Libros de Historia del arte, página 4 de 1212

Quizá no conoces la historia de Lotte Lenya…Ni sabes mucho de la compositora Consuelo Velázquez…O no te imaginas la suerte que le esperaba a Lina Prokófiev…Y lo más probable es que no hayas oído habl

Tercer volumen ya de nuestra Historia del Arte en cómic, y este estará dedicado al Renacimiento, ¡la cosa se pone seria! Aunque "seria" no es un adjetivo que les pegue a nuestros agentes de la historieta, que siguen haciendo de las suyas, acompañados en esta ocasion de cicerones de la categoria de Leonardo, Sofonisba Anguissola, la Gioconda, Miguel Çngel, Rafael, Durero, Tiziano o Garcilaso de la Vega ¡Menudo equipo! Pasear por la Florencia de los Medici y asombrarnos con la cupula de Brunelleschi, por la esplendorosa Roma del cinquecento y contemplar la Capilla Sixtina ¡en todo el esplendor que nos proporciona un triptico desplegable!, o perdernos ascendiendo La torre de Babel de Brueghel el Viejo ¡Llamarlo sindrome de Stendhal es poco para como vas a quedarte tras leer este libro!

A partir del surgimiento de la fotografía en 1840, se produjo un cambio sin antecedentes en la historia de la representación que generó nuevas formas de intervenir la realidad. De este modo, se inauguro lo que Sorlin acuño como el siglo de la imagen analogica. Tomar una fotografia, encender la television son para nosotros actos ordinarios que ejecutamos sin reflexionar. Sin embargo, los aparatos de registro grafico pertenecen al universo de la maquina y, como todas las invenciones de la era industrial, alborotaron viejos habitos.Nuestro ojo es un aparato optico que refleja lo que se encuentra frente a el. Sin embargo, los seres humanos no perciben lo que registra la mirada. Privilegian en su entorno lo que responde a su propia curiosidad e interes.

Un fascinante recorrido por las maravillas del mundo antiguo, sus secretos, la realidad y las leyendas que las han acompañado, de la mano del Manfredi arqueólogo, apasionado por su profesión, riguroso y excelente divulgador. Los jardines que un rey hizo construir para su amada. Una tumba desmesurada para un solo hombre. Un dios con carne de marfil y ropajes de oro, sentado en su trono. Una estatua de bronce de treinta y dos metros de altura, el desafio de un discipulo a su inalcanzable maestro. El espectacular sepulcro rodeado de columnas de un reyezuelo presuntuoso. El templo mas grande jamas construido, erigido para la diosa. Una torre en una islita cuya luz guiaba a los navegantes desorientados en la noche. Los jardines colgantes de Babilonia, la gran piramide de Guiza, el Zeus de Fidias, el coloso de Rodas, el mausoleo de Halicarnaso, el templo de Artemisa y el faro de Alejandria. Son las obras mas impresionantes de la Antiguedad, el orgullo de las grandes civilizaciones del pasado, que aun hoy encienden nuestra imaginacion. A ellas Manfredi suma otra, menos conocida e igualmente excepcional: la tumba-santuario de Antioco I en la cima de una montaña de Turquia. Valerio Massimo Manfredi es internacionalmente conocido como el gran autor de novela historica sobre el mundo antiguo. Entre sus titulos mas conocidos estan la trilogia Alexandros, La ultima legion, El tirano, El imperio de los dragones,El ejercito perdido, Los idus de marzo, Odiseo. El juramento y Odiseo. El retorno. Pero Manfredi tambien es arqueologo, especializado en arqueologia clasica. Ha impartido clases en universidades de Italia y de otros paises. Ha conducido numerosas excavaciones y ha publicado articulos y ensayos academicos, ademas de colaborar en periodicos y revistas. Ha escrito y dirigido documentales sobre la Antiguedad para las cadenas mas importantes de television. Toda esta enorme dedicacion a un tema que le apasiona se concentra ahora en Las maravillas del mundo antiguo, donde nos invita a viajar por la Historia y a conocer a quienes la vivieron y la estudian. Reseña:Una narracion poderosa y magnetica que ofrece la posibilidad de visitar con los ojos de la mente esas maravillas, esas obras que desafiaban lo imposible.Modena Today

Todo aficionado a la historia del arte conoce las dos obras por las que Kenneth Clark está considerado uno de los historiadores y críticos más destacados del pasado siglo, El arte del paisaje y El desnudo. Menos celebres son sus escritos breves, nueve de los cuales se recogen en el presente volumen, cuyas paginas testimonian la pasion de mas de cincuenta años dedicados al estudio y la conservacion de las obras de arte.La sencillez y la vitalidad con la que aborda las preguntas de siempre --en el origen de estas se halla el interrogante esencial de a que nos referimos cuando empleamos la palabra arte reivindican la mirada como la mejor herramienta tanto para forjarse un criterio propio frente a las obras como para gozar de ellas. Desde su exploracion de los momentos de vision, esa experiencia visual a la vez familiar e inesperada que reconocemos en las obras artisticas y literarias, hasta sus lucidas reflexiones sobre lo que Clark denomina estilo de la vejez, el declive de las facultades creativas de poetas, musicos y pintores en la edad madura, el resultado es esplendido. Al aventurarse fuera de las fronteras impuestas por sus textos mas extensos y academicos, la escritura del autor alcanza una claridad y cercania que invitan al lector no solo a ampliar sus conocimientos, sino a elaborar sus propias interpretaciones sobre las cuestiones que este plantea. Al que no este familiarizado con su obra, Momentos de vision le resultara una excelente y amena introduccion al pensamiento de uno de los grandes humanistas del siglo XX.

Wabi-sabi: nuevas consideraciones ahonda en el vocabulario y los esquemas conceptuales que presentara hace más de veinte años y arroja más luz sobre el carácter del concepto central de su obra, así como sobre las circunstancias en las que se unieron las palabras japonesas wabi y sabi, lo cual ha favorecido numerosos malentendidos acerca del verdadero lugar del wabi-sabi en la historia japonesa. La obra, además de observar cómo se creó exactamente, explora el lugar del wabi-sabi en el mundo contemporáneo, invitando al lector a reflexionar sobre la materialidad (y su naturaleza) dirigida hacia el futuro.

Bajo el título de "Performance", presentó su conferencia Esther Ferrer en el CENDEAC en el Curso "Dicho y Hecho. VI Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. De la mano de sus protagonistas: la voz de los que saben lo que hacen", en marzo de 2016. Este libro recoge el texto de la conferencia, con prólogo de Margarita de Aizpuru, comisaria independiente y crítica de arte. Esther Ferrer es conocida por sus performances, su principal forma de expresión desde 1965, que realiza tanto de forma individualmente como formando parte del grupo ZAJ (hasta su disolución en 1996). Podríamos decir que toda su obra se reduce a una sola: Esther Ferrer. Ella es la obra, no solo ella, su cuerpo y su energía en las performances, sino ella, siempre ella, en sus objetos, en sus autorretratos, en su búsqueda del infinito.

Desde su blog, El Hematocrítico selecciona y da nuevos e insospechados sentidos a numerosas pinturas clásicas a través de reveladores pies de foto. Santos, pintores, mártires y figuras celestiales en actitudes que parecen propias de la actualidad, un gran ejercicio de humor que ahora traducimos a papel en un libro de 96 páginas en color. Tras El Hematocrítico de Arte (La recopilazioni della stupideci de Interneti) y El Hematocrítico de Arte 2 (La secuella molto esperata) su autor regresa con El Hematocrítico de ArTRES (Piu dello mismi), una selección de las mejores obras aparecidas en su blog junto con más de 40 páginas de cuadros inéditos. Con portada de José Luis Ágreda y prólogo de Manuel Bartual.

100 ejercicios prácticos para convertirte en el mejor ladrón de ideas. El ticket de un restaurante. El título de un libro que no has leído. Un recuerdo. Lo que has tirado a la papelera. Una búsqueda

Son pocos los cuadros en la historia de la pintura que han ejercido una atracción tan intensa y permanente como el "Guernica", obra pintada por Pablo Picasso en 1937 para el Pabellón de la República española en la Exposicion Internacional de Paris. Tras un largo periodo en el que la obra permanece depositada en el Museum of Modern Art de Nueva York, su llegada a España en 1981 tiene una significacion trascendental en el momento de la transicion a la democracia. Su devolucion supone el final de un largo proceso que va desde la gestacion del cuadro hasta las negociaciones para su traslado a España, revistiendo una gran importancia desde el punto de vista de la recuperacion de nuestro patrimonio artistico, y marca el final de la transicion politica y cultural tras los años de dictadura. Las nulas relaciones del artista con el regimen franquista, que le consideraba un enemigo politico por su militancia comunista y su apoyo a la causa republicana, no impidieron que Franco diera su visto bueno en 1968 a la primera reclamacion oficial del cuadro. En un momento de apertura y promocion del arte de vanguardia español fuera de nuestras fronteras, el regimen buscaba recuperar la obra maestra de Picasso que, afincado en Francia, ya era reconocido como el artista mas destacado del siglo XX. Gran parte de la documentacion manejada durante esta investigacion es inedita y procede del archivo del Ministerio de Asuntos Exteriores, asi como del Archivo Historico Nacional.

El presente texto, que se pretende una contribución a la historia de los estilos y no a la historia de los artistas, adopta como tema la disolución del Renacimiento, es decir, el tránsito del Renacimiento al Barroco. Su proposito es observar los sintomas de la decadencia y reconocer, si es posible, la ley que permita vislumbrar la vida interna del arte.¿Como pudo apagarse aquella luz que presidia todas las manifestaciones artisticas del Renacimiento? ¿Que espacio de relajamiento, que arbitrariedad se apodero de las principales manifestaciones de la cultura para que pudiera esta abandonar un camino tan gloriosamente comenzado? Son cuestiones que Wolfflin intenta responde a traves de su estudio de este proceso, de esta transformacion estilistica que reside en el paso de un arte riguroso a un arte , de una forma estricta a una ausencia de forma. Asi pues, partiendo de esta hipotesis de trabajo, y preferentemente desde el punto de vista arquitectonico, el autor crea los fundamentos para el desarrollo de un analisis cientifico de la obra de arte, tomando como base ese grupo de obras que han suscitado la admiracion de la posteridad, que las ha calificado desde hace mucho tiempo como las creaciones de la Edad de Oro.

En 2013 se cumplieron cincuenta años de la publicación de uno de los clásicos imprescindibles de la enseñanza artística: "Interacción del color", que ofreció las bases para la enseñanza experimental del valor y el sentido de los colores. Defensor del aprendizaje en accion, la revolucionaria y polemica teoria pedagogica de Josef Albers no fue aceptada de manera inmediata por los defensores de la ciencia colorometrica, que propugnaban la separacion a ultranza entre el observador y el fenomeno del color. Albers demuestra, al contrario, que un mismo color es capaz de evocar multiples lecturas y que lo importante es educar la vista con el fin de poder apreciar sus efectos. En poco tiempo, la obra se convirtio en un manual de referencia en los principales departamentos de pedagogia de las artes y del diseño de todo el mundo. Libro practico, "Interaccion del color" esta compuesto por iluminadoras estrategias perceptivas que, ademas de procurar un infinito placer personal al lector, le ayudaran a ampliar la manera de usar y percibir los colores en las artes visuales, la arquitectura, los textiles, el diseño interior y el grafismo...Con nuevas imagenes y otros detalles que refinan su propuesta pedagogica, esta actualizacion de un clasico hace posible que prospere la valiente invitacion de Albers a la experimentacion, a la apertura y a la expansion intelectual y personal.

Réau confronta metódica y sistemáticamente los temas estudiados con textos teológicos, litúrgicos y legendarios, con documentos poéticos, históricos y socioeconómicos, y cataloga sus principales representaciones artisticas con una erudicion inaudita que se expresa, sin embargo, a traves de un lenguaje dominado por la claridad y la precision expositivas.

Las grandes pinturas no pueden comprenderse en su totalidad con un solo encuentro; de ellas siempre emana algo más. Los amantes del arte siempre quieren –y, de hecho, deben– revisitar y reconsiderar

La finalidad de este libro es identificar, describir, analizar e interpretar el significado y contenido de una imagen, desde los planteamientos de la iconografía y la iconología. Los destinatarios principales son los estudiantes que inician su formacion en historia del arte y deseen aprender las destrezas y habilidades necesarias para analizar los contenidos de una imagen, un proceso que por sus condiciones, fines y objetivos es diferente a los estudios que suelen hacerse de la obra de ate a partir de sus aspectos formales, compositivos o esteticos. Si bien es cierto que desde la iconografia y la iconologia no puede accederse nunca a un conocimiento completo y global de la obra de arte, sin ellas no es posible tampoco lograr una comprension en profundidad sobre sus significado y condicionantes culturales.

No conocemos los nombres de los artistas del antiguo Egipto, pero el valor de las obras de estos maestros anónimos es comparable al de las piezas más destacadas de épocas posteriores, como las esculturas de Miguel Angel o las pinturas de Leonardo. Este libro presenta algunas de las piezas mas importantes desde el Imperio Antiguo, en el tercer milenio antes de Cristo, hasta el Periodo Tardio. El volumen recopila esculturas, relieves, sarcofagos, murales, mascaras y ornamentos. La mayoria de las piezas se conservan en el Museo Egipcio de El Cairo, aunque otras ocupan lugares preeminentes, como piezas del patrimonio mundial, en museos como el Louvre de Paris, el British Museum de Londres, el Museo Egipcio de Berlin o el Metropolitan de Nueva York.Algunas de las obras incluidas son: La estatua sedente del rey Zoser El relieve en madera de Hesire sentado a la mesa La estatua de un escriba hecha con diversos materiales El ajuar funerario de Aschait La esfinge de Sesostris III La estatua robada de Cherihotep Los relieves del templo de Karnak El sarcofago de la reina Hatshepsut Los murales de Tebas La figura sedente de la reina Sejmet La estatua de la reina Tiy La cabeza de Akenaton (Amenofis IV) El busto de la reina Nefertiti La mascara dorada de Tutankhamon El Ramses II de Abu Simbel Horus representado como un halcon de granito El relieve con artilugios quirurgicos grabados sobre la piedra del templo de Edfu

Acostumbrados a ver en el Rococó un período de frivolidad y decadencia, el estudio de Julio Seoane nos resultará sorprendente: en el Rococó se configura una forma de sociabilidad que es propiamente moderna. No es momento para las grandes teorias, para canones y verdades, es tiempo de pluralidad y dialogo, de expectativas morales, es tiempo de lugares donde tal dialogo y pluralidad puedan realizarse. El Rococo, dice Seoane, "es la modernidad que todavia no se ha dado nombre".

El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbolico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterializacion de la obra de arte.

Manojos casuales, ramos formales, arreglos al azar, paisajes imaginados... Flores en el arte es una colección de hermosas representaciones de flores elaboradas por artistas, fotógrafos e ilustradores de todos los tiempos.Desde las flores de cactus de Georgia O'Keefe hasta las rosas de Henri Matisse, los crisantemos de Keika Hasegawa o el estudio de zinnias de Albert York, la orquidea de Gerhard Richter o los lirios de David Hockney, los amantes del arte y de la naturaleza podran deleitarse con esta increible explosion de color y de miradas salpicada con evocadoras citas y apuntes sobre los artistas y su relacion con las flores.