Libros de Historia del arte, página 3 de 1211

Conservada gracias a una serie de azarosas circunstancias, la correspondencia de Vincent van Gogh (1853-1890) con su hermano menor Theodorus constituye un testimonio sin par de la existencia del genial pintor, pero tambien de su evolucion pictorica y espiritual. En ella estan las crisis personales y de conciencia, los incesantes apuros economicos, las esperanzas y las decepciones, pero sobre todo la pasion febril de Van Gogh por la pintura. Sus cuadros y dibujos, valorados poco o nada en vida, han acabado convirtiendose, paradojicamente, en piezas preciadas de las colecciones artisticas, ademas de alcanzar cifras millonarias en las subastas e instalarse entre las que gozan de mayor favor del publico. La presente seleccion, que reune lo mas sustancial de las Cartas a Theo, va precedida de una util e iluminadora introduccion de David Garcia Lopez que, al tiempo que traza una viva semblanza de la vida del pintor, da cumplida cuenta del contexto de esta correspondencia que permite al lector asomarse a una experiencia vital tan fascinante como sobrecogedora. Tambien en esta coleccion: "Vincent van Gogh: Vida y obra", de Uwe M. Schneede.Conservada gracias a una serie de azarosas circunstancias, la correspondencia de Vincent van Gogh (1853-1890) con su hermano menor Theodorus constituye un testimonio sin par de la existencia del genial pintor, pero tambien de su evolucion pictorica y espiritual. En ella estan las crisis personales y de conciencia, los incesantes apuros economicos, las esperanzas y las decepciones, pero sobre todo la pasion febril de Van Gogh por la pintura. Sus cuadros y dibujos, valorados poco o nada en vida, han acabado convirtiendose, paradojicamente, en piezas preciadas de las colecciones artisticas, ademas de alcanzar cifras millonarias en las subastas e instalarse entre las que gozan de mayor favor del publico. La presente seleccion, que reune lo mas sustancial de las Cartas a Theo, va precedida de una util e iluminadora introduccion de David Garcia Lopez que, al tiempo que traza una viva semblanza de la vida del pintor, da cumplida cuenta del contexto de esta correspondencia que permite al lector asomarse a una experiencia vital tan fascinante como sobrecogedora. Tambien en esta coleccion: "Vincent van Gogh: Vida y obra", de Uwe M. Schneede.

Este libro analiza, en el curso de la historia de la cultura y en los ámbitos de la creación artística, literaria y musical, la forma -elegida o impuesta- en la que los creadores se han ganado la vida y su influencia en el fenomeno creativo y en la personalidad del propioartista. Acompañando cada disciplina con un ejemplo concreto -Rubens (Alejandro Vergara Sharp), Blasco Ibañez (Joan Oleza) Beethoven (Juan Jose Carreras).

Entre los Tratados sobre pintura escritos en China en la misma época, el Discurso acerca de la pintura por el monje Calabaza Amarga, escrito por Shitao, se distingue por dos aspectos esenciales. Allí donde otras obras exponen sus temas mediante un conjunto de aforismos cuyo proposito es dar a conocer por deduccion el pensamiento del autor, la obra de Shitao es sintetica y expone explicitamente el pensamiento de su autor.La segunda diferencia es que Shitao centra su discurso sobre el aspecto filosofico de la pintura, fuera de toda consideracion tecnica o estetica.

La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades tienen 4 secciones (episodios, atributos, funciones y representaciones), mientras que en las dedicadas a los heroes son solo 3, pues desaparece la referida a las funciones. La obra se completa con cuatro apendices dedicados al estudio de aspectos concretos de iconografia clasica: el primero, a elementos y simbolos de iconografia funeraria. el segundo, al proceso de asimilacion y apropiacion de la mitologia por el cristianismo. el tercero hace un recorrido por la distinta valoracion y significacion iconografica que ha tenido la figura de Venus y el desnudo femenino desde la Edad Media hasta el Barroco. y el cuarto y ultimo, a la utilizacion del legado clasico por las monarquias autoritarias y absolutas de los siglos XVI y XVII en la configuracion de una iconografia del poder politico. Completan el libro un indice de nombres y una orientacion bibliografica sobre mitologia e iconografia clasicas.

El color y la forma son las claves esenciales para comprender la obra de Miguel Calatayud. Sus dibujos, a base de acuarela y tinta, superponen distintos planos de una realidad en la que la geometría desempeña un papel fundamental. Cada letra es un poema visual, un juego de camuflaje para nuestros ojos.

Las cuestiones de género han sido dejadas de lado en la historia del arte hegemónica. A lo largo de las décadas, los estudiosos del arte, apoyándose en visiones y perspectivas aparentemente carentes de ideologia, han ignorado la cultural visual en la que se representa la feminidad y la masculinidad, y las reglas coercitivas que a menudo se derivan de ella. En el presente ensayo se propone una relectura critica y transversal de la modernidad, de las vanguardias, del arte de factura convencional y realista, y tambien de las distintas opciones esteticas que ofrece el arte contemporaneo. Todo ello centrado en la influencia de las normas de genero, en la violencia simbolica y real que producen, y en el peso excluyente del androcentrismo machista. En este sentido, y dado el caracter estructural del genero, el proposito de este libro es diseccionar el componente politico y social que impregna las distintas corrientes esteticas canonicas (Futurismo, Dadaismo, Surrealismo, Abstraccion), incluido el arte utilizado como propaganda (en el nazismo, el estalinismo, el franquismo), y, ademas, analizar las formas de resistencia que han adoptado en el siglo XX distintas practicas artisticas, como el arte cuestionador de contenido feminista o las manifestaciones poscoloniales.

La historia del arte es uno de los libros dedicados al arte más famosos y populares nunca escritos y ha sido un best-seller durante medio siglo. Durante cinco décadas no ha tenido ningún rival como introduccion al arte en su totalidad, abarcando desde las pinturas rupestres primitivas hasta el arte experimental contemporaneo. Atraidos por la claridad y simplicidad de su narrativa, lectores de todas las edades y condiciones han encontrado en el profesor Gombrich al autentico maestro, que combina el conocimiento y sabiduria con un don unico para comunicar su profundo amor por el arte. La historia del arte debe su amplia difusion a lo directo y espontaneo de su estilo, asi como a la clara exposicion del autor. Este libro siempre ha sido admirado por dos cualidades: es un placer de leer y un placer de manejar, combina un texto que fluye suavemente con un diseño claro, simple y de accesible formato. En su nueva edicion, la 16ª de este clasico, esta destinada a seguir siendo punto de referencia indispensable para las nuevas generaciones, asi como la primera fuente de informacion para los recien llegados al mundo del arte. Ernst Gombrich nacio en Viena y se traslado a Gran Bretaña en 1936. Paso gran parte de su vida trabajando en el instituto Warburg de la Universidad de Londres, donde fue director desde 1959 hasta su retiro en 1976. Su jubilacion vio la publicacion de numerosos libros, articulos y ensayos y la concesion de numerosos honores internacionales, incluidos el titulo de Sir y la Orden del Merito. En 1994 la ciudad de Frankfurt le concedio el premio Goethe. Su best seller The Story of Art, publicada por primera vez hace 50 años, continua deleitando e informando a los estudiantes del mundo entero.

En el presente volumen, el lector encontrará el estudio detallado de 140 santos fundamentales para una historia general del arte y para la historia del arte español. Cada uno de los artículos se abre con el relato de los episodios biograficos y legendarios que es preciso conocer para comprender correctamente sus imagenes, al que sigue una enumeracion de los atributos con sus simbolismos y significados, haciendo especial hincapie en el estudio de las imagenes (aspecto, indumentaria, escenas, ciclos, grabados) y en aquellos ejemplos de especial relevancia para la iconografia del santo tratado. Se concluye con una bibliografia especifica, que se completa al final del volumen con otra de caracter mas general.

El desbarate sufrido por el patrimonio artístico español entre fines del siglo XIX y las primeras décadas del XX nos ofrece un triste relato: la crónica de un tiempo en el que un país pobre e inculto hizo almoneda de su casa, vendiendo sus enseres al mejor postor. Una historia donde se dan cita las dudosas actividades de vendedores, intermediarios, consentidores, encubridores y compradores de un acervo cultural acumulado a lo largo de siglos de historia. El resultado es un estremecedor catalogo de piezas artisticas, de diversa naturaleza, que fueron perdidas la mayor parte de las veces en dolorosas circunstancias y hoy se encuentran desperdigadas en colecciones de todo el mundo, principalmente en Estados Unidos.William Randolph Hearst es el gran protagonista de esta narracion; el todopoderoso empresario de la comunicacion, tristemente vinculado a la pagina final de nuestra historia colonial, y fuente de inspiracion para Orson Welles en su mitica pelicula "Ciudadano Kane". Hearst fue el mayor comprador de arte español de su tiempo, un comprador compulsivo que, a traves de turbias maniobras, no dudo en vulnerar todo tipo de obstaculos legales a fin de satisfacer su insaciable apetito como coleccionista. Para ello, a golpe de talonario, conto con cooperadores en todos los estamentos sociales, desde modestos operarios, hasta dignisimos intelectuales, clerigos y politicos, quienes, por su condicion, mas obligados estaban a la defensa del legado artistico.A su lado estuvieron Arthur Byne y su esposa, Mildred Stapley; cultos, ricos y bien posicionados socialmente, ellos fueron sus principales agentes en España y protagonistas fundamentales del negocio clandestino de venta y exportacion de tesoros artisticos del pais. Autores de importantes estudios sobre arte, mobiliario y arquitectura españoles, los Byne utilizaron dichas publicaciones como catalogos de las piezas que ofrecian a museos y coleccionistas americanos.

Conviene volver a mirar y, especial mente, disfrutar (una vez más) de los “maestros antiguos”, sin miedo a ser tildado de “viejuno”. Flaubert decía que el primer propósito del arte era hacer que vier

Con la idea de encarar una lectura más consciente de la imagen, este libro propone un análisis del mensaje visual fijo (cuadros, fotografías, afiches, etc.), necesario para abordar la lectura de mensajes más complejos (imagen en secuencia, animada, etc.). Se interroga también acerca de los distintos significados de la imagen y de las cuestiones que esta implica en cuanto a su naturaleza de signo; explora las resistencias que puede suscitar su análisis como las funciones que puede cumplir. Finalmente demuestra cómo una lectura de la imagen así enriquecida estimula la interpretación creativa y se convierte en una garantía de autonomía. Incluye ejemplos metodológicos que se desarrollan ampliamente y sirven de soporte a las referencias teóricas fundamentales.

Prólogo de Enrique Valdivieso

Una visión amplia y actualizada de una de las etapas más singulares del arte catalán, que abarca los siglos XI hasta el XIII, a través de la espléndida colección del Museo Nacional de Arte de Cataluña, que integra no tan solo los excepcionales conjuntos de pintura mural si no tambien una magnifica serie de obras de pintura en tabla, escultura en madera y piedra y objetos de arte suntuario. Un recorrido a traves de las obras maestras del museu, como las pinturas del Absis de San Clemente de Taull, el Frontal d''Avia o la Majestad Batllo entre otras, analizando su contexto general, la historia de sus colecciones y el interes que el arte romanico desperto en artistas de vanguardia del siglo XX.

El arquitecto vicentino Andrea Palladio (1508-1580) viajó en cuatro ocasiones, quizá cinco, a Roma. Probablemente como consecuencia de su último viaje de 1554, y aprovechando el bagaje que los anteriores le habian procurado en lo referente al estudio de los restos antiguos y a la medicion de las ruinas, escribio este opusculo sobre las antiguedades romanas que fue publicado a la par en Roma y en Venecia ese mismo año. Diferenciandose de las obras coetaneas mas importantes de la naciente primera arqueologia, Palladio no propone un itinerario topografico por la ciudad antigua como era usual, sino un recorrido rigurosamente tipologico, de la misma manera en que lo haria despues pormenorizadamente en su trabajo teorico mas notable, Los cuatro libros de la arquitectura de 1570. Acueductos, termas, circos, teatros, anfiteatros y arcos triunfales se suceden en el libro de Palladio como un revelador compendio de tipologias, obviando su situacion en el entramado urbano como criterio organizador. El discurso palladiano, aun dando cabida a algunos capitulos sobre instituciones y costumbres antiguas, es plenamente arquitectonico, de forma que esta primera obra se manifiesta como un primer ensayo en esa codificacion del lenguaje clasico de la arquitectura que Palladio acometio a lo largo de carrera. Aqui se recoge, con un importante conjunto de notas, la primera edicion critica publicada hasta ahora sobre esta relevante obra de Palladio.

The Divine Proportion reveals a number of simple patterns: It is seen in the seed patterns of fruits, the family tree of bees, the pyramids of Egypt, Gothic cathedrals, Renaissance paintings, the human body, shells ... the list is endless. Mathematicians use the Greek symbol to represent the Divine Proportion and equate it to a number that is defined by the ratio (1 + 5) / 2 or 1.6180339.... Numbers do little, however, in describing this unique ratio that is found everywhere in nature and for 2500 years has been an aesthetic guide in art and architecture. Beginning with calculations found on clay tablets in ancient Babylon, the story of Divine Proportion can be traced alongside the history of numbers to the fractals of the digital age. As its many forms unfold we uncover the Golden Rectangle in the Parthenon, Golden Spirals in the human inner ear, a Golden Angle in the petal patterns of a rose, and the Fibonacci numbers in lilies, daisies, pineapples, and in our own DNA. With its natural balance and elegant beauty, the Divine Proportion is a perpetual reminder that our hope for regeneration and continuity lies in realizing the meaningful and harmonious relationship of all the parts to the whole. This book deals with the Divine Proportion, a secret code that rules art, nature, and science. It is known by many names: Golden Mean, Sacred Cut and Phi are only a few; and it is not by chance that the Divine Proportion was given its name. It has been called divine because over thousands of years it has been deemed to be so.

Decir Venecia es ser transportado a un mundo mágico de tranquilos callejones, agua centelleante, luz parpadeante; de palacios que parecen hechos de encaje y estancias plenas de rojos brocados y oro reluciente; una ciudad cuya extraordinaria historia ha sido capturada a lo largo de los siglos por magnificas pinturas, esculturas y arquitecturas. Hablar del Renacimiento italiano es evocar imagenes de un arte, una literatura, una cultura que continuan siendo un modelo para la ejecucion artistica en Occidente. ¿Como era Venecia durante el Renacimiento, en el momento cumbre de su poder? ¿Como era la ciudad y como vivian sus ciudadanos? ¿Y quienes eran estos habitantes de la republica mas cosmopolita, uno de los principales puertos de Europa y via de entrada a Bizancio y al Levante musulman? ¿Como difirio su esplendido arte del de la Italia peninsular y por que? A traves de un detenido examen de pinturas, dibujos, ilustraciones de libros y otros obras artisiticas renacentistas, Patricia Fortini Brown revive este mundo, revelando una cultura de gran belleza, artificio y maestria.

La Escuela Española es universalmente conocida por ser una de las más representativas de lo que hoy llamamos realismo, como así lo avalan sus mejores maestros: Ribera, Sánchez, Cotán, el primer Velázquez, Zurbaran, Murillo... pero el realismo no se fraguo espontaneamente, sino al recibir y desarrollar el ejemplo de Caravaggio y de sus inmediatos seguidores tanto en Italia como fuera. Durante el siglo XVII, el realismo español adquiere su singular personalidad frente a otros modelos nacionales contemporaneos como el italiano, el de los Paises Bajos o el frances; manteniendose y recreandose tambien a lo largo del siglo XVIII. Colaboraciones de: Bonaventura Bassegoda, Valeriano Bozal, Xavier Bray, Christopher Brown, Francisco Calvo Serraller, Ignacio Cano, Peter Cherry, Gabriele Finaldi, William B. Jordan, Helen Langdon, Antonio Muñoz Molina, Pierre Rosenberg, Nicola Spinosa, Tzvetan Todorov, Enrique Valdivieso, Alejandro Vergara.

Josep Pla había conocido a Manolo Hugué en Barcelona en 1919, cuando el escultor acababa de regresar a España tras la primera guerra mundial. Casi una década más tarde, en 1927, escribiría su biografia en uno de los esfuerzos concentrados mas febriles de mi vida.De la mano del artista, Pla traza en Vida de Manolo contada por el mismo una semblanza memorable de Hugue, siguiendole por Barcelona, Paris y Ceret, narrando las mil adversidades a las que tuvo que hacer frente para huir de la miseria. El lumpen y la vida cotidiana en Barcelona a finales del XIX, la bohemia parisina, el circulo artistico de Ceret, o las ideas eticas y esteticas del escultor son recogidos en esta biografia con extraordinaria viveza.Pla sometio el texto a sucesivas revisiones y modificaciones, limando dos de sus caracteristicas esenciales: la frescura y la autenticidad. Esta nueva traduccion recupera el texto de la primera edicion del libro, que llevaba mas de setenta años sin ser publicado. Por la densidad humana del personaje que palpita en sus paginas, el libro es referencia ineludible de la biografia del siglo XX en España y uno de los mas logrados de su autor.

En este diccionario, Juan Manuel Bonet, escritor y crítico de arte, reúne el fruto de muchos años de investigaciones en torno al fascinante mundo de las vanguardias españolas. Las artes plásticas,