimar trasladados al suelo y aplicacion de la pintura con las manos. Esta monografia recorre el calado internacional, la profundidad conceptual y el impacto sismico del arte abstracto con un estudio pormenorizado no solo de artistas de fama mundial como Picasso, Klee, Kline, Rothko, y Pollock, sino tambien de figuras quiza menos conocidas pero igualmente relevantes, como Antoni Tapies, K. O. Gotz, Ad Reinhardt y Sophie Taeuber-Arp.

Forensic Architecture es grupo internacional de investigadores que utiliza la arquitectura como herramienta metodológica para investigar conflictos armados, vulneración de derechos humanos y la destruccion medioambiental. Las investigaciones y textos criticos que se incluyen en el libro examinan como se produce tecnologica, arquitectonica y esteticamente la verdad publica, como puede utilizarse para confrontar la propaganda y los secretos de Estado, y como denunciar nuevas formas de violencia de Estado.Este libro, en cuyas paginas se recogen los origenes, la historia, los logros, el potencial y las dificultades y limitaciones con las que se encuentran el grupo de investigadores, sirve de catalogo de la exposicion coproducida por el MACBA (España) y el MUAC (Mexico).

El arte italiano del siglo XV, florecimiento artístico grandioso como la experiencia contemporánea del Humanismo, constituye un territorio historiográfico que reclama la atención de quien lo quiera asumir sin prejuicios. En este sentido, el vigoroso acercamiento metodologico de Renato de Fusco resulta idoneo para estudiar una materia tan diferenciada y multiforme como es el Quattrocento, analizando de forma clara y minuciosa tanto lo que une a las diferentes formas de expresion artistica entre si como aquello que las singulariza, subrayando al tiempo sus mas importantes episodios. Su metodo de trabajo une las aportaciones del estructuralismo y la semiologia dentro de una solida conciencia historiografica. Asi, las categorias interpretativas de forma y sentido, la investigacion tipologica sobre los modelos y la iconologia sobre los temas sirven para articular un panorama tan vasto como riguroso.

La fantasía, la invención y la creatividad no son patrimonio de unos pocos iniciados -los artistas-, sino facultades esenciales del ser humano que todos deberíamos comprender. Con la generosidad y la vocacion pedagogica que siempre lo caracterizo, Bruno Munari desvela en este ensayo pionero, traducido por primera vez al castellano, algunos de los secretos de estas tres capacidades basicas que hoy englobariamos bajo la palabra creatividad.La fantasia, nos cuenta Munari, nace de la libertad. La invencion y la creatividad nacen, en cambio, de la funcion y la necesidad. Pero a la hora de generar nuevos mundos, en todas ellas la inteligencia, la memoria y la imaginacion juegan un papel crucial. ¿Que mecanismos se activan para alumbrar una idea o construir una obra de arte? ¿Como podemos potenciar -en lugar de coartar- la creatividad infantil? ¿Como fomentar la elasticidad del pensamiento para que este no se quede estancado en formulas prefijadas? Munari responde a estas y otras preguntas con un estudio delicioso, a caballo entre la erudicion y el divertimento, que no solo pretende potenciar nuestra capacidad creativa, sino contribuir a nuestro desarrollo integral como personas.

"Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte." Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoria de critico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plastica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporanea.En esta antologia completa de sus ensayos sobre artistas, compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger dono aun en vida a la British Library, John Berger nos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solo nos sumergen en la singularidad de cada creacion artistica, sino que van mucho mas alla y nos conducen con maestria entre lo personal, lo cultural y lo politico. No en vano Berger es considerado uno de los intelectuales europeos mas importantes de nuestro tiempo y uno de los criticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepcion del arte y el lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporanea.Los textos del primer volumen abarcan desde las pinturas prehistoricas de la cueva de Chauvet hasta Paul Cezanne. En el segundo y ultimo volumen, el critico britanico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obra de Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. Del conjunto de textos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante decadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado teorico y vivencial de Berger.

La exposición El principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo en España (1957-2017) quiere hacer visible la influencia de estas tres culturas en el arte de la segunda mitad del siglo XX en nuestro pais, un aspecto tan presente en la obra de tantos artistas de ese momento como aun poco explorado. Su titulo toma prestada la acepcion que en quimica se emplea del termino "principio", segun la cual un elemento activo, en solitario o junto con otros, "reacciona" al mezclarse o hacerse soluble y produce formas, colores y estructuras nuevas y muy diferentes entre si.La muestra se centra en el marco cronologico existente entre la generacion abstracta española de los cincuenta y la de los artistas nacidos en torno a mediados de los años sesenta, momento de la creacion del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (1966) por Fernando Zobel, una figura esencial para entender el relato de esta exposicion. Hay, no obstante, ejemplos de influencia anteriores, como el del ceramista Josep Llorens Artigas, que ya en los años veinte comenzo a trabajar en obras de enorme sencillez, o el de Joan Miro, que a partir de mediados de los años cuarenta trabajo, precisamente con Llorens Artigas, en piezas que aunaban ceramica y pintura.

“Para pintores? a pintores, porque estos fragmentos, más que describir o analizar el hecho pictórico, quieren mover al lector hacia la pintura y hacia el pintar. Por tanto, aunque se dedican a la pin

Michaux escribió, viajó, dibujó, pintó. Escribió como se odia, con la fuerza del «contra» para sobrevivir y, después, para vivir más intensamente, para vibrar más alto. Pero hallo la escritura demasiado convencional, henchida la palabra con demasiada cultura, demasiado lastre, así que empezó a pintar. Pintó para «descondicionarse». Pintó como se grita, para gritar mejor, y para expresar aquellas vibraciones del espíritu que no tienen correspondencia adecuada con el lenguaje. Los infinitos son lugares demasiado intensos para la palabra.

"Malinconia" reúne algunos de los textos más significativos del autor con un tema que subyace a todos ellos: la extrañeza que es propia de la modernidad, la inquietud que domina sus representaciones. Clair analiza la obra de De Chirico y de la "metafisica" italiana, las paradojas de la "vuelta al orden" y las paradojas de la revolucion. Las obras de Sironi, Balthus, Dix, las pinturas de la "nueva objetividad" alemana atraviesan estas paginas, en las que el maquinismo y la melancolia, la pretension de un arte total y la intranquilidad de lo cotidiano –proximo y distante– se hacen fuertes. La mirada de Clair altera radicalmente los topicos que a proposito del arte del siglo XX han venido manteniendose: tambien ella siembra la intranquilidad en el lector